'Dos tontos muy tontos': trilogía en decadencia

[[Crítica de @marckwire21]]

Hace poco más de dos semanas se estrenaba lo nuevo de los hermanos Farrelly, la secuela de su éxito en los años 90, 'Dumb and Dumber To'. Protagonizada por la pareja de actores que hizo de aquella cinta un clásico de la comedia en el año 94, Jim Carrey y Jeff Daniels, esta propagación del humor absurdo del que hicieron bandera sus directores con otros títulos también como 'There's Something About Mary' o 'Me, Myself & Irene', no sólo no está a la altura de trabajos anteriores, sino que infunde un grandioso sentimiento de lástima por todos ellos, actores y directores. El éxito de 'Dumb & Dumber' tras su estreno en 1994 se debió mayormente a su éxito comercial y sobretodo al boca a boca generado por aquellos a los que gustó la película y no paraban de recordar la gran cantidad de escenas y momentos absurdos que acababan de ver. Este tipo de comedia tiene sus detractores pero también una gran masa de fans de todas las edades como se ha podido comprobar con otras grandes cintas cargadas de ese tipo de humor tan concreto y absurdo que el tiempo ha convertido en films de culto como son ya 'Monty Python and the Holy Grail' o 'Brian´s Life' en los años 70, 'Top Secret', 'Spaceballs' o la saga 'Airplane!' en la década de los 80 y las dos partes de 'Hot Shots' a principios de los 90. Los Farrelly junto a Bennett Yellin (tercer guionista) estrenaban tan sólo un año mas tarde que la secuela de 'Hot Shots' su opera prima, 'Dumb & Dumber'. 

Jim Carrey venía de su primer exitazo con 'The Mask' en pleno despegue en su carrera y tenía en cartelera otra comedia absurda como era 'Ace Ventura'. Daniels por su parte venía de ser el amigo enrollado de Keanu Reeves en 'Speed' y al que aparte de 'Aracnofobia' o 'Grand Tour: Disaster in Time' no se le conocían más que papeles de secundario. Ambos se vieron respaldados por el tremendo éxito comercial de 'Dumb & Dumber' y su repercusión a nivel mundial los consagró como una de las parejas cómicas mas famosas dentro de la comedia, Lloyd y Harry. Raro fue que no se hicieran secuelas en su momento, imagino que Carrey declinaría cualquier oferta para realizarlas dado que su carrera empezaba a consolidarse con mas papeles protagonistas ('The Truman Show', 'Man on the moon') mientras que Daniels ha seguido en papeles secundarios hasta consagrarse en el olimpo de las series con su personaje de Will McAvoy en la producción de HBO, 'The Newsroom'.

Antes que la secuela llegó la precuela, lo hizo 7 años después y cuando el humor absurdo ya no gozaba de tanto éxito en el publico. Es más, ya se encargaron de explotarlo al máximo los propios hermanos Farrelly durante toda su carrera y en especial durante la década de los 90 con títulos 'Vaya par de idiotas', 'There's Something About Mary', 'Me, Myself & Irene' u 'Osmosis Jones'. Troy Miller, un veteranisimo productor, guionista y director norteamericano curtido en televisión fue el encargado o mejor dicho, el culpable, de la horrible precuela hecha en 2003. La primera media hora de 'Jay & Silent Bob strikes back' en 2001 es lo mismo que se puede ver en los casi 80 minutos que dura 'Dumb and Dumberer: When Harry Met Lloyd' con muchísima menos gracia y buen gusto. ¿Qué diferencia una copia de escenas a un homenaje? Supongo que el resultado final de las mismas desvía la balanza hacia una opinión u otra. En 'Dumb and Dumberer: When Harry Met Lloyd', Miller demostró que vió la dirigida por los Farrelly y le gustó tanto que no supo encontrar nuevos gags que superaran los mitificados por Carrey y Daniels. Historia made in Disney, infantil a más no poder, sin ese humor gamberro tan característico de su predecesora y con una pareja protagonista pésima. Película enfocada a justificar los carácteres absurdos de sus protagonistas en la cinta noventera. 

Veinte años mas tarde de que New Line Cinema produjera aquella locura escrita por tres amigos, Bobby Farrely, Peter Farrely y Bennett Yellin (guionista de la serie de dibujos) llega su secuela a nuestras pantallas. En esta ocasión los hermanos no participan en el guión, puesto que éste está escrito por Yellin junto a Sean Anders, John Morris y Mike Cerrone (dato a tener en cuenta), pero sí participan en la producción junto a la citada New Line Cinema y Warner Bros con su empresa Cunundrum Entertainment. También regresa la pareja protagonista, Jim Carrey y Jeff Daniels. 

