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Una crítica de @PauGarcia179

Diecinueve años han pasado desde que Brian de Palma y Tom Cruise resucitaran la serie de 'Misión: Imposible' para llevarla a la gran pantalla. A pesar de tener elementos que se escapan de las leyes de la física o que pueden menoscabar nuestra credibilidad (cierta escena del helicóptero en un túnel), la primera película de la saga ofrecía un más que digno producto comercial. Los espectadores que la vieron en su momento o años después aun recuerdan la acción desarrollada en el inconfundible Puente de Carlos de Praga, la caída de Jon Voight al río o su mano ensangrentada, así como la que es probablemente la secuencia más recordada de la saga: Tom Cruise colgado del techo con tal de robar la lista NOC que tiene almacenada la CÍA. 



Este viernes llegaba a nuestros cines la quinta entrega de la saga, y nada queda del tono serio, tenso e inquietante que le imprimía Brian de Palma, y a pesar de que es sin duda un filme mucho más ligero, es quizás más espectacular y, sobretodo, mucho más divertido. En esta ocasión, Tom Cruise confía en el guionista y director Christopher McQuarrie, que ya le dirigió en ‘Jack Reacher’ y que además coescribió el guión de M:I – 4. 

Debido a las prácticas poco ortodoxas y a la falta de protocolo del FMI (Fuerza de Misión Imposible), el Senado de Supervisión de Inteligencia decide disolver la agencia de Ethan Hunt, que queda absorbida por la CÍA. Paralelamente, Hunt pretende demostrar la existencia de una organización llamada El Sindicato, una organización criminal que intenta controlar el mundo a través del caos. 



'Mission: Impossible. Rogue Nation' podría estar entre lo mejor tanto de la saga protagonizada por el espía Ethan Hunt como del género de los últimos años. Aunque sigue teniendo una trama de espías detrás, la acción toma mucho más protagonismo que en la primera entrega, sustituyendo el guión elaborado –aunque a veces, algo confuso- por una espectacularidad y una clara vocación evasiva. No se trata de un relato de espías realista a la manera de la recomendable ‘A Most Wanted Man’, los elementos poco creíbles (cierta memorización y consiguiente resolución, por ejemplo) siguen ahí como en el resto de la franquície, pero al menos la película resulta del todo entretenida con un ritmo endiablado, y, lo que quizás resulta más llamativo: mucho más divertida. La presencia de Simon Pegg resulta clave para conseguir ese tono ligero claramente opuesto al de la película original, y el humor no resulta para nada forzado. Jeremy Renner y Ving Rhames también tienen parte de culpa de ese agradecido tono cómico, y Tom Cruise vuelve a jugarse la vida con tal de ofrecer una secuencia que quede en las retinas de los espectadores durante mucho tiempo. Aunque la mayoría de las espectadores habrán visto la escena a la que me refiero en el tráiler, en la mágica pantalla del cine, dicha escena es incluso más espectacular de lo que esperábamos. 

'Mision Impossible: Rogue Nation' es una película trepidante, eléctrica y divertida que ofrece justamente lo que promete: simple entretenimiento. A pesar de que quizás se echa en falta una trama algo más densa y no tan simplista y pasando por alto sus problemas de credibilidad, el filme es honesto en su planteamiento y objetivo. No se le puede pedir más a una película que no aspira a nada más que a entretener y que sin embargo, consigue entrar, según el que esto escribe, en el podio de lo mejor del género de acción de los últimos años. 
[[Critica de @PauGarcia179]]

Matthew Vaughn, que empezó en esto del cine produciendo películas como ‘Lock & Stock’ y ‘Snatch’ (ambas recomendables y dirigidas por Guy Ritchie), se ha labrado una interesante carrera como director de productos comerciales como ‘Kick-Ass’ o ‘X-Men: First Class’ (ambas, según mi opinión, mejores que sus respectivas secuelas) y ahora llega a nuestras carteleras ‘Kingsman: The Secret Service’, protagonizada por Colin Firth y Taron Edgerton. El film vuelve a ser una adaptación cinematográfica de un cómic, y Vaughn escribe el guión junto a su colaboradora habitual, Jane Goldman.  

El veterano Harry Hart propone a un joven macarra (hijo de un amigo muerto con el que está en deuda) como nuevo espía de Kingsman, una agencia secreta independiente. El joven tendrá que competir con los otros candidatos a través de un duro entrenamiento mientras un loco megalómano amenaza el futuro de la humanidad.

En más de una ocasión, los protagonistas repiten la frase "This is not that kind of movie" haciendo referencia a las antiguas películas de James Bond, pero también se entiende como una declaración de intenciones de los responsables del film que le dicen indirectamente al espectador que lo que están viendo no es el insulso, convencional y aburrido filme de acción que podemos encontrar en las carteleras cada semana. Y efectamente, ‘Kingsman: The Secret Service’ no es ese tipo de películas, para bien o para mal.



Y es que las escenas de acción aquí buscan ser lo menos realista posible (vendría a ser la antítesis del estilo de Michael Mann) y se sirven con música rockera de fondo como invitando al espectador a disfrutar de la violencia. Las aceleraciones, ralentizaciones y adrenalíticos movimientos de cámara son una constante en el filme y motivo de deleite para el espectador, más allá del realismo o del componente ético (o la falta  de él) que conlleva el disfrute de la violencia cinematográfica. Cuando uno se dispone a visionar una película de Tarantino, o un film como ‘Abierto hasta el amanecer’ (‘From Dusk Till Dawn’, 1997, Robert Rodríguez), ya sabe lo que se va a encontrar (violencia a raudales, obviamente), pero cuando va a ver ‘Kingsman: The Secret Service’, al menos el que esto escribe (sí amigos, al ver la película olvidé completamente que el director era el responsable de ‘Kick-Ass’, donde ya había momentos bastante sanguinarios) uno no se espera encontrar semejante orgia de violencia desenfrenada. La escena de la Iglesia, es de lo más bestia que servidor ha visto en una pantalla de cine. Es el tipo de violencia que repugna a Michael Haneke (aunque a mí me repugna más su debut en el cine, sinceramente) y aquí cada cual decidirá si se lo pasa bien o no viendo este tipo de escenas.

