Siempre en VO

Una crítica de Pau Garcia

Richard Linklater vuelve a nuestras carteleras con la adaptación de la novela ‘Last Flag Flying’, un largometraje que a priori no tiene muchos nexos en común con el resto de su filmografía. Sin embargo, a estas alturas no debería sorprendernos la diversidad temática y tonal del autor de Houston: entre sus films más heterodoxos se encuentran esa ensoñación animada llamada 'Waking Life' o 'A Scanner Darkly', una adaptación de Philip K. Dick en la que también experimentó con la animación.

No es la primera vez que se lleva a la gran pantalla una novela de Ponicsan; de hecho, la película que aquí nos ocupa se anunció inicialmente como una secuela espiritual de ‘The Last Detail’ (film estrenado en 1973 dirigido por Hal Ashby y protagonizado por Jack Nicholson) y aunque el propio director ha reconocido que no es así (“no puedes hacer una secuela si no tienes los mismos actores”), ambas obras comparten algunos elementos; el patriotismo, la camaradería, el militarismo o la amistad son algunos temas latentes en sus fotogramas. Las dos adaptaciones, además, comparten una mirada crítica del ejército. Sin embargo, si ‘The Last Detail’ era una agridulce road movie con algún toque de comedia, la obra de Linklater la trasciende para narrar un viaje más dramático y emotivo gracias al enorme recital interpretativo de Bryan Cranston, Steve Carell y Laurence Fishburne.

Si bien es la Guerra de Iraq la que transcurre en el tiempo de la acción, también la Guerra de Vietnam está muy presente en la vida de los tres protagonistas y es muy fácil que contemplando la película venga a la mente la famosa cita de Karl Marx: “La historia se repite primero como tragedia y después, como farsa.” Linklater también se las arregla para describir en pocas escenas el clima de paranoia post 11-S, pero no tiene la misma clarividencia y concisión al intentar describir otros retazos de la época como la proliferación de los teléfonos móviles o la expansión de Internet.

Doc (Steve Carell), veterano de Vietnam, parecía haber superado el trauma de la guerra, pero pronto la tragedia entró sin avisar en su vida. Años después, su hijo murió asesinado en la Guerra de Iraq, y recurre a Sal (Bryan Cranston) y Richard (Laurence Fishburne) para que le acompañen en el doloroso viaje que tiene que hacer para enterrar a su hijo fallecido. Completamente desolado, encuentra en sus antiguos camaradas del ejército –un alcohólico y un cura- unos compañeros perfectos para un viaje que es incapaz de hacer solo. Aunque el personaje de Bryan Cranston no parece muy dispuesto a aceptar la autoridad propia del ejército (los ataques verbales a un coronel son una auténtica delicia para los antimilitaristas), en cierta forma echa en falta esa época. Ahora, décadas después, bebe cerveza para soportar la resaca y no ha pasado página. A pesar de sus contradicciones, sigue nostálgico de esos tiempos. Richard (Laurence Fishburne), por su parte, vive arrepentido de su época en el ejército y recuerda el pasado sin ningún atisbo de melancolía. Encontró en la religión el elemento de conexión vital que necesitaba para llenar la falta de sentido que le dejó Vietnam y su paso por el ejército. No es muy diferente al intento de búsqueda de sentido que realiza Freddie Quell (Joaquin Phoenix) en ‘The Master’, y si bien en el film de Paul Thomas Anderson las secuelas psicológicas de la guerra son más profundas y evidentes, el protagonista atormentado también busca refugio, además de en la figura de Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), en el reconfortante abrazo de la religión (o secta) de la Cienciología.

Aunque las diálogos están por encima de la media, no parecen hacer justicia al talento natural de Linklater para escribir conversaciones realistas y naturales . Sin embargo, es una auténtica delicia ver actuar a los tres actores principales, que parecen disfrutar de la experiencia de participar en una película dirigida por uno de los mejores cineastas norteamericanos. Si Bryan Cranston consigue imprimir todo el carisma y el sentido del humor del que es capaz, Steve Carell lleva el peso de la tragedia en sus hombros, con una actuación más contenida pero convincente. Una vez más, Carell demuestra que puede interpretar a cualquier personaje, sea de registro cómico o dramático. Laurence Fishburne tampoco se queda atrás y tiene varios momentos para el recuerdo.

La juventud ha sido uno de los temas predilectos de Linklatter a lo largo de su carrera. El director de Texas ha narrado el último día de Instituto ('Dazed and Confused'), el fin de semana anterior a las clases en la universidad ('Everybody Wants Some'), una noche para enamorarse ('Before Sunrise') y toda una infancia y adolescencia ('Boyhood)'. Con ‘Last Flag Flying’ realiza una película diferente, que en cierta forma también reflexiona sobre la juventud pero desde la perspectiva de quiénes ya la han vivido. Ahora, parece decirnos Linklater a través de estos personajes, sólo queda mirar el pasado con nostalgia, olvidar los tiempos pretéritos o intentar salir adelante aunque parezca que el mundo se derrumba.

Una crítica de Adrià Naranjo

No tenía nada que hacer; había sido un lunes de mierda. Me había pasado el día angustiado por no tener un trabajo fijo; por cobrar quinientos euros al mes; por tirar de ahorros para llegar a pagar el alquiler; por vivir en una habitación de cuatro metros cuadrados; por haber tenido una bronca con una amiga; por ver como mis amigos no respondían a los whatsapps para quedar; por tener una vida precariezada; por estar en el epicentro de una crisis que sigue lejos de acabar; por estar más solo que la una; por no poder más con todo lo que me rodea;...

Abrí el portátil desganado, esperando que el sueño me entrara con una película cualquiera o algún estúpido vídeo de youtube. Entré en filmin (los míseros 6 euros al mes que cuesta es de los pocos lujos que me permito) y bajé con desdén el cursor. “Últimos Estrenos”: todas eran de pago. Bajé más. “Las más vistas”: la mayoría, como era de esperar, ya las había vista. Pero, uy, espera, encontré un cartel que me llamó la atención. Sobrio, ilustrado, pastel, indie, impactante,… Sobreimpreso, ‘Pikadero’; con “k”, ¿qué cojones seía eso? Director: “Ben Sharrock”. ¿Y ese nombre? ¿Será vasco? Ni idea. Sólo 90 minutos. No tenía nada mejor que hacer, así que why not? Me lancé.

La mejor decisión que he tomado en años.