Innecesaria. Así la definiría. No hay nada salvable en esta reunión de viejos amigos dos décadas después. Si la falta de originalidad y gamberrismo entre otros factores lastraron a la precuela, en esta 'Dumb and Dumber To' lo que ocurre es similar. Una pecaba de corta y esta de excesivamente larga pese a no llegar a los 100 minutos. Esto, en una comedia de este tipo que vive del ritmo y la concatenación de gags absurdos en forma creciente es algo que destroza cualquier atisbo de ser recordada con el tiempo. La repetición de la mayoría de buenos gags llevan a esta secuela a recordar una y otra vez la cinta que originó que esta fuera creada. La nostalgia juegan en contra de ella desde su inicio: mismo argumento prácticamente cambiando unos personajes por otros. 

La aparición de una secuela después de tanto tiempo por enganchar a las nuevas generaciones con este tipo de humor es fallida a todos sus niveles y sus chistes de caca-culo-pedo-pis no provocan risas sino repulsión. Sus protagonistas acusan el paso del tiempo en sus caras por mucho maquillaje que se les ponga. Sus muecas parece forzadas y solo Carrey (al que se le ven las costuras) aguanta el tipo en algunos momentos. Daniels ha olvidado totalmente lo que hizo grande a un personaje como Harry, lo ha olvidado completamente. Una imagen vale mas que mil palabras. Hay un primer plano de Daniels cuando éste imagina como hubiera sido ser padre en el que se puede comprobar de lo que hablo cuando me refiero a que Jeff Daniels ha olvidado como era Harry, su cara totalmente forzada da lástima. 

Nostalgia, añoranza, lástima, uno no para de recordar aquella gran comedia de 1994 cuyos gags tras 20 años siguen sacándome alguna carcajada. Tuve la oportunidad de volver a verla hace escasos días y puedo decir con total seguridad que sigue siendo igual de buena que cuando la vi por primera vez. Ni siquiera el hecho de conocer todos los gags o diálogos absurdos le restan complicidad y humor. Fue la opera prima de unos amigos que coincidieron con el despegue de una de la estrellas cómicas norteamericanas mas reconocidas de las ultimas décadas, algo que no pasa habitualmente. Ahora, tras 20 años, todo, y todos, han cambiado. Quizás los Farrelly debieron darse cuenta cuando estrenaron la nefasta 'Movie 43' pero no, siguieron, y siguieron mal. Una lástima. El reclamo (20 años después) fue bueno pero el sabor del pienso nos ha hecho recordar lo bien que cocinaba la abuela.

NO ESTRENOS: 'The Darjeeling Limited', un Wes Anderson no tan brillante

[[Crítica de @PauGarcia179]]

Wes Anderson es bastante raro. Acercarse a una de sus películas puede ser arriesgado si uno no sabe lo que va a ver. Incluso ‘The Grand Hotel Budapest’, probablemente su película más divertida, genera división entre los espectadores. Están los que se ríen a carcajadas, y los que se sorprenden de la sincera diversión que unos pocos disfrutan. Las situaciones y personajes marcianos del universo de Wes Anderson solo son tolerados por unos pocos espectadores, y en lo referente a la estética de sus películas, hay quienes la admiran, quienes la odian y quienes (lo más sorprendente), la contemplan con indiferencia. Pues bien, para aquellos espectadores que quieran adentrarse al mundo de Wes Anderson, les diría que ‘The Darjeeling Limited’ no es la mejor opción para empezar.

Francis (Owen Wilson), Peter (Adrien Brody) y Jack (Jason Schwartzman) son tres hermanos que llevan un año (des de la muerte de su padre) sin hablarse. El hermano mayor, sobreprotector en extremo, organiza un viaje espiritual a la Índia para que los tres se conozcan mejor entre ellos y a sí mismos. Con este argumento sería fácil pensar en una de esas películas tópicas supuestamente reveladoras pero de una superficialidad inadmisible, con viaje a la India incluido. Pero como decía al principio, este film es obra del incomparable (para bien o para mal) Wes Anderson y difícilmente asistiremos a algo convencional. 

La primera escena es engañosamente buena, vemos a Peter (Adrien Brody) corriendo para subir a un tren superando a Bill Murray, que se queda en el camino. Lamentablemente, el actor, habitual de Wes Anderson, no tiene ni una línea de diálogo en toda la película y el resultado final del film, según el que esto escribe, no acaba de ser lo brillante que el principio prometía. Para los que vayan a ver la película pensando que es una comedia, ya les advierto que es más bien un drama, si tenemos en cuenta la escasez de momentos cómicos (ojalá me hubieran dicho lo mismo a mí al ver ‘The Royal Tenenbaums’). Sin embargo, lo estrambótico de sus personajes -una constante en el cine del realizador tejano- hace más llevadero el filme, aunque no está repleto de tantas situaciones absurdas como las que poblaban otras cintas del director de ‘The Gran Hotel Budapest’. 