En cualquier caso, ‘Kingsman: The Secret Service’ no es sólo un entramado de secuencias de acción, ni mucho menos, porque bien podemos disfrutar del sentido de humor del filme aderezado con un siempre agradable acento inglés, un hilarante Samuel L. Jackson con un defecto en la pronunciación o la presencia en el reparto de actores siempre brillantes como Colin Firth o Michael Caine (aunque éste último aparezca más bien poco, todo hay que decirlo). También es destacable la ausencia de Colin Firth (principal tirón comercial en el apartado actoral) durante ciertos momentos del filme, y conviene alabar la valentía y la capacidad del director para conseguir que la película no se resienta de la desaparición de su estrella y también el buen hacer del joven Taron Edgerton, que si bien no puede competir con Colin Firth en cuánto a presencia en pantalla, salva los muebles de manera competente durante la ausencia de su compañero de reparto.



‘Kingsman: The Secret Service’ no es perfecta, si nos paramos a buscar sus errores los encontraremos fácilmente, pero es tan deliciosamente divertida y gamberra que no vale la pena analizarla tan fríamente con estándares cinematográficos aplicables al resto de películas. Es un filme comercial cuya presencia en la cartelera se agradece para descansar, de vez en cuando, de la seriedad y trascendencia de otras películas cuyo valor artístico, eso sí, está fuera de toda duda.

Resumiendo, ‘Kingsman: The Secret Service’ is not that kind of movie. 


Título: Kingsman: The Secret Service
Director: Matthew Vaughn
Guión: 
Matthew Vaughn, Jane Goldman (Cómic: Mark Millar, Dave Gibbons)

Fotografía: 
George Richmond
Año: 2014
Duración: 129  min.
País: Reino Unido
Productora:
Twentieth Century Fox Film Corporation / Marv Films / TSG Entertainment
Reparto: Colin Firth, Taron Egerton, Samuel L. Jackson, Mark Strong, Michael Caine, Sofia Boutella, Sophie Cookson, Mark Hamill
[[Crítica de @PaulPorcoRosso]]
El héroe luminoso ha muerto. Sólo hay un caballero oscuro (protector vigilante), siniestro habitante de la noche: en este segundo acto del épico reboot de la saga de películas de Batman, el hombre murciélago se enfrenta a su némesis por antonomasia: el Joker, villano/terrorista/psicópata ególatra con la voluntad de imponer su propio orden -o, mejor dicho, su propio caos- en la tranquila vida de los gothamitas. Una creación terrorífica e inquietante, maquillaje blanco y carmín corrido mediante, que se encumbra y se vuelve aún más terrorífica y aún más inquietante con la muerte del actor Heath Ledger. Entre atracos perfectos -el de la secuencia inicial es uno de los mejores, sino el mejor, de la historia del cine-, explosiones, épicas bandas sonoras de Hans Zimmer (que, aquí sí, crea su opera magna), y increíblemente orquestadas escenas de lucha, persecución y/o simples diálogos que solo se pueden calificar de magníficos, el héroe no vencido, pero superado por la astuta mente criminal del villano (o su anarquía y falta de planificación, como el propio Joker señala en una de las escenas de la película), debe renacer de sus cenizas y levantarse como único baluarte en pie de la justicia de la jurisdicción cuya protección se otorga.

La película, en un baile de géneros entre el cine político, el thriller psicológico y la acción pura, se aleja del barroquismo de Burton y Schumacher y retrata una estética urbana y realista: Gotham es más Nueva York que nunca. Una proyección que refleja con la sesuda mirada de Nolan la corrupción de altas esferas, el miedo que se ha apoderado de nuestra sociedad y la degeneración democrática de nuestro tiempo. La gran virtud de 'The Dark Knight' es la de ser a la vez un entretenimiento puro orgásmicamente satisfactorio y una película donde las dobles lecturas y los mensajes morales se sitúan en puntos clave de la narración por (curiosamente) el mismo guionista que el año pasado perpetró el libreto de 'Man of Steel'.


Poco importa que la sensación de clímax constante que imprime el pirotécnico Christopher Nolan (con una dirección y una fotografía que elevan la película más allá del espectáculo fílmico y visual) a cada épico y epopéyico minuto de la película impida a los protagonistas de esta gran tragedia griega del siglo XXI velar la muerte de otros personajes (en otra demostración del Nolan más frío y calculador), como tampoco importa que sitúe la venda de la acción adrenalínica y asfixiante ante los espectadores que no pueden reflexionar sobre los grandes dilemas morales que se plantean en 'The Dark Knight', por otro lado resueltos con un bello e imperecedero mensaje: la humanidad del ser humano despierta en las situaciones más límites, y siempre hay redención para el héroe si este está dispuesto a aceptar el castigo de un ente superior entendido como destino y recluirse al éxodo absoluto.

'The Dark Knight' es, con todos sus fallos y todas sus imperfecciones, una obra oscura pero brillante (sin alcanzar la posición de maestra), y de las más grandes películas de superhéroes de la historia del cine.
[[Crítica de @PaulPorcoRosso]]
En un planeta que podría ser la Tierra pero desierto, sin el más pequeño indicio de vida, un ser con la piel de un tono azul-grisáceo, de facciones humanas y proporciones perfectas, se sitúa al borde de una catarata y bebe un líquido negro que trae consigo. El líquido provoca la descomposición del ADN de ese ser, que se vierte en el río y se recombina con el agua dando inicio a la evolución de la vida. Una deidad que se sacrifica para la creación de una nueva especie, un jardinero espacial convertido a la vez en semilla y en ente creador.