‘Pikadero’ habla de todo esto. De la puta crisis. De la puta vida (y sin “tete” detrás). ‘Pikadero’ es la película que ~~nuestra~~ mi generación esperaba desde hacía años. Ya está bien de tanta felicidad y tantas hostias. Apellidos vascos, Barcelona nit de, Exiliados románticos, Requisitos para ser… jiji, jaja; pues no, NO, NO y NO. Este mundo nos está matando y nosotros así. Sí, matando. Han creado ~~un mundo~~ un país que nos está aniquilando; que nos deja sin sueños ni esperanza y que maltrata desde el obrero hasta el artista; en el que no tiene sentido estudiar, pero tampoco hay trabajo; en el que el cine tiene un IVA de lujo; en el que vas a la cárcel por reírte de un fascista que voló por los aires, pero que permite que Urdangarin duerma en su casa; en el que los “socialistsa” dicen no ser de derechas o de izquierdas y donde gobierna un partido fundado por franquistas repleto de juicios abiertos; en el que se prohíben las urnas en Cataluña, pero nos obligan a permitir la barbarie de los toros; en el que la ley mordaza nos calla y el machismo institucionalizado nos mata;… ‘Pikadero’ es esta desesperación. Un sentimiento que, por unos motivos u otros, es el día a día de nosotros, los jóvenes de este país de mierda.

Gorka y Anne se conocen y empiezan un “amar en tiempos de crisis”. Ambos cerca de la treintena; ambos viviendo en casa de sus padres; ambos sin futuro. Él es callado; a veces parece que no esté. Ella es más lanzada; pero siempre con la resignación y la tristeza inundando sus ojos. Él trabaja en una fábrica que no soporta; ella estudia un máster que no le interesa.

Billy Wilder dijo que las mejores ideas se le ocurrían cuando se iba a la cama y las perdía, así que guardó una libreta y un boli en mesilla de noche. Ese día, antes de quedarse dormido, escribió algo. Al despertarse leyó “chico conoce a chica”. Pues sí, este es el mismo caso; la misma historia de siempre: la historia de una pareja que empiezan una relación. Pero no es la de siempre porque los personajes no son los de siempre. El ritmo es lento, calmado, marcado por ellos… y sus circunstancias. No es una historia de amor, sino una historia de realidad. Después del primer acercamiento (lo que en comedia romántica se llama “encuentro significativo”) surge el objetivo: encontrar un sitio donde... realizar el acto. Cogiendo esta búsqueda como mayor motor dramático de la obra, ocurre algo magnífico, extraordinario. El protagonista se salta las dos grandes reglas que se repiten una y otra vez en las clases de guión. La primera es simple: “un protagonista debe ir a por su objetivo aunque le vaya la vida en ello”. Aquí, no. Gorka aparece apático hacia su objetivo; como con la vida en general. Intenta complacer a Anne, pero su interés es mínimo. La otra norma de oro es “siempre debe haber un arco dentro del protagonista y, preferiblemente, a mejor”. Aquí no lo hay. En la universidad me dijeron que nunca hiciera eso; ahora que soy yo quien da las clases, repito las palabras de Bertolt Brecht “desgraciado el país que necesite héroes” para intentar generar un cine diferente. Pero siempre hay un halo de duda; siempre se piensa que este planteamiento es menos comercial; que no funcionará; que se debe tener mucho cuidado. ‘Pikadero’, gracias otra vez por demostrar que se puede (y se debe) hacer.

El guión de ‘Pikadero’ es espectacular por esta forma de combinar personajes y objetivos globales, pero también por cómo plantea con inteligencia cada secuencia; por el uso impecable del silencio; por el modo de introducir la comedia tensa; por los personajes secundarios; por los recursos; por todo. Leo unos veinte cortometraje al día, veo unas quince horas de audiovisuales semanalmente y tutorizo largometrajes todos los meses; mi trabajo se basa en encontrar fallos en guiones; con ‘Pikadero’ no he podido.

Uno de los conceptos básicos en el cine es entender porqué la gente va a ver una película. Son tres estas razones: la dramaturgia, la veracidad y la espectacularidad. Cuando los alumnos piensan en esta última, siempre se van a los grandes artificios hollywoodienses, a las explosiones y las persecuciones a todo trapo. La espectacularidad de ‘Pikadero’ es maravillosa. La espectacularidad también son sus magníficos y armónicos planos fijos; la tensión en el dilatado montaje; la impecable fotografía; la atemporalidad de la dirección del arte; la elegancia en el sonido; la sobriedad en la dirección de actores;… La estética de ‘Pikadero’ es una obra de arte que se debería enmarcar fotograma a fotograma. Pocos planos, pero cada uno con una potencia y una intención que sólo se pueden encontrar en las grandes producciones del cine europeo. Heredera de la incomodidad propuesta por el legendario Roy Andersson, combina el humor tenso con un tempo pausado y asfixiante. De este modo se nos vuelve a chillar a la cara que el cine vasco se merece todos los reconocimientos que le podamos dar. El director Ben Sharrock, un escocés afincado en el País Vasco, se estrena demostrando una habilidad impresionante; generando una asombrosa sinergia entre el qué y el cómo, entre contenido y continente. Y es que ha sabido hacer lo más difícil: justificar todas las decisiones bajo una misma premisa, una misma atmósfera, un mismo mensaje. Rezaré todas las noches para ver en pantalla grande y sesión continua esta maravilla junto con ‘Loreak’. Gora Euskal zinema!

Pero es que además ‘Pikadero’ tiene algo que es impagable (nunca mejor dicho): a duras penas se ha estrenado en España. Después de todo este torrente de emociones me pregunté como se me pudo escapar en su momento. Aunque la inmensidad de la taquilla es inabarcable, suelo acercarme a los 200 estrenos vistos y, aunque me pierda alguna perla, siempre hay amigos que se dedican a lo mismo y te dan un toque. Pero no, no había escuchado nada en absoluto sobre ella. Lo primero que hice: Redes Sociales. Facebook: nada. Twitter: 289 seguidores. No podía ser. Empecé a buscar su recorrido y me quedé atónito. Se estrenó en San Sebastián y pasó por algún festival, pero poco más. Se estrenó en Euskadi y se menciona por encima el resto del territorio. No había fechas fiables; no había datos de taquilla. Ni corto ni perezoso, me dispuse a escribirles un mensaje para pedir esta información y, ya de paso, felicitarlos por el mayúsculo trabajo. Nada; no se podían mandar mensajes por twitter. Al final de la raquítica ficha de imdb encontré el nombre de una productor (“Caravan Cinema”) y probé suerte. Google me desvió a otra compañía llamada “AteraFilms”, que parecía ser la distribuidora. Había pestaña de “contacto”, así que les escribí planteándoles mi falta de información… y mi asombro por ello. A fecha de hoy aún no he recibido respuesta. Pero este periplo no es más que otra demostración del estado de salud de nuestra industria cinematográfica. Llenamos nuestras salas de remakes norteamericanas, de dramas morbosos, de comedias francesas hechas en cadena; y ¿dónde queda nuestras películas? ¿De verdad no hay sitio para las pocas cosas que hacemos bien? ¿De verdad no podríamos replantearnos nuestra relación con las grandes productoras made in USA? ¿De verdad aceptamos la colonización cultural y despreciamos el arte patrio? ¿De verdad nadie anunció ‘Pikadero’ a bombo y platillo? ¿De verdad?