A favor de la película hay que destacar, aunque a estas alturas resulte obvio decirlo en un film de Wes Anderson, la excelsa estética que vuelve a envolvernos con esos decorados (imposible no resaltar el tren) y esos colores. A pesar de que el director continúa utilizando las geniales panorámicas a que nos tiene acostumbrados, los característicos travellings laterales recorriendo –horizontal o verticalmente- las estancias del Belafonte o las habitaciones de El Gran Hotel Budapest esta vez se ven limitados por una obvia razón: el tren con el que viajan los tres hermanos hace prácticamente imposible la utilización de uno de sus más estimables movimientos de cámara. No obstante, su estilo sigue enamorando y es necesario valorar la labor de todo el equipo por la dificultad de rodar en un tren en marcha, decisión más que discutible tomada por el director. 

Aunque el director se sobrepone a los clichés sobre los viajes espirituales a la India, el drama no consigue emocionar del todo al espectador -a pesar de las buenas interpretaciones-, y cuando, de nuevo en el tren Darjeeling Limited, aparecen los títulos de crédito, no podemos evitar sentir cierta extrañeza debido a lo abrupto del final y a lo incompleto del film en general. El viaje puede ser simpático, curioso, disfrutable y agradable, pero el final, al menos para el que esto escribe, no acaba de ser todo lo satisfactorio que debería. ‘The Darjeeling Limited’ no es, afortunadamente, una de esas road movies de viaje espiritual, es otra interesante película de un director diferente y original. Lamentablemente, el guión, coescrito entre el propio director, Roman Coppola y el también actor Jason Schwartzman (otro de la familia Coppola) no tiene la brillantez que sí tenía en otras ocasiones, como en la reciente ‘The Grand Hotel Budapest’ o en la también recomendable ‘Life Aquatic’.

Lo mejor: la estética, las panorámicas, personajes y actuaciones
Lo peor: el guión no está a la altura de otras películas del director

Título: The Darjeeling Limited

Director: Wes Anderson

Guión: Wes Anderson, Roman Coppola, Jason Schwartzman

Fotografía: Robert D. Yeoman

Año: 2007

Duración: 91 min.

País: Estados Unidos

Productora: Fox Searchlight Pictures / Collage / American Empirical Pictures / Dune Entertainment / Cine Mosaic / Indian Paintbrush / Scott Rudin Productions

Reparto: Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Anjelica Huston, Bill Murray, Amara Karan, Camilla Rutherford, Irrfan Khan

Que vivan Rian Johnson y el cine negro

Título: Brick

Director: Rian Johnson

Guión: Rian Johnson

Fotografía: Steve Yedlin

Año: 2005

Duración: 119 min.

País: Estados Unidos

Productora: Focus Features

Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Lukas Haas, Nora Zehetner, Matt O'Leary, Noah Fleiss, Richard Roundtree, Emilie de Ravin, Meagan Good, Brian J. White, Noah Segan

Crítica de @PaulPorcoRosso

Este es el primer largometraje de Rian Johnson, realizador de la comedia de estafadores The Brothers Bloom, el thriller futurista Looper, y también director de dos de los mejores capítulos de la serie Breaking Bad: The Fly (S03E10) y Ozymandias (S05E14). Su opera prima, rodada por menos de 500000 US$, es una historia detectivesca de intriga con un guión ingenioso e intrincado (escrito por el propio Johnson) con rápidos diálogos, pero con la particularidad de estar ambientada en el escenario atemporal de un instituto.

Brendan Frye (Joseph Gordon-Levitt) es un estudiante de instituto del sur de California, audaz, tremendamente inteligente y solitario que prefiere mantenerse al margen de todo. Cuando su ex-novia Emily (Emilie de Ravin) reaparece en su vida aparentemente con problemas para volver a desaparecer, Brendan se obsesionará por descubrir qué le ha ocurrido a su problemático amor, por el que sus sentimientos son aún muy fuertes. Con la ayuda de su único amigo, The Brain (Matt O'Leary), descubrirá poco a poco los secretos de los alumnos de su instituto y se pondrá en contacto con personajes como Laura (Nora Zehetner), una sofisticada niña rica, el matón Tugger (Noah Fleiss), el yonqui Dode (Noah Segan), la seductora Kara (Meagan Good) y el siniestro y enigmático The Pin (Lukas Haas).

Birck pertenece al llamado cine negro: su argumento y trama bien podrían ser los de una película de Orson Welles o Billy Wilder, incluso de los primeros hermanos Coen, aunque extrapolándolos a un instituto del sur de California y protagonizado por chavales adolescentes. El talento narrativo y sentido del ritmo de Rian Johnson quedan en evidencia en esta su opera prima en la que tira de, a lo mejor, personajes cliché del género (la femme fatale, el protagonista impávido y solitario, el colega freak que le ayuda, el gánster, los matones fríos como el hielo), diálogos punzantes e inverosímiles por la gran inteligencia que encierran sus palabras, y una trama enrevesadísima sobre tráfico de drogas y asesinatos. Su banda sonora, que firma el primo del director, es tensa y acompañante de los momentos más dramáticos de la película.