Y a partir de aquí, 'Prometheus' se deshace, corroída por el ácido que es el desastroso guión de Damon Lindelof. Se convierte en un mero espectáculo visual cuyo guión es un pastiche indigesto de referencias bíblicas, mitología griega y verborrea filosófico-científica: un mero entretenimiento absurdo y decepcionante, vendido como una precuela de 'Alien'. Una de las más grandes obras de culto de la ciencia ficción y el terror, magistral y casi-perfecta, mancillada por su propio creador y convertida en una película de acción y ciencia ficción (a su favor hay que decir que no aburre y el diseño de producción es impecable -aunque a veces incluso demasiado-) con más agujeros de guión que un queso emmenthal (donde la coherencia interna brilla por su exasperante ausencia y los enigmas planteados por el guionista sólo son resueltos por más y más enigmas) y un casting horrible en el que sólo destaca un brillante Michael Fassbender que toma el testigo de Ian Holm para interpretar también a un robot.

La frase promocional de 'Alien', "en el espacio nadie puede oír tus gritos", se sustituye por "con 'Prometheus' podrás oír las risas de Damon Lindelof y Ridley Scott incluso en el espacio". Lo que en 'Alien' era sucio, aterrador, y con un ambiente enrarecido, en 'Prometheus' es limpio, absurdo (los personajes -contradictorios e indignantes- parecen escritos por un mono cocainómano con síndrome de down), demasiado artificial y con roturas de atmósfera constantes. Una decepción aberrante.
[[Crítica de @PaulPorcoRosso]]
Hace unos meses asistí atónito al grotesco espectáculo fílmico que Paul W. S. Anderson perpetró con su última película, 'Pompeii'. Un intento de recuperar el género llamado péplum (aquel en que héroes de los cincuenta como Charlton Heston o Kirk Douglas eran guerreros de falda corta y acero afilado) que quedó en un patético retake de 'Titanic'con ínfulas de relato épico y efectos especiales de baratillo. La mejor cura para intentar olvidar el despropósito cinematográfico que fue la reducción a cenizas de Pompeya es sin duda alguna 'Gladiator'. La primera película de Ridley Scott del siglo XXI rezuma una épica inabarcable por los cuatro costados durante las dos horas y media que dura el filme, por cada diálogo mínimo de la más corta escena, por cada mirada triste de Crowe (del que destaca su gran despliegue físico) o Nielsen, o por cada lanza de odio de los ojos claros de Phoenix (la más grande interpretación de la película, dotando a Cómodo de una crueldad y impecabilidad enormes).

La potencia del apartado visual y sonoro de 'Gladiator' -maravillosa banda sonora de Zimmer- no podían salir de una mente que no fuera la de Ridley Scott. El retorno del espíritu de esa moda de cine que cosechó éxito histórico y cuyas películas aún hoy en día siguen siendo inmortales de la mano del hombre del inagotable imaginario visual, se apoya en un impresionante arranque (del que se ha dicho que es el mejor retrato de las estrategias del servicio militar romano) que capta la atención del espectador, y en los combates de gladiadores apasionantemente realistas y maravillosamente coreografiados.


Sin embargo (como viene siendo ya clásico en las películas de Scott salvo en contadas excepciones), un guión con excelentes diálogos -que hablan de los valores familiares, la lucha por la justicia y la venganza, y del rechazo al imperialismo y el uso abusivo del poder- no es más que un bello y rimbombante remache para un argumento plano que muestra el blanco y el negro con una ausencia exasperante de grises. Una vez más, la excelencia técnica de Ridley Scott se combina con un guión de mediocre contenido bellamente disfrazado: el resultado es un espectáculo brutalmente entretenido (sus 150 minutos pasan en un suspiro), pero hueco por dentro.

Quizás mi última crítica (que poco o nada tiene que ver con la calidad artística y fílmica de la película de Scott) a esta -algo- sobrevalorada película de gladiadores son esos romanos que, obligados por la tiranía del gigante americano, olvidan el latín -lengua única entendida por los gobernantes de Europa durante siglos- y sólo son capaces de hablar en un inglés perfecto... ¡Señor Scott, aprenda de Mel Gibson!

Lo mejor: la épica que rezuman los diálogos, los primeros 30 minutos, el ritmo, y la actuación de Joaquin Phoenix.
Lo peor: el guión plano, y el excesivo contraste entre bien y mal (la falta de puntos intermedios).
[[Crítica de @marckwire21]]
"IP Man" podría ser la mejor película de artes marciales de la historia de no ser porque este género en concreto abarca muchísimos puntos de vista, gustos y opiniones diversas. Cualquier fan de las artes marciales vistas en pantalla grande tiene su film preferido y especial, respetando eso si, al maestro Bruce Lee. A los fans de Jackie Chan no suele gustarles tanto Jet Li, esto ocurre al revés, quienes disfrutan de las multi-coreografiadas escenas de acción de Chan ven solamente como buenas y poco más las de Li. No siempre, pero suele ocurrir. Algo así como los fans de PES y FIFA, por poner una comparación rápida.

Hay muchos más actores de artes marciales obviamente, Chow Yun-Fat,  Michelle Yeoh, Yuen Biao, Sammo Hung, Tony Leung, Andy Lau, Zhang Ziyi o Angela Mao, pero quienes se repartían la mayor parte de fans fueron ellos dos. Ambos igualmente inexpresivos y cada uno de ellos en su estilo, el humor de Jackie y la eficiencia de Li. El paso del tiempo no perdona a nadie y las 2 estrellas asiáticas de acción internacionales ya no cuentan con la gran participación en películas con las que contaban antes, en parte también porque el publico general ya no consume el cine de acción como en la época dorada de ambos. Mientras que Chan ya solo aparece en un film al año y sin ser protagonista, Li goza de algo más de "vida cinéfila" al verse incluido en la saga "The Expendables", pero al margen de esta no se prodiga ya como antaño. Esto nos deja a nuevos grandes actores como el tailandés Tony Jaa de la saga "Ong Bak", Iko Uwais de "The Raid" y su secuela o el protagonista de esta cinta, el magnífico Donnie Yen.