Y es que a estas alturas uno ya había perdido toda esperanza en nuestro cine; había tirado la toalla y enterrado el hacha de guerra. Pero ‘Pikadero’ no es la película que queremos, sino la película que necesitamos; por eso es tan importante que se vea. Que realmente se apoye a un cine español, a un cine euskera, diferente y de calidad. Que se apueste por un arte que siga sorprendiéndonos en un mundo en el que cada vez cuesta más levantar películas. Por esto es tan importante que todos entremos en filmin.es y paguemos los 2,95 euros que cuesta. Porque vale la pena. E imaginaros lo bonito que sería convertirla en punta de lanza de las quejas contra la precariedad del cine, contra el desamparo gubernamental, contra la apatía social. Imaginaros convertir ‘Pikadero’ en una de las películas más vistas del cine español. Imaginaros…

Llevo casi diez años escribiendo ficción y no-ficción para ganarme la vida y esta es de las primeras veces que lo hago desde la esperanza y la admiración; desde el asombro y el respeto. Es de las primeras veces que me encuentro con personajes que son como yo y tienen mis problemas; que su realidad es la de la gente que me rodea y su desánimo es el que me encuentro en la calle. Y cuando uno no está acostumbrado a que hablen de él y se lo encuentra, así, sin esperarlo, pues se emociona, la verdad, se le llena el pecho.

Gente de ‘Pikadero’: Eskerrik asko!

Adrià Naranjo

Una crítica de @AdriNaranjo2

¿Una película sueca de dos horas ahora, un viernes por la tarde? Menudo tostón.

¡ERROR!

Un hombre llamado Ove es un soplo de aire fresco en un cartelera saturada de americanadas y mediocridades variopintas. Por fin una comedia ligera, pero con una factura impecable. Por fin un producto sin pretensiones, pero con una técnica de diez. Por fin un entretenimiento liviano, pero que no te trata como a un estúpido.

Ove es un personaje de esos que calan, de esos que odias y adoras al mismo tiempo. No es sencillo jugar a este juego. El tono debe mantener un buen equilibrio. No caer en la comedia disparatada, pero tampoco irse al melodrama lacrimógeno. El guión y la magistral interpretación de Rolf Lassgård lo consiguen. Punto. Nadie puede decir lo contrario. La caracterización de este abuelo gruñón es de libro. Ni una fisura. Con dos acciones ya tenemos suficiente para ver la esencia y, a su vez, para que se genere un enorme misterio sobre los motivos de su actitud. Como hizo Eastwood con ‘Gran Torino’, la figura del vecino cascarrabias se desarrolla con una sensibilidad llena de humanidad y comprensión. La inclusión de la vecina lo ayudará a cambiar y dará luz a toda la oscuridad que le rodea. Oscuridad que, por otro lado, no aparece en la fotografía o el montaje. Todo se ve; todo se oye. La perfección en la ejecución hace que se perdone la falta de intencionalidad de estos aspectos. Al fin y al cabo, en el cine hay artistas y artesanos. La originalidad es nula, pero lo que hacen lo hacen muy bien. Viendo como esta el patio, nos podemos dar con un canto en los dientes.

El nombre de Hannes Holm seguramente no tenga mucha repercusión en España, quitando, a lo mejor, ‘Adam & Eva’ (que aquí llegó como ‘Eva y Adán’; como si estuviéramos en un país respetuoso en el que se usa un lenguaje inclusivo, pero bueno...) poco recorrido han tenido sus obras. 20 años después, vuelve con esta adaptación del Bestseller de Fredreik Backman. Tiene mucho en común con otras adaptaciones recientes de bestsellers europeos con este aire tragicómico. Esta “moda” incluye títulos tan dispares, pero a la vez tan próximos, como ‘La elegancia del erizo’ o ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’; todas ellas tienen estos tintes negros que consiguen dar más profundidad que lo aportado por la convencional ligereza en la que se mueven este tipo de comedias. Un ejemplo es la manera en la que se introducen los flash-backs. Cada vez que Ove se intenta suicidar, se aprovecha el momento para aportar esta píldora de su pasado. Una decisión muy inteligente que justifica este recurso que tantas veces suena forzado.

Los Oscars, con todo el paternalismo y desprecio del que hacen gala al tratar las producciones europeas, le otorgó dos nominaciones. Aunque el caso que se le debe hacer a los Goyas norteamericanos (recordemos que no son nada más que eso) deba ser el justo, no es frecuente que una cinta rodada en lengua foránea entre en las categorías específicas. La primera mención es la lógica, la de película de habla no inglesa, pero la segunda es por el maquillaje, y aquí debemos hacer un inciso. El maquillaje es espectacular. ES-PEC-TA-CU-LAR. Otra cuestión es si era necesario este inmenso trabajo. ¿No se podría haber elegido un actor de la edad que correspondía? ¿No se podrían haber trucado algunas imágenes de su difunta esposa? Seguramente sí, pero ¿y qué? Lo que queda claro es que lo hecho en ‘Un hombre llamado Ove’ es increíble; una obra de arte. Podríamos entrar en detalles técnicos, pero no hay mayor prueba que ver las imágenes de dicho proceso de construcción.

Esta película tiene muchas virtudes, muchísimas, pero tiene dos fallos argumentales que desmerecen parte del trabajo de los demás departamentos. El primero es totalmente objetivo, de los obvios, de los que se podrían haber evitado con una lectura un poco más crítica del guión: es muy larga. Dos horas y cuarto para una comedia es algo que, por lo menos en nuestros días, resulta imperdonable. Aunque no agota tanto como podría parecer, da rabia que el origen de esto sea tan evidente. Este reside en el primer acto. Si la gracia de la historia es el cambio de este personaje, si la gracia es la relación con Parvaneh, la vecina, ¿por qué narices no aparece un conflicto real con ella hasta que la cinta suma una hora? Incomprensible del todo. Muchos se me tirarán encima diciendo que el primer acto de ‘Casablanca’ dura tres cuartos de hora o algún otro ejemplo random. Me da igual. Esta película necesita más ritmo y durar menos. Esta hora de espera, por muy bien trabajada que esté, es una cagada como la copa de un pino.

La otra cuestión es el final. Y aquí mi opinión es completamente personal y se basa en mis gustos y mi concepción del cine. ¿Qué necesidad hay de generar un happy ending sistemáticamente? ¿Por qué siempre debe haber un cambio a mejor dentro del personaje? ¿Por qué santificamos a los protagonistas negativos de una manera tan exagerada y evidente? Bertolt Brecht dijo “maldito el país que necesite héroes”; pues esto es lo que nos encontramos aquí. Que no, señorxs, que no. Acabar con un “es difícil admitir que te has equivocado” es un WTF? en toda rega. ¡Échale huevos y no hagas lo que se espera, sino lo que suele ocurrir! Es que el tema es muy sencillo: ¿‘El verano de Kikujiro’ o ‘St. Vincent’? ¿la cobardía made in USA o la osadía de genios como Kitano? Este final no se ha elegido porque quedaba mejor o cuadraba con lo que sea; este final se ha elegido para vender. Punto. Y lo siento mucho; siento mucho mi contundencia; pero no se puede decir de otro modo: este final es fácil. Hay gente a quien le viene bien las cosas fáciles; las películas fáciles, las relaciones fáciles, las personas fáciles, los trabajos fáciles, los libros fáciles, los amigos fáciles; a mí, no. Ni como espectador, ni como crítico, ni como guionista, ni como profesor, ni como persona. Las cosas fáciles son para las personas fáciles. Con todo mi pesar, I’m not interested! Ahí se coman las moralinas finales llenas de mediocridad y adoctrinamiento. Que estamos en crisis. Que no tiene sentido esta sonrisa constante y estos eslóganes a lo Mr. Wonderful que no compra ni el Tato.