Yo sin duda lo veo como un homenaje al género, un intenso ejercicio de estilo de un director novel entrando por la puerta grande. Sus personajes, adolescentes que hablan como adultos y en cada frase lanzan dardos envenenados mientras piensan la aguda réplica que darán a la respuesta de su contrincante dialéctico, se asemejan bastante a esos fríos caracteres que dominaban la intriga de sobretodo los 40 y los 50: Boggart, Mitchum y MacMurray en The Maltese Falcon, Out of the Past y Double Indemnity respectivamente. Personajes con un código moral propio e inquebrantable, a prueba de bombas. La fotografía obra de Steve Yedlin se adapta perfectamente a la frialdad y sequedad de los personajes, con calles solitarias y un mundo sin apenas adultos.

Con Brick, da la sensación de estar leyendo una novela de misterio de las que mantienen la intriga y la tensión hasta el final. Un cadáver á la Lynch, un investigador testarudo y tremendamente inteligente, una femme fatal, un gánster poderoso pero frágil, una telaraña indesenredable. Pero con una nueva perspectiva.

Lo mejor: un magnífico Joseph Gordon-Levitt.

Lo peor: como en toda película de cine negro, es algo difícil de seguir al principio por la gran cantidad de personajes.

NO ESTRENOS: Andy Kaufman y el hombre en la Luna

Título: Man on the Moon

Director: Milos Forman

Guión: Scott Alexander, Larry Karaszewski

Fotografía: Anastas N. Michos

Año: 1999

Duración: 118 min.

País: Estados Unidos

Productora: Mutual Film Company / Universal Pictures presenta una producción de Jersey Films / Cinehaus & Shapiro / West Productions

Reparto: Jim Carrey, Danny DeVito, Courtney Love, Paul Giamatti, Tony Clifton, Marilu Henner, Judd Hirsch, Christopher Lloyd, Norm MacDonald, Vincent Schiavelli, Brent Briscoe, Christina Cabot, Chuck Zito

Crítica por @PaulPorcoRosso

Man on the Moon es el biopic de Andrew Geoffrey Kaufman, más conocido como Andy Kaufman (Jim Carrey). Kaufman fue un popular (y excéntrico) actor y cómico americano nacido en el seno de una familia judía. Aunque nunca se consideró a él mismo como 'cómico' en el sentido estricto de la palabra, más bien un anticómico, pionero del anti-humor.

El enfoque de Forman de la vida de Kaufman, algo discutido por su poca incisión, en mi opinión apela a sentimientos y emociones de los espectadores, tratando al personaje interpretado por un brillante, brillantísimo Jim Carrey en la cumbre de su carrera, de una forma íntima y aparentemente sencilla. Su visión peculiar (lo que pide un personaje como Kaufman) de la vida del humorista al que no le gustaba que le llamaran humorista nos sitúa de lleno en su (también peculiar) mente. Aunque destaco especial y merecidamente la actuación de Carrey, bien es cierto que en este filme de Forman todos y cada uno de los actores, incluso el más pequeño secundario cumple a su perfección su papel. Paul Giamatti, en meteórico ascenso hacia la fama, genial como siempre; Danni DeVito más que correcto; y Courtney Love que cumple con creces en un papel muy dramático.

¡Qué necesaria es la gente a la que le gusta hacer reír! Es más: ¡qué necesaria es la gente que sabe hacer reír! ¿Cuál es la fórmula del humor? Claro está que cada uno entiende la comedia de una forma diferente: ya sabemos que sobre el humor, como con los gustos, no hay nada escrito. Pero de todas maneras nos podemos aventurar a descifrar la ecuación del humorista perfecto. Se necesita desparpajo, claro está. Amor al trabajo. Perseverancia. Voluntad para reírse de todo, incluso de uno mismo, e incluso en los momentos personales más duros. Ganas de pasárselo bien. Puede que Andy Kaufman (hombre sobre el que habla este delicioso biopic de Milos Forman) gustara más o menos (o haya gustado más o menos a posteriori), pero lo que no se le puede reprochar bajo ningún concepto, son las ganas de pasárselo bien.

Entre sus excentricidades (para el que escribe esto, deliciosas), todas satisfechas en aras de su propio divertimento, destacan intentar engañar a los espectadores de forma constante, ya sea fingiendo una mala comprensión de la cultura, del  idioma, o hacerse pasar por un borracho-fumador y cantante de rock irreverente; provocar a sus detractores con combates de boxeo mixtos; o invitar a todos los asistentes a uno de sus shows a leche con galletas en medio de una función.