Donnie no es nuevo, algunos lo conoceréis por su personaje de Cielo en "Hero" junto a Jet Li y Tony Leung, o también por sus otros papeles en producciones tan conocidas dentro de este mundo como "Bodyguards and Assassins", "14 Blades" o la interesante "Dragon (Wu xia)". Se le podría incluir tranquilamente en la generación de Chan y Li aunque un peldaño más abajo (comenzó su carrera en 1984, en pleno auge del mono borracho de Chan), pero Yen no solo sigue activo y con proyectos (3 películas en 2014 y futuro protagonista de la segunda parte de "Crouching Tiger Hidden Dragon") sino que demuestra en cada oportunidad que tiene el buen hacer que posee para no solo la ejecución en coreografías de artes marciales y su puesta en escena sino también algo más de expresividad en sus interpretaciones que la gran mayoría de actores de este género. Actualmente y en mi humilde opinión, es el mejor actor de artes marciales que hay, sin ninguna duda. 



Aquí da vida al famoso, y consumido en los últimos tiempos por el séptimo arte, maestro Ip man, más conocido por ser el instructor del mítico Bruce Lee en su edad mas temprana, la película se centra en su vida en Foshan, durante los años 30 con epicentro el estallido de de la segunda guerra sino-japonesa que provocaría la ocupación nipona de parte del sur de China. No estamos ante un biopic clásico donde se nos cuente toda la vida del maestro, más bien estamos ante una ventana que permite ver una parte importante de la vida (ficcionada) de uno de los genios de las artes marciales más importantes y respetados de la historia. 

Tras esta primera visión dirigida por Wilson Yip le han seguido 5 más, incluida una serie de televisión. "Ip Man II" llegó en 2010 con mismo protagonista y director, Donnie Yen y Wilson Yip. Si bien no es tan espléndida y satisfactoria como la primera se deja ver bastante bien y fija en la acción su motor principal. Además, cuenta con un némesis como el clásico actor en estos lares, Sammo Hung, que a sus años seguía manteniendo una forma y unas maneras envidiables. Ese mismo año llegaría la primera de las 2 dirigidas por Herman Yau, "Ip man: the legend is born", interesante pero más floja que las anteriores, tiene el aliciente de contar la vida de Ip man desde su más tierna infancia hasta la adolescencia, haciéndonos comprender el porqué de muchas de sus reglas sobre el comportamiento y la educación. El segundo trabajo de Herman fue en 2013 con "Ip man: the final fight", este film está considerado la tercera parte de la saga de entregas realizada por Wilson Yip. Herman hizo dos películas complemento a las de Yip, una precuela y una secuela, y a ellas se le une también la versión/visión de Wong Kar Wai, "The Grandmaster" con Tony Leung como protagonista, un film que técnicamente es soberbio pero que falla en contar de forma interesante una trama que debería serlo. Las producciones sobre el gran maestro finalizan con una serie de televisión con 50 capítulos titulada "Ip Man (Yip man)" a finales de 2013. Wilson Yip y Donnie Yen habían trabajado juntos antes en 3 grandes films de acción como "Kill Zone" (aquí junto a Sammo), "Dragon Tiger Gate" y "Flash Point", todo producciones made in Hong Kong. Y es que Donnie, no se ha prodigado en el país norteamericano salvo en 1 ocasión, en "Blade 2", con un papel muy secundario. Una de los secundarios es nada más y nada menos que el que fuera protagonista de la mítica cinta de los años 80, "History of Ricky", Siu-Wong Fan aka Louis Fan. Desde aquel papel tan solo contaba con 4 películas en su haber, desde su aparición en "Ip man", cinco más. Fan también aparece en la segunda parte de Wilson Yip y en la primera de Herman Yau en otro papel distinto. La némesis de Ip Man en la película es un actor japonés perfecto en su papel, haciendo tan suyo un personaje con tan elegancia y sobriedad como lo hace el propio Yen, se trata de Hiroyuki Ikeuchi.

Considerada por la crítica como una de las mejores películas de artes marciales de la historia, codeándose con títulos como "Kill Bill", "The Raid", "Crouching Tiger, Hidden Dragon", o clásicos como "Return of the Dragon" o "Drunken Master", en "Ip Man" la verdadera inteligencia es tratar las artes marciales lo más realistas posibles. Se dan cabida en momentos puntuales a los efectos especiales pero solo para intentar hacer las escenas de lucha lo más cercanas a la realidad. No se abusa de ellas, no es un machaque de 106 minutos con constantes entradas y salidas de extras que nunca mueren. Aquí en "Ip Man", cualquier escena de acción está integrada perfectamente en el metraje, sin calzador. Unas escenas donde se puede saborear el arte como tal que es, donde poder admirar el estilo Wing Chun que hizo tan famoso a este maestro. Conoceréis su forma de ver y entender la vida con respeto y educación, esa filosofía de la cual, y está más que demostrado, quedó impregnado otro genio como Bruce Lee. Cinta de corte clásico, con inicio donde todo es muy bonito, varapalo en la mitad y desenlace duro porque no es el esperado por todos. Final épico y que funciona perfectamente porque todo lo visto antes justifica precisamente dicho final. El enfrentamiento de China contra Japón, el respeto mutuo entre dos maestros en sus estilos al que la historia, y la guerra, ha puesto uno delante del otro. Todo ello con el trasfondo de la ocupación japonesa y las penurias que comportó dicho conflicto, donde los chinos eran tratados como simples animales. Puede gustar tanto a los fans más viejos de este tipo de cine como a los que no les gusta o lo suelen criticar por repetitivo y poco original ya que la propia historia, sonido, actores y fotografía así como el enfoque final que se da a toda la película la hacen un producto muy agradable de consumir para todos. Si Donnie Yen consigue convenceros como héroe de acción no dejéis en ver la secuela, "Kill Zone" y "Flash Point".
[[Crítica de @PaulPorcoRosso]]
Sion Sono comenzó su carrera como poeta, a los 17 años, publicando sus versos en la revista japonesa "The Modern Poem Book". Posteriormente se matriculó en la Universidad, que dejó a medias para ponerse a hacer películas en 8 mm. Así pues, a la temprana edad de 24 años debutó en el Festival de Cine PIA con un cortometraje de corte experimental en el que leía una selección de su poesía en pantalla. Esto le valió una beca que usó para hacer su primer largometraje 16 mm en 1990. Desde entonces, Sion Sono se ha convertido en un hito del cine independiente de su país, y un nombre en el mundo de la poesía local. Why Don't You...? es un guión que escribió hace 17 años, y supone un canto de amor al cine.