Y paro ya. Porque la película es buena. Es entretenida. Cumple su función. Le pondría 4 estrellas sin dudarlo. Simplemente es que uno está hasta los mismísimos de este positivismo forzado.

Hasta la próxima.

[[Crítica de @PauGarcia179]]

Dicen que Los Ángeles es una ciudad fría y despiadada. Películas como 'Maps of the Stars' o incluso la serie 'Bojack Horseman' dan buena muestra de ello, y probablemente tengan parte de razón. Emma Stone estuvo muchos años yendo a audiciones en L.A. sin conseguir un papel, y ahora está tocando las estrellas en el filme del que todo el mundo habla. Damien Chazelle también se mudó a Los Ángeles para convertirse en cineasta, y tras el éxito de 'Whiplash' (que consiguió sacar adelante gracias al corto homónimo, también con la participación de un imperial J.K. Simmons) pudo cumplir su sueño de realizar un musical, algo que llevaba pensando junto con Justin Hurtwiz (su amigo y responsable de la música en todos sus filmes) desde hacía diez años.

Todo el mundo ha visto 'La La Land', tiene intención de verla o cuando menos tiene curiosidad por ver a qué viene tanto bombo. Reconozco que el odioso cínico que hay en mí se mostraba receloso ante una película como 'La La Land'. La avalancha de críticas y comentarios positivos que dejaba a su paso por festivales y salas de cine donde se proyectaba sólo aumentaba mi escepticismo. Nada puede ser tan bueno. Nada puede emocionar tanto ni tener una respuesta crítica y de público tan positiva. No existe tal perfección. Además, yo odio los musicales. Como ese personaje de 'Dancer in the Dark' (que en realidad, sí, es un musical), no entiendo porqué de pronto los personajes se ponen a cantar. Esto no pasa en la vida real. El cine es un reflejo de la vida, de la realidad, pero nunca puede ser la realidad misma. Quizás no hay que intentar entender porqué se ponen a cantar. Supongo que en esta vida hay cosas que no hay que intentar entender.

Como en su anterior obra, Damien Chazelle parte de premisas autobiográficas (en aquella, sobre sus desventuras como batería; en ésta, sobre su sueño de triunfar en el cine) para volver a hablar de lo mismo: del equilibrio (si es que eso es posible) entre vida personal (y sentimental) y sueños (u obsesión, en el caso de 'Whiplash'), de los sacrificios que hay aceptar para cumplir nuestros anhelos. Mucho se ha hablado del individualismo y egoísmo que recorren las películas de este joven director: si bien en 'Whiplash' es difícil discutir ese mensaje un tanto reaccionario, 'La La Land' ofrece más espacio para el debate. Sin entrar en los detalles de la trama, hay que decir (y perdonen la obviedad), que las acciones, decisiones y formas de pensar de los personajes no tienen porqué corresponderse con las del director o con el mensaje del filme.

El problema de La La Land viene más bien por la debilidad de la historia, por un guion al servicio de los números musicales y de un final forzoso que busca provocar unas emociones muy concretas. Quizás por su naturaleza de musical, Chazelle acaba por abrazar el artificio y obviar la complejidad de las relaciones humanas. El director simplifica la psicología de los personajes, convirtiéndoles en simples marionetas al servicio de una melancolía que se presenta bellísima, pero impostada.

‘La La Land’ no es una película perfecta ni falta que hace. Entierra la razón para apelar directamente a las emociones; despierta en nosotros el lado más soñador a la vez que embiste contra el cinismo, y aunque en el universo de 'La La Land' no existen los matices o términos medios, nos hará preguntarnos si hemos hecho lo suficiente para cumplir nuestros sueños, si estos merecen la pena teniendo en cuenta lo que podemos perder, o si hay alguna manera de poder conciliar nuestra vida personal con esos sueños que se presentan tan ingenuos pero tan aparentemente indispensables para alcanzar la tan ansiada felicidad.

[[Una critica de @PauGarcia179]]

Tras el éxito de su última película, 'The Imitation Game', de producción británica y ganadora del Óscar al Mejor Guion Adaptado (que además obtuvo otras 7 nominaciones), Morten Tyldum nos trae este año su primer filme estadounidense, 'Passengers', un drama romántico espacial protagonizado por Chris Pratt y Jennifer Lawrence.

En un futuro en el que los humanos han empezado a colonizar otros planetas, una nave espacial se dirige a uno de los mundos habitables. Sin embargo, una avería en una de sus cámaras de sueño provoca que dos pasajeros se despierten 90 años antes del final del viaje.

Morten Tyldum dirige esta historia de ciencia-ficción con solvencia y elegancia, pero en ningún momento consigue transmitir la claustrofobia y la desesperación (más allá de un tímido amago a raíz de cierta revelación del personaje de Chris Pratt) de unos personajes que se ven obligados a enfrentarse a la soledad en ese espacio limitado que es la nave espacial en la que viajan. Sin embargo, gracias al buen hacer del director y de la pareja protagonista, podemos seguir la trama con interés sin tener que consultar el reloj, pero el desarrollo dramático y narrativo resulta de lo más obvio y previsible incluso para el espectador más despistado.

Si bien es Chris Pratt quién tiene mayor protagonismo en detrimiento de Jennifer Lawrene, el actor de 'Jurassic World' consigue una actuación correcta partiendo de un personaje bastante plano del que, más allá de su profesión, no sabemos prácticamente nada. Lawrence, aunque no tendrá nominación al Óscar por esta interpretación (ya le tocaba, por una vez), ofrece una notable actuación (ganándole la partida a Pratt) con un personaje un poco más trabajado que el interpretado por Pratt. Completan el reparto un divertido Michael Sheen como el robot camarero y Laurence Fishburne, que consigue emocionar con los pocos minutos que le dejan actuar y que acaba siendo una de las mayores revelaciones de la película. También aparece por ahí Andy García como capitán de la nave, con diez segundos de tiempo en pantalla y sin una mísera línea de diálogo. Uno no puede evitar preguntarse cuánto ha cobrado por pasearse por ahí.

‘Passengers’ se sirve de un par de buenos actores para sostener un filme sin ninguna sorpresa, sin ningún giro que descoloque al espectador o que le deje pensando al salir de la sala de cine. Durante todo el metraje hay una sensación de tranquilidad, de ausencia de conflicto, tensión o suspense, y sabemos lo qué va a suceder; lo intuimos por el previsible guion pero también por la adormecida dirección de Tyldum, que parece decirnos que todo saldrá bien.