Man on the Moon es un filme que sin duda le hace justicia a un personaje del que es imposible no encariñarse. Una de las grandes obras de Forman, y una de las grandiosas bandas sonoras del cine, a cargo de la banda REM.

@PaulPorcoRosso

NO ESTRENOS: 3' Guanina, Adenina, Timina, Timina, Adenina, Citosina, Adenina 5'

Título: Gattaca

Director: Andrew Niccol

Guión: Andrew Niccol

Fotografía: Slawomir Idziak

Año: 1997

Duración: 106 min.

País: Estados Unidos

Productora: Jersey Films / Columbia Pictures

Reparto: Ethan Hawke, Uma Thurman, Jude Law, Loren Dean, Alan Arkin, Gore Vidal, Xander Berkeley, Elias Koteas, Ernest Borgnine, Tony Shalhoub, Blair Underwood, Maya Rudolph, Lindsey Ginter, Jayne Brook

Presentada (y gran vencedora) en la 30 edición del Festival de Sitges, en el ya lejano 1997, Gattaca es la mejor obra y a la vez la opera prima del director (y guionista) Andrew Niccol. El neozelandés, después de dirigir spots publicitarios en Londres, se mudó a Los Angeles para triunfar en la industria del séptimo arte. Le fue negada la dirección de su primer guión, The Truman Show (por el que ganó el BAFTA en 1998), y su respuesta fue la película de culto de la que hablo en esta crítica.

Gattaca es la historia clásica de superación a varios niveles. En una sociedad futurista en la que el esperanto está extendido (lo único en lo que se equivoca Niccol), en el que sólo se puede ser perfecto, y se separa a la gente por estratos genéticos, las ansias de conocimiento de un hombre 'no válido' (pero siempre ansioso por superar "la última frontera"), Vincent, le llevan a romper barreras en todos los ámbitos. El argumento, además, es duramente realista y tremendamente atemporal dentro del marco de la ciencia ficción. Gattaca no va a quedar demodé, y salvando las distancias (que son muchas y muy grandes) podría ser nombrada como la 2001 de la década de los noventa. Inspiró e innovó a partes iguales.

El ADN, la escalera de caracol de Vincent.

Técnicamente, la confección de la sociedad futura en la película marca el inicio de una tendencia que se ha extendido hasta el cine actual: el minimalismo como buque insignia. Un estilo decorativo cuestionable, pero que en este caso aporta información a la trama, hablando más que muchos personajes sobre la sociedad del momento. Es fría, distante, sin adornos, metódica, casi robótica. Pero, dentro de la frialdad de las casas y los ambientes de trabajo, la fotografía aporta un plus de color, de calidez. Una suerte de baño de luz reconfortante, muy evidente en las escenas que comparten Ethan Hawke y Uma Thurman. Dos personajes cuya historia romántica (aunque bonita) es lo peor de una cinta de muy buena calidad.

¿Quién es Vincent? Y lo más importante, ¿qué es Gattaca? Vincent es el nuevo Victor Català, aquella mujer que escribió bajo el nombre de un hombre grandes novelas en una sociedad machista. Y Gattaca es el sentido de la vida comprimido en una cadena de siete bases nitrogenadas. El código genético de nuestra existencia, la sociedad, y la muerte en silencio, expresado en un lenguaje Universal: el cinematográfico. Ácido desoxirribonucleico trabajando para ser aún mejor de lo que a priori puede llegar a expresar. Pero sobretodo es una película para olvidar que Andrew Niccol es el hombre detrás de The Host.

Lo mejor: diseño de producción, fotografía, guión, Jude Law. Si no has visto este clásico moderno de sci-fi, ¿a qué esperas?

Lo peor: que sea lo máximo que nos pueda ofrecer Niccol.

@PaulPorcoRosso

P.S.: ojo a la aparición estelar (y momentánea) de Dean Norris antes de Breaking Bad. ¡Sorpresa!

NO ESTRENOS: El Cant dels Ocells (la película, no la canción)

Título: El Cant dels Ocells

Director: Albert Serra

Guión: Albert Serra

Fotografía: Jimmy Gimferrer, Neus Ollé (B&W)

Año: 2008

Duración: 98 min.

País: Espanya

Productora: Andergraun Films / Eddie Saeta / TV3

Reparto: Victòria Aragonés, Lluís Carbó, Mark Peranson, Lluís Serrat Batlle, Lluís Serrat, Montse Triola

Albert Serra es un director catalán de indiscutible humildad ("El mundo es mejor gracias a mí" o "Yo soy un bien de la humanidad") que ha demostrado en numerosas ocasiones su admiración por las grandes leyendas del cine ("Hay un director que aún es peor que Kubrick: se llama Francis Ford Coppola") y su respeto por los actores ("Os sugiero que enviéis a los actores a Guantánamo por el bien de la Academia y de la humanidad". Ganó el Premio Leopardo de Oro en el Festival de cine de Locarno por 'Historia de la meva mort' pero es más conocido por las perlas que va soltando, aunque para ser sincero yo me río bastante con sus entrevistas. Tampoco hay que tomarse en serio todo lo que dice, estoy seguro que es un buen tipo con un gran sentido del humor.