Dos jefes de la yakuza se odian a muerte, pero uno de los dos está enamorado de la hija del otro que con 10 años y después de hacer un anuncio de dentífrico, sueña con ser actriz cuando sea mayor. Mientras, en la misma ciudad, un grupo amateur de tres cineastas (el director y jefe, Hirata; la especialista en travellings, y el especialista en cámara en mano) llamado "Fuck Bombers" sueñan con ser los mejores realizadores de todo Japón. En principio planteada como una comedia romántica de enredos y mucha, mucha cinefilia, se convierte en una orgia explosiva de sangre, sudor y lágrimas.


A Sion Sono no le da miedo sobrepasar el límite, y una vez sobrepasado, tampoco le da miedo duplicar o triplicar ese límite. Y Why Don't You...? es la prueba empírica de ello. Debo reconocer que no le conocía antes de ver su última película en la edición del Festival de Sitges, pero desde entonces he podido visionar varios de sus filmes (Suicide Club y Cold Fish son las que más recomiendo desde aquí) y he visto que esta es una de las características principales de su cine. Esa, y la presencia de chicas asiáticas extremadamente 'sexys' que, generalmente, muestran carne. Pero, a pesar de estas dos características que si comparte con otras, Why Don't You...? es una película atípica en la filmografía de Sion Sono. Es, como ya he dicho unas líneas atrás, un canto de amor al cine, arte que brota de la cabeza de Sono como la sangre digital que inunda la pantalla a borbotones, un ejercicio de delicioso metacine en el que el realizador japonés tiene tiempo para todo.

Y cuando digo para todo, es para todo. Homenajea el cine de Akira Kurosawa, referencia de forma constante al maestro de las artes marciales en el cine Bruce Lee (hasta toma prestado su atuendo más reconocible) y en general a todo el cine de artes marciales, el lanzamiento de numerosos mensajes a favor de las proyecciones en 35 mm...  Y además hace reír, plantea una historia alocada pero más o menos coherente, y dota al metraje de un ritmo alto y además in crescendo que es difícil de encontrar hoy en día. En definitiva, Why Don't You Play in Hell? es una declaración de amor al mundo del cine. Un mundo en el que Sion Sono merecería y merece ser reconocido.

Por último, solo me queda por remarcar que parece increíble que un director de más de 50 años como es Sono sea mucho más actual y rompedor que muchos cineastas actuales llamados 'post-modernos'.

Lo mejor: la última media hora es una de las mejores combinaciones entre comedia negra, acción, y gore (orgia de sangre, katanas y metralletas) que se han visto en el cine en muchos y muchos años.
Lo peor: al principio a la película le cuesta algo arrancar, ya sea por la incapacidad del espectador occidental para diferenciar actores asiáticos entre ellos (cosa que se me soluciona a medida que uno conoce a sus personajes), o por la cantidad de historia que quiere contar Sono.


Título: Jigoku de naze warui? (Why Don't You Play in Hell?)
Dirección: Sion Sono
Guión: Sion Sono
Fotografía: Hideo Yamamoto
Año: 2013
Duración: 126 min.
País: Japón
Productora: T-Joy / King Records
Reparto: Jun Kunimura, Shinichi Tsutsumi, Fumi Nikaido, Tomochika, Hikori Hasegawa, Gen Hoshino, Tak Sakaguchi

Crítica de @PaulPorcoRosso

Bienvenidos a la crítica de la versión found footage de la película de los años noventa de Jan de Bont, Twister. El pantanoso terreno de los found footage no ha traído al cine más que decepciones y películas que se traicionan a ellas mismas pasándose por la axila todas las reglas internas del subgénero. Salvo contadas excepciones, claro está. Ahí están filmes como Cloverfield, Holocausto caníbal, Europa Report o la presentada en la última edición del Festival de Sitges The Sacrament, que se las han manejado con un bajo presupuesto para entregar obras solventes y que han gustado (sea más o sea menos) al público que las ha disfrutado.
Pero por norma general los filmes suelen ser de ínfima calidad argumental y narrativa, y buscan sorprender (supongo) con su repertorio visual, como Proyecto Dinosaurio (no estrenada en nuestro país, y sin previsiones de estreno), The Bay o la película que nos ocupa, Into the Storm. Para intentar aportar alguna novedad, la película se estrenará en dos cines de España (el Cinesa Diagonal Mar de Barcelona y el - de Madrid) con un sistema de ventilación y nebulizadores sincronizados a la acción de la película para sentir las corrientes de viento y mojarse levemente. La realidad es que tras haberlo probado, como el 3D en sus primeras proyecciones, la concepción de esta especie de 4D está aún en pañales.