Denis Villeneuve nos demostró en ‘Arrival’ hasta dónde puede llegar la ciencia-ficción (parece imposible que alguien supere tamaña obra maestra), ese género que al fin y al cabo debe hablar de la condición humana, y aunque el film protagonizado por Amy Adams y el que aquí nos ocupa son propuestas radicalmente diferentes, uno no puede pensar en qué momento de la producción de ‘Passengers’ se olvidaron de la reflexión, de incluir siquiera un atisbo de pensamiento filosófico en una cinta que difícilmente será recordada más que por su pareja protagonista.

Pese a todo lo expuesto, ‘Passengers’ es una película que se sigue con interés gracias al carisma de sus actores protagonistas; tiene además una gran actuación de Laurence Fishburne en un breve pero intenso papel y unos efectos especiales espectaculares muy por encima del nivel general de la película.

Una crítica de @AdriNaranjo2

Norma número uno para la adaptación: si te ha gustado un libro, recomiéndalo; sólo adapta cuando tengas algo que aportar. El problema con Madame Bovary no es que la respuesta sea un rotundo no, sino que en ningún momento da la impresión que se hayan planteado tan vital pregunta.

La honestidad obliga a dar un primer aviso: desconfíen del cartel, el trailer o cualquier producto nacido de la maquinaria publicitaria. ¡Nada! El impactante plantel de actores es una falacia de dimensiones bíblicas. No sólo tienen más nombre que calidad, sino que encima algunos firman aquí uno de sus peores trabajos. Mia Wasikowska (ya se cargó a Lewis Carroll y ahora va a por Flaubert. Está claro que esta chica no sabe leer guiones) y Ezra Miller (que, sinceramente, tiene su gracia en The Perks of Being a Wallflower) compiten con uñas y dientes por ser nombrados los peores actores jóvenes del momento. El único que se salva es el siempre solvente Giamatti; pero cinco minutos de Giamatti no compensan las dos horazas de agonía interpretativa.

Aún así, el fallo principal no es suyo, sino de una dirección, y sobretodo un guión, que aparecen sin rumbo; destinados a una deriva incierta y desoladora. Lo peor es que empiezan con inventiva y originalidad; el primer plano, inestable, agitado, nos augura un prometedor festival de lenguaje cinematográfico. De Tarkovsky a Haneke, de Ozu a Kiarostami; todos los maestros han sido conocedores de la importancia del plano inicial; como era de suponer, Barthes (no mezclar con el queridísimo Roland; nada que ver; más le gustaría a esta Sophie tener una gota de su sangre) no iba a seguir los pasos de los mencionados. La frescura sólo dura eso, unos segundos, un mísero plano. Desde entonces todo adopta una insulsa planificación estática sin emoción, sin voluntad estética, sin alma, sin cine.

Sonido y luz (sería muy osado llamarlos dirección de sonido o dirección de fotografía) tampoco tienen otra intención que la de perpetuar la moda de abusar de los contrastes y las altas definiciones hiperrealistas. Si les gusta esto, si realmente es su cosa, vayan a ver a Tom Hooper y eviten las imitaciones dignas de mercadillo. Otra vez la misma soporífera dinámica que ya nos desoló en la fallida Far from the Madding Crowd de Vinterberg; otra adaptación sin ritmo que destrozó el corazoncito de los que aún creíamos en el matrimonio cine-literatura.

Si no tuviéramos suficiente con estos despropósitos perpetuados por los aspectos técnicos, encima se mancillan los elementos transferibles de los que hablaba McFarlane en los noventa. Y aquí ya nos vemos obligados a parar con la condescendencia y empezar a usar palabras gruesas. Una cosa es violar el noble arte del cine haciendo cine; un acto suicida lamentable, pero, al final y al cabo, inofensivo. Otra cosa muy diferente es mearse directamente encima de la literatura. El mensaje de Flaubert queda tergiversado por un proceso de simplificación que da, sencillamente, asco. Todo queda reducido a un “la donna e mobile qual piuma al vento” que da ganas de adoptar una estricta censura cultural que no permita estas barbaridades. La trama queda en una burda historieta de enredos románticos que llevaría hasta la nausea a la mismísima Jane Austen. Además, Sophie Barthes (máxima responsable del desastre), insiste en abusar del beso; algo que, si se usa con cabeza y sentido común (que se vuelve a demostrar que es el menos común de los sentidos), puede ser el mejor recurso que existe; aquí solamente produce repulsa. Las escenas de cama son la cosa menos erótica o pasional del mundo; dan ganas de no volver a tener contacto humano en la vida. El esperpéntico final, al que no se le puede reprochar nada, pues intenta sustentarse encima de un castillo de naipes inexistentes, no es más que una guinda pocha encima de un pastel de estiércol.

La falta de concreción o linealidad, ese costumbrismo con el que con tanta elegancia hizo bandera el autor francés, llega al cine sin gracia ni dinamismo. Una parodia a uno de los movimientos más importantes de la historia de la narrativa.

Pero el mayor de los delitos del film, ese por el que deberían llevarse presos a todos los responsables de la producción, ya asoma la cabeza con la primera línea de diálogo: “Please, God. Let him be the right one”. A partir de ese momento empieza una indecente explosión de acentos que se acerca a uno de esos exámenes de escuela de idiomas en los que debes identificar quién es de dónde. Para empezar, debería haber una ley que prohibiera reproducir Madame Bovary sin usar el francés; pero esta mezcla entre los “ingleses del mundo” es un insulto al intelecto y al buen gusto.

Con lo que hemos llegado a rajar de los remakes, pues, ¿qué queréis que os diga...? Al lado de esto, me parecen un mal menor. Que se repleten nuestras carteleras de superhéroes si esto consigue tapar abortos de este tipo.

Una crítica de @AdriNaranjo2

¿Se acuerdan de una películita de 1999 llamada 'Las vírgenes suicidas'? Sí, esa ópera prima de Sofia Coppola. Esa pieza que tan buenas críticas recibió y que supuso la escalera al cielo para la hija del padrino. Pues recuerden la maravillosa estética que poseía; los colores desaturados; la elegante languidez de esas chicas encerradas; los silencios; las miradas; el alma. Ahora borren todas esas virtudes, toda esa poética. Elimínenlo. Céntrense en la intrascendencia y la falta de originalidad de su trama o el insufrible sopor que reinaba durante secuencias enteras. Bien, si ya tienen en mente todos los defectos de 'Las vírgenes suicidas', se pueden hacer una idea exacta de lo innecesaria (porque no hay otra palabra para describirla) que es 'Mustang'.