La película de la que hoy hablamos, 'El Cant dels Ocells' es, según palabras del propio director, "en cierto sentido bastante simple, cuenta lo que dicen esas tres frases de la Biblia: unos Reyes Magos que llegan a un sitio, que parece ser el Portal de Belén, y se van."

'El Cant dels Ocells' está rodada en blanco y negro y con luz natural, lo cuál es toda una declaración de intenciones. El filme está compuesto por planos fijos sin apenas movimiento de cámara (alguna panorámica, pero poco más) que duran mucho más de lo que estamos acostumbrados, lo cuál no es malo, pero llega un punto en el que el espectador ya se ha cansado de ver más de lo mismo con los personajes alejándose eternamente de la pantalla. Podría recordar, por lo que tiene de viaje por un desierto, a la notable 'Gerry' de Gus Van Sant (película que mejoraría si Van Sant prescindiera de cierto travelling de seguimiento de 10 minutos y otro circular alrededor de Casey Affleck), pero mientras ésta puede ser lenta pero no aburrida, la obra de Albert Serra es deliberadamente pesada y tediosa, como queriendo desafiar al espectador para ver si aguanta todo el film. 

Pero no todo es tan malo en 'El Cant dels Ocells'. Albert Serra nos presenta los tres reyes más simpáticos y campechanos de la historia (bueno, quizás no tanto como nuestro querido monarca, que se va tranquilamente a cazar elefantes y se disculpa con su pueblo como un niño de 10 años) que a mí me hacen mucha gracia. Me encantan sus conversaciones, absolutamente marcianas y surrealistas, que me hacen estallar en sonoras carcajadas. No estoy seguro de si el humor es algo buscado por el director, si me río por su patetismo o si es que tengo un extraño sentido del humor, pero yo la verdad es que pasé un buen rato escuchando a estos tres reyes, que son tan mágicos o sabios como el mismísimo tonto del pueblo. 

Ese viaje de nuestros afables monarcas se combina con otros tediosos planos fijos de María, José... y una pobre oveja. Toda la parte en la que se muestra la rutina de José y María, no aparece el niño Jesús, sólo aparece esta adorable oveja, y durante el visionado del filme  me pregunto absurdamente si Albert Serra nos ofrecerá un golpe de surrealista genialidad convirtiendo al niño Jesús en oveja, pero me llevo una enorme decepción en el momento de la emotiva adoración cuando aparece el niño Jesús, en perfecta forma humana. Otra cosa curiosa es que José le habla a María en hebreo, y ésta le responde en catalán, sin que ello suponga ningún problema de incomunicación, evidentemente, porque al fin y al cabo, el hebreo y el catalán son tan parecidos entre sí como el cine de Michael Bay y el del mismo Albert Serra (aunque preferiré mil veces, y ahora lo digo con total sinceridad y ni una gota de sarcasmo, el cine de Serra al pseudocine de Bay). Pero no hay ningún tipo de explicación artística o simbólica en la decisión de utilizar el hebreo, es solo un capricho de un director demasiado convencido de su grandeza.

'El Cant dels Ocells' es una obra radical, pero su autor confunde radicalidad con genialidad. Tiene imágenes de gran belleza (más por el paisaje que por otra cosa), momentos cómicos y una escena de la adoración de gran emotividad (gracias a la música de Pau Casals), pero todo esto no es suficiente para levantar una película que intenta ser mística y acaba siendo absolutamente delirante y paródica. 

Lo mejor: las hilarantes conversaciones de los reyes, la fotografía en blanco y negro, la música de Pau Casals y el intento de hacer algo genial y radical (aunque sólo consigue lo último)
Lo peor: el capricho del hebreo, el tedio que produce, el fallido intento de darle un aire de mística o espiritualidad 

@PauGarcia179

NO ESTRENOS: 'The Place Beyond the Pines'

Título: The Place Beyond the Pines (Cruce de caminos)

Director: Derek Cianfrance

Guión: Derek Cianfrance, Ben Coccio, Darius Marder

Fotografía: Sean Bobbitt

Año: 2013

Duración: 140 min.