Un pequeño pueblo del centro de los Estados Unidos, Silverton, es azotada por una serie de tornados sin precedente alguno en la historia de la humanidad. En medio de cabezas de tifón erráticas y mortales, Donnie (Max Deacon) y Kaitlyn (Alycia Debnam Carey) se quedan varados en una antigua fábrica de papel. A su búsqueda irán Gary (Richard Armitage) y Trey (Nathan Kress), el padre y el hermano de Donnie, que se encontrarán con un grupo de cazadores de tormentas liderado por Pete (Matt Walsh) y Allison (Sarah Wayne Callies), que se encuentran en medio del rodaje de un documental sobre tornados y conseguir una toma única del ojo de la tormenta.



Durante el transcurso de la película, los impases cómicos no arrancan ni media sonrisa, y sobre todo en la parte final del metraje abundan los momentos divertidos y graciosos que lo son sin pretenderlo. Cuando esto ocurre en una película con pretensiones de seriedad, es que algo se está haciendo terriblemente mal. Planos sacados de cámaras situadas en lugares en los que no hay nadie para sostenerlas, y sobretodo el final que se mete de lleno en el falso documental y conserva las andaduras de los rednecks borrachuzos (introducidos como una especie de funny sidekick que funciona peor que muchos personajes 'serios' de la película) son las traiciones que comete Steven Quale con el subgénero de su propia película. Pero no solo eso. Y para colmo, el guión de John Swetnam, escrito a base de cliché, también está lleno de inconsistencias internas (¿una meteoróloga que condena a muerte a todos sus compañeros de catástrofe por no conocer el efecto Venturi? ¡venga ya! ¡si eso es de nivel de instituto!). La única mención positiva que me veo obligado a hacer es en favor de los efectos especiales, entre lo mejor que he visto este año en una sala de cine.

Sería fácil caer en el error de catalogar a Into the Storm como un "Sharknado pero sin gracia", pues la película tiene unas pretensiones imposibles de alcanzar por su ínfima calidad. Parafraseando a James Tolkan en Top Gun mi frase para el director de este despropósito sería la siguiente: 'Steven Quale, tu soberbia extiende cheques que tu película no puede pagar'.

Lo mejor: los efectos especiales.

Lo peor: alguien debería contarle a John Swetnam qué es el efecto Venturi y a Steven Quale las bases del found footage y del falso documental.



Título: Into the Storm
Director: Steven Quale
Guión: John Swetnam

Fotografía: Brian Pearson
Año: 2014
Duración: 89 min.
País: Estados Unidos
Productora: WB / New Line Cinema / Village Roadshow / Broken Road Productions
Reparto: Richard Armitage, Sarah Wayne Callies, Jeremy Sumpter, Nathan Kress, Matt Walsh, Arlen Escarpeta, Jon Reep, London Elise Moore, Kyle Davis, Max Deacon

En el ojo de la tormenta se anunciaba en el tráiler como "la experiencia definitiva" que, oh sorpresa, no ha acabado siendo. Además de los habituales efectos especiales, en el pase de prensa también hubo efectos de lluvia y viento, quizás con el objetivo de desviar la atención de un guión estúpido y unos personajes huecos que no nos importan un comino. Ahora sería el momento de explicar algo de la sinopsis para guiar un poco al lector, pero en este caso es totalmente irrelevante. Simplemente diré que la ciudad de Silverton, en la que viven unos personajes de cartón piedra, será asolada por unos terribles tornados. Y no hay más. 

La película empieza con unos chavales en un coche que ven venir un tornado y uno de ellos, inducido por esa malsana costumbre de tener que captarlo todo con el móvil, sale del automóvil y grava el suceso. Poco después, cuando el tornado se acerque, entrará al coche tomando una sabia pero inútil decisión, ya que al final él y sus estimados amigos, volarán por los aires cuando el tornado se cruce en su camino. Como queriendo dejar las cosas claras desde el inicio, y antes que aparezca en pantalla el magnánimo título de la cinta, podemos pensar erróneamente que no nos van a dejar ningún respiro. Al final comprobamos que no es así, y en formato de falso documental (cuya lógica el director se salta de forma rigurosa a cada escena), tenemos que asistir primero a la soporífera presentación de los personajes que van a protagonizar esta mediocre cinta. 


Por un lado hay el subdirector del colegio (el actor que interpretaba al enano principal en 'The Hobbit'), que no dedica suficiente tiempo a sus hijos (uno el divertido, el otro el sensible) porque está demasiado ocupado con su trabajo (primera pista de la originalidad del ¿guión? de John Swetnam) y luego el grupo de cazatormentas/documentalistas que lo forman el director y la meteoróloga y un par o tres de cámaras que nos importan una mierda. En la obstinada intención del guionista para llenar la cinta de tópicos y estupideces, tenemos ese director obsesionado con las tormentas llevado por el egoísmo de su empresa y que, al final, (mira, otra sorpresa) se redimirá con un heroico gesto. Después está la meteoróloga, que en su estúpida búsqueda de tormentas (¿en serio alguien se dedica profesionalmente a esto?) abandona a su hija de cinco años y la deja a cargo de sus padres durante tres meses, TRES MESES. Lo peor es que su madre, totalmente comprensiva, le dice por videoconferencia que no se preocupe, que el trabajo es lo más importante... Finalmente tenemos a un par de imbéciles con el único objetivo vital de triunfar en Youtube, que provocan vergüenza ajena y que no merecen más de dos líneas en esta crítica.

Ante esta galería de personajes, poco pueden hacer los actores, de los cuáles tampoco podría destacar a ninguno, que ven su indiferente actuación mutilada por el doblaje que tuvimos que aguantar en el pase de Barcelona. Sin poder ver el film en versión original, me niego a valorar las interpretaciones. Pero cuando por fin empiezan los tornados y comienza la desolación de la ciudad, saldremos de nuestro estado de somnolencia notando los ventiladores y el agua de los laterales de la sala, pero acabaremos por confirmar que esa no es la experiencia definitiva que se nos prometía. 