Puede parecer que el que habla esté pecando de insensibilidad, y seguramente sea cierto, pero el visionado de esta producción turca ha sido equiparable a comer un plato de arena. Cada mordisco más agónico, cada segundo más aburrido. ¿El interés? Desaparece a los veinte minuto. Una película que te obliga a plantearte si realmente el cine europeo (o de periferia) es el antídoto al veneno imperialista y colonizador que nos llega desde el otro lado del atlántico. Después, cuando ya han pasado unos minutos del visionado, el recuerdo empieza a hacerse borroso y el regusto no parece tan amargo. Uno se cuestiona si realmente ha sido para tanto, pero es que la mediocridad tiene mucho que ver con esta producción. Una indiferencia en forma de punto medio, de gris, de centro, … Un nivel de mediocridad que ya es difícil de aceptar en el día a día, como para encima tolerarlo en el arte (¡EL ARTE!). Robert McKee, refiriéndose al guión cinematográfico, escribió una frase que sigue con vigencia: “los artistas son los maestros de forma”. En 'Mustang' ni técnica ni dramaturgia mueven un dedo para buscar ese dominio, esa reflexión. La directora pasa a ser realizadora, el director de fotografía se convierte en un simple técnico y la directora de arte se queda en poco más que una atrezzista.

El guión, a resumidas cuentas, es la historia de cinco niñas (de los diez a los dieciocho más o menos) y como su abuela y su tío las encierran en casa para que no tengan un “comportamiento obsceno”. Estos dos villanos están creados con una falta de gracia que da entre miedo y vergüenza. No provocan nada más que un inmenso estupor que paraliza al espectador. Los malos son malos y los buenos son buenos. “Muy bien señores, no hemos aprendido nada”. Con la construcción de las chicas volvemos a observar los mismos errores que ya se cometieron en películas con temáticas similares. Un grupo de chicas indefensas e insulsas que se pasan el día sin hacer nada y aceptando los caminos impuestos por el patriarcado. La única que se mueve es precisamente Lale, la más joven de todas, la protagonista. La poca voluntad de cambio que exhibe acaba apoyándose en los exasperantes clichés que ya nos aburrieron en 'Foxfire: confesiones de una banda de chicas'.

Para concluir con este periplo de despropósitos, lo de la voz en off: ¡la guinda! Estamos a 2016, la voz en off hace tiempo que escapó del terreno narrativo para introducirse de lleno en el estilístico. Si la acción tiene que avanzar por la voz en off, malo. Si no se entiende sin ella, peor. Si no tiene ritmo, un desastre. El concepto de narrador existe en el cine sin necesidad de poner estas odiosas líneas de diálogo que tanto entorpecen. Una lastimosa melodía sin fin que denota inseguridad en las manos de la primeriza Deniz Gamze Ergüven.

Se entiende a la perfección que 'Fatima' o 'La cabeza alta' le quitaran los galardones en los César; aunque las actrices sean solventes, el cómputo global no merecería tener reconocimientos. Si lo que están buscando es cine turco actual del bueno, del de verdad, mejor opten por 'Winter sleep' o deléitense con alguna de las asombrosas piezas de Fatih Akin. Si deciden pagar la religiosa entrada, cuando desplomen las posaderas sobre la butaca; cuando aún todo sea posible; cuando esta obra tenga alguna opción de convertirse en “la película de vuestra vida”; piensen en que la crítica de más alto postín le dedicó elogios como “Una película de debut impresionante”, “Singularmente excelente y original” o “Fantástica. Es la película que necesitamos en este momento”. Puede ser que no compartan mi desangelado punto de vista, no les juzgo, pero ya les aseguro que tampoco estarán de acuerdo con tales piropos.

Estamos a pocas horas para que todas las miradas cinéfilas se dirijan hacia el teatro Dolby de Los Ángeles. La 88ª ceremonia de los Oscar atrae por igual tanto a los que consideran que estos galardones premian objetivamente los trabajos más meritorios en cada una de sus categorías, como a los que con desdén los consideran un circo posturista del autobombo.

Precisamente por todo esto, desde Siempre en V.O. queremos hacer un pequeño repaso a las a priori 5 favoritas, aquellas que aúnan las nominaciones a Mejor Película y a Mejor Director (Excluimos deliberadamente pues la odisea espacial de Matt Damon en The Martian, El puente de los espías y sus intrigas en plena Guerra Fría y el drama de inmigrantes irlandeses que nos presenta Brooklyn, estrenada precisamente este viernes).

Mad Max: Furia en la carretera (10 nominaciones)

Director: George Miller

País: Australia

Duración: 120 minutos

La primera en llegar a nuestras pantallas abre nuestro particular análsiis pre-Oscar. La cuarta entre de la saga Mad Max salta de las más absoluta serie B al blockbuster dejando por el camino a su anterior protagonista (no está precisamente Mel Gibson para ponerse a conducir coches), y sin renunciar a su espíritu.

Una cinta extrema tanto en su propuesta narrativa como visual, que fascina y agota a partes iguales

Sus bazas - Haber sobrevivido a un cambio de protagonista (Tom Hardy va sobrado como héroe badass), el trabajo old school de los especialistas, entre lo circense y lo suicida, que nos devuelve a otra época del cine, y, en definitva, ofrecernos una de las experiencias audiovisuales más excesivas jamás rodadas.

Por otro lado, George Miller no puede quejarse del trato de Academia; en 1995 produjo Babe, el cerdito valiente, proyecto personal que estuvo nominada a Mejor Película, por encima de cintas como Sospechosos habituales o Seven. Sí. Pasó.

En contra - Cuesta explicarle a tu amigo el esnob que una explotation de persecuciones por el desierto puede ser galardonada como mejor película del año. Casi tanto como les habrá costado a los productores de la cinta captar el voto en sus clásicas visitas a Académicos seniles.

La gran apuesta (5 nominaciones)

Director: Adam McKay

País: EE.UU.

Duración: 130 minutos

La crisis económica explicada en algo más de dos horas. Eso y un reparto lleno de estrellas, un montaje ágil y reminiscencias de Scorsese por todas partes. Una cinta que ha encantado en EE.UU. a la que le falta algo más de empatía para poder profundizar en ese mundo de fraude e inmoralidad.

Sus bazas - La gran apuesta resulta didáctica y amena, llega en un momento necesario y sabe frivolizar sin renunciar a la reflexión.

En contra - Nada en este film es particularmente memorable, deja un buen sabor de boca pero se desvanece de la memoria con el paso del tiempo. Del reparto, gran reclamo publicitario de la película, sólo brilla Steve Carrell (Gosling y Pitt están muy desaprovechos y Christian Bale están francamente insoportable).

Además bebiendo tanto McKay del estilo de Scorsese, históricamente ninguneado por la Academia, sería cuanto menos paradigmático que La gran apuesta se alzase con el galardón a Mejor Película.

Spotlight (6 nominaciones)

Director: Thomas McCarthy

País: EE.UU.

Duración: 128 minutos

Qué triste que en nuestro país la historia narrada en esta cinta no nos estremezca tanto como ha hecho en su país de origen: la crónica del trabajo periodístico de la sección Spotlight del Boston Globe que destapó décadas de abusos pederastas por parte de pastores católicos, contando con la complicidad de las altas esferas de la Iglesia y de la ciudad.