País: Estados Unidos

Productora: Focus Features / Hunting Lane Films / Pines Productions / Sidney Kimmel Entertainment

Reparto: Ryan Gosling, Bradley Cooper, Eva Mendes, Dane DeHaan, Emory Cohen, Ray Liotta, Rose Byrne, Ben Mendelsohn, Bruce Greenwood, Mahershala Ali, Olga Merediz, Craig Van Hook, Gabe Fazio, Robert Clohessy, Luca Pierucci, Anthony Pizza, Kayla Smalls

The Place Beyond the Pines no es un filme tan magnético como la 'opera prima' del director Derek Cianfrance, pero aún así se trata de una historia de romance, drama y venganza con trazas de thriller sobretodo en su primera parte. La película, amén de tener una trama espectacularmente bien trabada, se trata de un ejercicio estético de belleza impecable obra de Sean Bobbit, con una música muy bien conjugada con la historia. El guión del director habla sobre segundas oportunidades, y sobre la herencia de los padres sobre los hijos, con la sensibilidad con la que hablaba de sus personajes en Blue Valentine. En la primera parte, Ryan Gosling acarrea con todo el peso de la trama, ofreciendo una actuación espectacular, constatando así una vez más que es uno de los mejores actores jóvenes de Hollywood, interpretando a un motorista obligado a volverse atracador de bancos para mantener al hijo recién nacido que ha tenido con su ex-pareja, también muy bien interpretada por Eva Mendes. La película cambia en su segunda parte, recayendo el peso de la acción en el personaje de Bradley Cooper, un policía que después de recuperarse de un shock en acto de servicio y convertirse en héroe local tras tergiversar los hechos, deberá enfrentarse a una trama de corrupción que campa a sus anchas en su oficina. Pero quién realmente levanta el vuelo de este segundo acto es Ray Liotta, el cabecilla de la banda corrupta, que nos regala una interpretación brillante. La tercera parte, se encarga de cerrar las dos anteriores, es una especie de vía libre para el karma, que lidiará con las injusticias del pasado.

Imagen del set de rodaje de 'The Place Beyond the Pines'.

La virtud de Cianfrance en este filme es el conseguir que los desaciertos (que son bien pocos) queden escondidos bajo la espectacularidad y tensión de la acción y la tristeza que colma la trama, atrapando al espectador y consiguiendo una muy buena película. 

NO ESTRENOS: 'Blue Valentine', de la melena a las entradas, del amor al desamor

Título: Blue Valentine

Director: Derek Cianfrance

Guión: Derek Cianfrance, Cami Delavigne, Joey Curtis

Fotografía: Andrij Parekh

Año: 2010

Duración: 114 min.

País: Estados Unidos

Productora: Incentive Filmed Entertainment / Silverwood Films / Hunting Lane Films / Chrysler Corporation / Shade Pictures / Motel Movies / Cottage Industries

Reparto: Ryan Gosling, Michelle Williams, Mike  Vogel, John Doman, Ben Shenkman, Liam Ferguson, Maryann Plunjett, Faith Wladyka, Samii Ryan, Tamara Torres, Carey Westbrook, Eileen Rosen

Blue Valentine es la historia definitiva sobre el nacimiento y la pérdida del amor. Un relato precioso, tremendamente triste y brutalmente cautivador sobre un matrimonio en plena decadencia, que rememora los orígenes de su relación para saber en qué punto todo se empezó a torcer, aunque encontrar el punto exacto sea tarea imposible. El guión, que firma el mismo director, derrocha sensibilidad, y trabaja los dos personajes (el femenino y el masculino) con excesivo tacto y cuidando todos y cada uno de los detalles, con un trato más coherente hacia el desarrollo de acontecimientos encima del personaje de Gosling. Michelle Williams y él demuestran en esta cinta una química en pantalla que hace parecer real el romance que se trata, y una capacidad interpretativa que los remarca como dos grandes actores jóvenes del momento, regalándonos unas actuaciones de sobresaliente.

En el apartado técnico, Blue Valentine también roza la excelencia. Cianfrance acosa a sus personajes, les presiona y les saca todo el jugo con el uso de primeros planos asfixiantes, para resaltar la expresividad máxima de sus ojos y gestos. Mientras, el director de fotografía Andrij Parekh consigue una atmosfera deprimente en el declive de la pareja, creada mediante colores fríos, que da el perfecto matiz a la historia que se está contando, y hace un muy buen uso de la luz y los colores en los flashbacks que muestran el inicio de la relación. El encargado de la música Grizzly Bear, consigue una banda sonora repleta de temas que conjugan a la perfección con la acción del filme.

You always hurt the one you love.

En resumen, Blue Valentine es el inicio perfecto para la carrera de un director que seguro nos va a regalar más de una obra maestra en su, esperemos, larga y prospera carrera.

@PaulPorcoRosso

NO ESTRENOS: 'Gordos'

Título: Gordos

Director: Daniel Sánchez Arévalo

Guión: Daniel Sánchez Arévalo

Fotografía: Juan Carlos Gómez

Año: 2009

Duración: 115 min.

País: España

Productora: Tesela P.C.