Lo único destacable de la cinta son los efectos especiales, con una destrucción totalmente verosímil que sólo por momentos nos hará olvidar los huecos personajes y las tópicas y ridículas situaciones que ocurren 'En el ojo de la tormenta'. Al final, cabe agradecer al montador que la cinta no dure más de hora y media, 89 minutos que se nos pasarán más o menos rápido mientras los tornados se formen en la pantalla del cine, llevándose por delante, también, los bostezos de unos espectadores que al final, sin embargo, maldecirán por pagar para ver un ridículo pero medianamente entrenido alarde de efectos especiales.

Lo mejor: los efectos especiales, duración no excesivamente prolongada
Lo peor: su propia existencia como película, los personajes, los tópicos y básicamente todo el filme

Crítica de @PauGarcia179
Título: Into the Storm
Director: Steven Quale
Guión: John Swetnam
Fotografía: Brian Pearson
Año: 2014
Duración: 89 min.
País: Estados Unidos
Productora: WB / New Line Cinema / Village Roadshow / Broken Road Productions
Reparto: Richard Armitage, Sarah Wayne Callies, Jeremy Sumpter, Nathan Kress, Matt Walsh, Arlen Escarpeta, Jon Reep, London Elise Moore, Kyle Davis, Max Deacon
Título: Oldeuboi - Oldboy
Director: Park Chan-wook
Guión: Park Chan-wook, Hwang Jo-yoon, Im Joon-hyung (basado en el cómic de Nobuaki Minegishi)
Fotografía: Chung Chung-hoon
Año: 2003
Duración: 120 min.
País: Corea del Sur
Productora: Show East Co. Ltd
Reparto: Choi Min-sik, Yu Ji-tae, Kang Hye-jeong, Ji Dae-han, Oh Dal-su, Kim Byeong-ok, Lee Seung-shin, Yun Jin-seo
Crítica de @PaulPorcoRosso 

Hablar de cine asiático contemporáneo supone inevitablemente acabar hablando de cine surcoreano. Y en el cine surcoreano, el máximo exponente (y lo afirmo sin dudarlo ni un sólo segundo) es Park Chan-wook. Por segunda vez (ya lo hizo con Sympathy for Mr. Vengeance y repetiría el proceso con Sympathy for Lady Vengeance), el director monta todo el relato con la venganza como eje, usándola como respuesta universal a todos los males entre seres humanos. Como animales racionales, transformamos el odio que nos produce el mal de otra persona en un ajuste de cuentas en frío: como más podamos disfrutarlo, mejor. Chan-wook lo sabe, y como buen conocedor de la psique humana, habla sobre ello en su mastodóntica trilogía de la vendetta. Con esta obra (que elevo sin titubeos al estante de maestra), el director gana su Gran Premio del Festival de Cannes, y con él, el ascenso al círculo de realizadores de culto mundial. En este punto culmen de su trilogía de la venganza y obra maestra de su filmografía, el director surcoreano juega con elipsis y flashbacks para dibujar el deambular por la vida de Oh Dae Su (Choi Min-sik), un hombre secuestrado sin un motivo aparente y recluido durante 15 años en una misma habitación, que es soltado de la misma forma que le habían arrestado: sin explicación alguna. A su liberación, recibe una llamada de su captor (Yu Ji-tae), que le obliga a resolver en cinco días o menos la razón de su reclusión y, más importante aún, de su liberación. Sólo contará con la ayuda de dos aliados: un viejo amigo ( y una bella camarera de un bar de sushi, Mi Do (Kang Hye-jeong).


La magia de Oldboy reside en el choque de opuestos. ¿Cómo puede la pura belleza ser el envoltorio de un relato tan insano y retorcido como este? Park Chan-wook nos maravilla con una paleta de colores fascinante, una mezcla de géneros (que van del thriller psicológico a la comedia y de aquí a la acción y al drama) brillante y unos planos cuidadísimos para llegar a un clímax que no es tramposo por una ágil maniobra de guionista pícaro, sino por el engaño visual que ha urdido el director en nosotros los espectadores. Esa manufactura de planos, cuidados uno a uno como si salieran de la mente de un maestro artesano, la simpatía que desprenden los personajes (hasta los más deleznables) y un magistral romance han envenenado al espectador y han plantado unos árboles que no han dejado ver el bosque. Un bosque oscuro y brutal  que se presenta terroríficamente bello. Este bosque oscuro, la esencia de la película, plantea el conflicto ético que revela una realidad monstruosa y siniestra: los acontecimientos más insignificantes de nuestro pasado pueden acabar repercutiendo en el barullo de acontecimientos aparentemente anárquicos que nos afectan en el presente.


En este relato que baila entre lo freudiano y lo shakesperiano, Oh Dae Su, el impávido protagonista interpretado con genial maestría por Choi Min-sik, es un héroe impetuoso y ciclópeo, y su némesis una bestia monumental amparada con cantidades indecentes de dinero y una sed de venganza mayor que la de nuestro protagonista. Durante el mismo año, 2003, el espectador asiduo al cine vio pasar ante sus retinas otro relato de venganza (urdido por otro gran maestro de la narración) llamado Kill Bill. Pero la grandeza de esta cinta escapa a cualquier mesura. La venganza de Park Chan-wook es medida al milímetro, pensada un largo tiempo, disfrutando y saboreando cada momento. El triunfo de lo sutil, exquisito y perfecto. Ver Oldboy es sinónimo de enamorarse del cine en pura esencia, del cine sin concesiones que no interroga con condescendencia, sino con el ímpetu de su pureza.
Título: Dawn of the Planet of the Apes
Director: Matt Reeves
Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, Mark Bomback
Fotografía: Michael Seresin
Año: 2014
Duración: 130 min.
País: Estados Unidos
Productora: 20th Centurty FOX / Chernin Entertainment
Reparto: Andy Serkis, Jason Clarke, Gary Oldman, Keri Russell, Toby Kebbell, Kodi Smit-McPhee, Enrique Murciano, Kirk Acevedo, Judy Greer