Es ésta una película cuidada, fidedigna y necesaria, sin ningún deleite ni en lo visual ni en lo narrativo, pero cumplidora y solvente en todos sus aspectos. Una producción seria que da voz a un horror que sigue sucediendo por todo el planeta.

Sus bazas - Spotlight es el clásico ejemplo de película del gusto de la Academia: trabajado, con vocación de denuncia, reparto coral y acertado... no parte entre las favoritas pero puede ser la gran "tapada" de las nominadas.

En contra - ¿Opta Spotlight a ganar un Oscar o a ganar un Pulitzer? Estamos sin duda ante un excelente retrato de un también excelente trabajo periodístico, pero le falta alma, su ritmo es lento y poco intrigante y sus personajes son más planos que el villano de un slasher. El cine son emociones y en esta cinta sobra la frialdad y la distancia.

El renacido (12 nominaciones)

Director: Alejandro González Iñárritu

País: EE.UU.

Duración: 156 minutos

La gran favorita, sin lugar a dudas. El grandilocuente y excesivo viaje por la naturaleza más extrema de un buscavidas dado por muerto es el clásico relato de venganza, filmado con un virtuosismo quizá sólo a la altura de la dupla Iñárritu-Lubezki. Con más forma que fondo, El renacido busca justicia para DiCaprio, más allá de su personaje, y supone la enésima marcada de paquete de los cineastas mexicanos.

Sus bazas - Portentosa en lo técnico (sólo Mad Max juega en su misma liga), esta vez Iñárritu se lo juega todo al rojo. DiCaprio da argumentos de sobra en su aventura paralela para alzarse con el Oscar a Mejor Actor Principal, y los tan de moda Tom Hardy y Domhnall Gleeson están excelentes.

En contra - ¿Merece realmente Iñárritu ser el primero en dirigir dos películas consecutivas ganadoras del Oscar a Mejor Película, logro del que Mankiewicz y Ford se quedaron a la puertas? Comparada con El renacido, La apuesta de Birdman era más universal, y tenemos reciente el precedente de Gravity: su perfección técnica dio a Alfonso Cuarón el galardón a Mejor Director, pero la estatuilla más preciada fue para 12 años de esclavitud.

La habitación (4 nominaciones)

Director: Lenny Abrahamson

País: República Irlanda

Duración: 118 minutos

La cinta indie del año. Desde la irrupción de Sundance, la Academia ha ido aprendiendo a actuar con más igualdad ante este cine. Whiplash fue muy bien tratada en la pasada edición de los Oscar, y este retrato intimista sobre una madre y la casi imposible crianza de de su hijo en un minúscula habitación ha dado la sorpresa por méritos propios.

Sus bazas: Una historia desgarradora, un planteamiento original y una tremenda química entre Brie Larson y el joven Jacob Tremblay, quien por lo visto tiene loco a medio Hollywood.

En contra: La intensidad a la que llega la cinta a la hora de metraje genera un segundo acto anticlimático. Además, parece que con la hazaña de colarse entre las nominadas a Mejor Película, el equipo de The room se da por más que satisfecho, depositando sus ilusiones en las opciones de Brie Larson de alzarse como Mejor Actriz Principal.

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Un análisis de: Tomás Ruibal

Una crítica de @TRuibal

'Anomalisa' es una cinta desgarradora, dolorosamente creíble y sin un mensaje esperanzador al que agarrarnos. Pero también conmueve con su sutileza e inquieta con su ácido sentido del humor.

El último y personalísimo proyecto de Charlie Kaufman recurre a una ambientación y tonalidad aséptica y fría, en contraposición con la coloridad vitalista que es habitual en las cintas de animación, para acercarnos al insoportable vacío de su protagonista, un cincuentón británico más solo y perdido que Bill Murray en aquel hotel de 'Lost in translation'.

La falta de elipsis en situaciones rutinarias, y la inquietante repetición de rostros y voces para -casi- todos los personajes, resalta la vocación de la cinta de hacernos partícipes de ese tedio, ese ahogamiento que todos hemos sentido, o tememos sentir algún día, del que nuestro protagonista cree encontrar una vía de escape en una noche de debilidad.

Es pues 'Anomalisa' una suerte de distopía emocional tristemente cercana, un grito de auxilio en un mundo con una sola voz, una nota de suicidio sin destinatario. Y es, en definitiva, una experiencia para descubrir por uno mismo.

[Una crítica de @PauGarcia179]

Respirad tranquilos, amigos cinéfilos, porque ya ha llegado a nuestras carteleras una nueva distopía juvenil (o ciencia-ficción juvenil, más bien, pero viene a ser lo mismo), 'The Fifth Wave'. Hemos tenido que aguantar casi dos meses sin poder disfrutar de estos subproductos (el final de 'The Hunger Games' se estrenó el 27 de noviembre) pero la espera ha valido la pena y ya está aquí la nueva entrega de esta odiosa moda que, esperemos, acabe algún día. Las comparaciones son inevitables, así que diré que 'The Hunger Games' es una obra maestra comparada con este subproducto (si me lo permiten, llamaré así a 'The Fifth Wave' a partir de ahora, pues no se merece la denominación de película)

Ahora va de extraterrestres (a los que llaman Los otros, como prueba de la originalidad del responsable de este subproducto) que invaden la Tierra. Y bueno, ya saben, hay una joven protagonista, esta vez interpretada por Chloë Grace Moretz, y otros adolescentes que llevan el peso del mundo a sus espaldas. A destacar Nick Robinson, el chaval que ya aparició en 'Jurassic World' y que aquí da una nueva lección de como actuar sin ningún tipo de carisma o expresividad, y el botones de 'The Grand Hotel Budapest' (pasar de tener un rol importante en una película de Wes Anderson a siquiera aparecer en este desastre es ciertamente deprimente). También forma parte de este caos Liev Schreiber, que da vida al Coronel Vosch. El actor declaró lo siguiente: "Siempre pensé que esta historia tenía un gran potencial." La verdadera muestra de buen hacer interpretativo del actor está en contener la risa al decir tamaña estupidez, pero lo cierto es que el intérprete hace lo que puede con su papel de cartón-piedra. Ron Livingston transmite algo de autenticidad como padre de la protagonista a pesar de entregar la línea de diálogo que inaugura la comedia involuntaria en qué acaba convirtiéndose 'The Fifth Wave': "Son el Ejército, el ejército de nuestro país, vienen a ayudarnos!" Advinad qué pasa después (¡¡AUTOSPÓILER!!)

Nick Robinson dando rienda suelta a su expresividad

Si soy del todo sincero, los dos-tres primeros minutos de 'The Fifth Wave.' me estaban gustando. Un inicio in medias res donde la protagonista entra en una tienda para coger algo de comida. No voy a revelar qué es lo qué sucede (como si importara que estropeara el argumento cuando es la propia película la que se arruina sola con su mera existencia), pero hay aquí cierta ambigüedad moral, vemos el lado oscuro del ser humano en momentos de cruda supervivencia: aspectos que hacen interesante un filme pero que claramente no tienen cabida en un subproducto de estas características. Inmediatamente después asistimos a una fiesta adolescente, con un cambio de tono y ambiente que te sacan inmediatamente de la historia, donde ya intuyes que lo que ves será una bazofia difícil de olvidar.