Las secuelas pueden ser una manera de torcer sagas que si se hubieran quedado con la primera película y nada más recordaríamos con cariño y no con odio (como ocurre con la trilogía de The Matrix). Los grandes estudios, en su afán de recaudar más y más dinero, por lo general se olvidan de apostar por autores de calidad para explorar los mundos establecidos por sus primeras partes, y entregan segundas partes más ruidosas, con más acción y con más villanos, normalmente uno o varios peldaños por debajo de la original. Estoy pensando en las segundas partes de Rocky, The Exorcist, Robocop, The Fly y un interminable etcétera. ¿Qué tienen en común todas estas, amén de su ínfima calidad fílmica? Que suponen un cambio de director respecto a sus maravillosas correspondientes primeras partes. Con Rise of the Planet of the Apes, Rupert Wyatt hizo un trabajo muy correcto, retomando el camino de la franquicia original (esa en la que éramos incapaces de apartar la mirada del 'pecho lobo' de Charlton Heston mientras maldecía a los humanos y a las guerras*) y enterrando definitivamente en el olvido ese desastroso intento de remake/reboot de Tim Burton. Pero no preocuparse. Matt Reeves aquí es Irvin Kershner, y Dawn of the Planet of the Apes su The Empire Strikes Back.

La acción se sitúa diez años después de los acontecimientos del filme de Wyatt. El virus ALZ-113 ha seguido evolucionando a los simios y matando a una gran cantidad de seres humanos. En San Francisco, una pequeña comunidad inmune a la enfermedad sobrevive como puede con una leve tregua de paz con los simios liderados por Cesar (Andy Serkis), que han hecho de los árboles y el bosque su casa: los humanos no van al bosque, y los simios no van a la ciudad. Un pacto de no agresión que se romperá cuando los humanos manden un grupo encabezado por Malcom (Jason Clarke) para arreglar una presa hidroeléctrica y así conseguir luz para su poblado. Pese a que parece un paso más hacia la tolerancia entre las dos especies, esta intromisión humana en la comunidad simia pondrá a ambos bandos al borde de una Gran Guerra entre las dos especies...


En 1968, la Academia premió a Planet of the Apes con la estatuilla al Mejor Maquillaje. Merecida, evidentemente. Con los medios de finales de los sesenta se consiguieron unas prótesis y unas máscaras tremendamente realistas dignas de mención. Pero 2001: A Space Odyssey (del mismo año y también con la presencia de hombres disfrazados de simios en ella) fue ignorada en las nominaciones a esa categoría por dos razones. Primero, porque que Kubrick hubiera rodado con simios de verdad era una posibilidad, conociendo al director. Y segundo (y más importante por el punto al que quiero ir a parar), la increíble calidad del maquillaje hizo pensar a los académicos que los simios eran reales. Algo similar podría ocurrirle a Dawn..., que cuenta con unos efectos especiales tan espectaculares que consiguen helar la sangre con expresiones faciales simiescas que se antojan reales, así como la física de movimiento del vello corporal. Increíble.

Dawn... es algo así como un western post-apocalíptico (Cesar y sus compañeros simios andan abiertos de piernas, con las manos a los lados, y Matt Reeves nos muestra primerísimos primeros planos de sus ojos, además de la obsesión de todos por las armas) que habla sobre el mal que carcome nuestra sociedad: la intolerancia. La incapacidad de olvidar rencillas del pasado. La hostilidad y desconfianza contra y en otro grupo. Los simios han evolucionado desde Rise..., y su aumento en la capacidad de razonamiento lógico es evidente. La maldad es una cualidad inherente a cualquier mente consciente: aunque esté en los albores de la conciencia. "Ape not kill ape" ("Simio no mata a simio") es la frase que le suelta Cesar a Koba: mentira. La humanización nos vuelve, valga la paradoja, a la etapa más primitiva de nuestro ascenso evolutivo. La completa escritura del guión sitúa personajes a lo largo del pantone de grises en ambos bandos. Cada simio tiene su correspondiente humano, y viceversa. Koba y Dreyfuss (el algo desaprovechado Gary Oldman) son ambos seres que han perdido mucho en el conflicto, y con ello la fe en el mundo y las ganas de arreglar las cosas con la otra especie. Así como Cesar y Malcom, ambos abanderados por su especie como casi líderes, y con una familia que cuidar.


En respecto a las actuaciones, con esta película Andy Serkis completa otra magnífica interpretación (la enésima) tras el traje de puntos blancos. Su dedicación y comprensión total a y del personaje se hacen evidentes en cada uno de los fotogramas de la película. Como compañero de fatigas del simio protagonista (y principal antagonista de la película), tenemos a Koba, interpretado también con muchísima intensidad por Toby Kebbell. El sector humano se mantiene en la corrección, con mención especial para Clarke, que pide a gritos más papeles protagonistas. En los apartados técnicos, catalogar a Michael Giacchino como el nuevo John Williams es dar un paso demasiado al frente teniendo en el panorama sonoro a genios como Desplat, Zimmer, Shore, Elfman o Vangelis, pero su calidad es innegable y si ya nos emocionó con la banda sonora de Lost, la de Dawn... es un avance de ficha en su brillante futuro en el mundo del cine.

En una época en que los blockbusters de verano están cada vez mejor dirigidos y escritos, Dawn of the Planet of the Apes es el rey de todos ellos. Trasciende a su argumento de un mundo post-apocalíptico para hablar de agresividad e intolerancia entre dos grupos sociales y dentro de estos. Una delicia imperdible. Uno de los mejores estrenos en lo que va de 2014.

Lo mejor: personajes e interpretaciones principales, el trabajado guión, y la cámara de Matt Reeves.
Lo peor: Gary Oldman está algo desaprovechado.

* En su versión original la frase era: "Ah, damn you! God damn you all to hell!" (se traduciría más o menos como: "¡Malditos! ¡que Dios os mande a todos al infierno!")

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