Evan Walker protagoniza la mayoría de momentos cómicos de 'The Fifth Wave'

Pero sorprendentemente 'The Fifth Wave' tarda un rato en pasar de ser mediocre a horrible, y es sobretodo cuando aparece el personaje de Evan Walker cuando todo se desmorona y el patetismo convierte al producto en una comedia involuntaria. Todo lo relacionado con este personaje es absurdo, ridículo, cada vez que sale en pantalla o dice algo el nivel del producto baja de forma lamentable pero desgraciadamente cuando se muestran los acontecimientos protagonizados por ese grupo de adolescentes liderados por el no-actor Nick Robinson la cosa no mejora, y el espectador observa con pesadez lo aburridos que son todos los personajes.

'The Fifth Wave' es una de las peores películas de 2016, una historia mil veces vista llena de casualidades oportunas que insultan la inteligencia del espectador. No hay nada nuevo, ni estimulante, ni remotamente original en este bodrio, así que recomiendo encarecidamente que huyáis y optéis por cualquier otro producto cinematográfico u os entretengáis con cualquier otra cosa, como ver crecer la hierba, actividad mucho más apasionante, sin duda. Pero no todo son malas noticias, el soñador que soy quiere creer que 'The Fifth Wave' es ese producto que llega para enterrar de una vez por todas esa moda tan molesta de las malditas distopías juveniles, y quizá demostrará a las productoras que no hace falta explotar una moda hasta el punto de dejarla moribunda. Qué queréis que os diga, soy un soñador.

Lo mejor: al final se acaba
Lo peor: absolutamente todo

[Crítica de @PauGarcia179]

Difícilmente encontraremos mejor ópera prima que la de Tommy Lee Jones, la maravillosa 'The Three Burials of Melquíades Estrada'. El actor de 'No Country For Old Men' ya realizó un telefilme en 1995, pero su primera película fue ese gran neo-western protagonizado por él mismo y Barry Pepper. Entre ésta y 'The Homesman', la película que hoy nos ocupa, sólo había dirigido 'Sunset Limited', una adaptación para televisión de una obra teatral de Cormac McCarthy. Las expectativas que había puestas en 'The Homesman' eran altas, y lamentablemente Tommy Lee Jones se ha quedado lejos de igualar las cotas alcanzadas en 'The Three Burials of Melquíades Estrada'.

Tommy Lee Jones traslada a la gran pantalla la novela homónoma de Glendon Swarthout, un western atípico, muy alejado de los cánones que marcan el género americano por excelencia. No es una historia de norteamericanos contra nativos, ni de enfrentamientos entre bandas, sheriffs o vaqueros. Jones pone el foco en una historia pequeña y deja los tiros para otra ocasión, relevando el protagonismo en Mary Bee Cuddy, una mujer que se las apaña sola en un pequeño pueblo del antiguo Territorio de Nebraska. A causa de una serie de circunstancias, mostradas en pantalla de forma un tanto confusa e inconexa, Cuddy abandonará el pequeño pueblo y se encontrará con George Briggs (o al menos así dice que se llama), interpretado por el propio director.

La película empieza lenta, tomándoselo con calma para presentarnos de forma adecuada al personaje brillantemente interpretado por Hilary Swank. Muchos críticos han querido ver aquí un alegato feminista únicamente porque una mujer de carácter fuerte es la protagonista. Hay que reconocer que esto es algo inusual en el western, un género marcadamente masculino, pero nos encontramos en un momento de la historia en el que la sociedad ve como algo fuera de lo común que una mujer sea la protagonista y se aleje del papel típico de damisela en apuros o simples complementos que giran alrededor del personaje principal masculino. Aunque cada vez son más los personajes que difieren de estas cansinas características, nuestra sociedad aun ve como una rareza que una mujer fuerte protagonice un film, y es por eso que a la mínima que esto pasa la gente cataloga la obra como feminista. Es el caso de la espectacular 'Mad Max: Fury Road', que por tener a Furiosa, la auténtica heroína del film, ya se considera una película feminista. Lo explicó muy bien la propia Charlize Theron, genial en el papel de Furiosa: "La intención de George Miller, nunca fue la de hacer un largometraje feminista. Sino que éste simplemente quiso un personaje femenino fuerte y es lo que hizo." Es genial que sigan apareciendo grandes personajes femeninos, pero es grave que a estas alturas se considere feminista y sea extraordinario lo que tendría que ser normal.

En cualquier caso, a pesar de que la presentación y parte del desarrollo del personaje de Hilary Swank es de alabar, al final acaba actuando de forma opuesta a lo que nos han contado de Mary Bee Cuddy, y el filme acaba por tomar unos derroteros totalmente diferentes a lo que el principio prometía. Este cambio tan drástico no sería un problema si no fuera porque se carga la coherencia del personaje, y no podemos sino aceptar lo que ocurre con resignación.

Al igual que Swank, Jones está fantástico, tiene incluso momentos de inesperada comicidad, pero la evolución de su personaje está resuelta de manera un poco torpe. A pesar de estos instantes ligeramente divertidos, el filme es seco, áspero, poco amable y con un par de momentos de extrema escabrosidad. Aunque una de estas escenas hace venir a la mente cierto momento de 'Trainspotting', hay un plano totalmente innecesario y alargado en exceso, y se presenta más como un desafío de Tommy Lee Jones a la indústria de Hollywood que una exigencia narrativa o dramática.

Tras ese punto sin retorno que se carga la coherencia del personaje de Hilary Swank, el film se precipita hacia su inevitable final con un epílogo larguísimo y redundante, que parece responder únicamente a la necesidad de que Meryl Streep sume un determinado número de minutos en pantalla y resulte justificable incluir su nombre en el cartel como reclamo publicitario. Si hay alguien que se ha interesado por 'The Homesman' por la participación de Meryl Streep, le recomiendo que vaya a ver otra cosa.

A pesar de todo lo expuesto, hay que dejar claro que 'The Homesman' dista mucho de ser horrible, es una película decente que hubiera podido ser grandiosa si no se hubiera adentrado en determinados senderos dramáticos y narrativos. Es un western diferente, una pequeña historia que cuenta con dos grandes interpretaciones principales, pero que adolece de un giro de guión injustificado desde el que se puede llegar a desconectar del relato. La escena final es insatisfactoria y en cierta forma rompe con la progresión dramática de uno de los dos personajes, pero representa, quizás, lo que el director nos quiere contar: una historia realista de gente corriente sin lugar para la épica o el sentimentalismo.

Lo mejor: las interpretaciones, vuelta de tuerca del género
Lo peor: giro de guión injustificado e incoherente con el personaje de Hilary Swank, epílogo larguísimo