Reparto: Antonio de la Torre, Raúl Arévalo, Roberto Enríquez, Verónica Sánchez, Leticia Herrero, Pilar Castro, Teté Delgado, Fernando Albizu, María Morales, Marta Martín, Adam Jezierski, Oliver Morellón

La segunda película de uno de los directores de cabecera españoles del momento, Daniel Sánchez Arévalo, tras el gran éxito en crítica, público y academia de su opera prima AzulOscuroCasiNegro, es Gordos. Una comedia dramática (dramedia) coral, que en su momento, también recaló en público y academia, puesto que fue nominada a 8 premios Goya (de los cuales ganó el actor de reparto Raúl Arévalo).

Las vidas de cinco habitantes de Madrid se cruzan en una sala de terapia contra la obesidad. Lo que en principio parece una tarea de simple pérdida de peso, se convierte, por qué no decirlo, en algo gordo, un tapiz magnífico de las obsesiones, el amor, el sexo y las frustraciones de un grupo de personas diferentes entre sí con el denominador común de la gordura.

Gordos es una suerte de Magnolia (P.T. Anderson, 1999) a la española. Me explico. Está claro que D. S. Arévalo no es P.T. Anderson, está claro que la actuación de Antonio de la Torre (cuya transformación es espectacular, muy correcta pero demasiado histriónica, como su personaje) no es la de Tom Cruise, y también está claro que el melodrama californiano no compite con la dramedia española, pues el primero juega en otra liga. Pero Arévalo es nuestro, de la Torre es nuestro, y la dramedia es lo nuestro.

¿Una patatita?

Así pues, Gordos no deja de ser un compendio de buenas actuaciones entre las que destacan sobretodo Roberto Enríquez y Verónica Sánchez (también gracias a sus historias que son las más cercanas y, des de mi punto de vista las más 'fuertes'). que son sensibles, dramáticos cuando hay que serlo, y cómicos (sobre todo él). Buenas actuaciones enmarcadas en una película de cinco historias cruzadas donde el montaje obliga a mantenerse atento y no despistarse de la acción: enhebrar tanta vida y mantener el interés del espectador no es tarea fácil, y aquí se consigue de manera muy correcta, con pocos altibajos. Daniel Sánchez Arévalo teje des del centro de su red, cual araña, una red 'indesenredable'.

El telar en que se convierte la segunda película del director madrileño es en esencia una metáfora perfectamente hilada entre la gordura de los asistentes a la terapia de grupo y las vidas que estos intentan llevar fuera de allí. Perfectamente hilada, sí, pero también demasiado evidente: a la española. Directos a la cara y sin tapujos. El gordo-gay que para adelgazar come y come, y luego vomita y vomita (tanto física como metafóricamente); el gordo-familiar que no adelgaza y tiene un marrón en casa; la gorda-feliz que se centra en mantener bien su cuerpo y obvia la mala leche que se gasta su prometido; la gorda-ex-feliz que sólo se siente viva con su marido; y el gordo-no-gordo que conduce la terapia.

Gordos es, pues, una película dónde la gordura es sólo una vía que Arévalo usa para reflexionar sobre vida, sexo, relaciones, amor, debilidades, frustraciones, religión, miedos, y contradicciones de cualquier español, sin recurrir al excesivo drama, riéndose de la vida. Como cualquier español. Ponte unas bravas, y a disfrutar del filme.

Lo mejor: que la película transmita tanta verdad, tanto miedo, tantas esperanzas y falsas esperanzas. A falta de ver AzulOscuroCasiNegro, mi favorita del director.

Lo peor: al final algo repetitiva, y demasiado "evidente". Como ya he dicho: D.S.A. no es P.T.A.

@PaulPorcoRosso

P.S.: es gracioso (al menos para mí, que me tragué durante varios mediodías de mi adolescencia este bodrio de serie) ver a Adam Jezierski repitiendo el mismo papel que en Física o Química: el de quinceañero gilipollas.

NO ESTRENOS: 'Another Year', de Mike Leigh

Título: 'Another Year0

Director: Mike Leigh

Fotografía: Dick Pope

Guión: Mike Leigh

Año: 2010

Duración: 129 min.

País: Reino Unido

Productora: Film4 / Focus Features / Thin Man Films / UK Film Council

Reparto: Jim Broadbent, Lesley Manville, Ruth Sheen, Peter Wight, Oliver Maltman, Imelda Staunton, David Bradley, Karina Fernández, Martin Savage, Michele Austin, Philip Davis, Stuart McQuarrie

Aprovechando que este año se estrena 'Mr.Turner', basado en la vida del reconocido pintor, repasamos la anterior película de su director, Mike Leigh: 'Another Year'. El cineasta británico, también director teatral, es conocido por su peculiar método de trabajo con los actores, quiénes desarrollan sus personajes junto con el director/guionista para después permitirles improvisar en el rodaje. 

'Another Year' no cuenta una gran historia, es la narración de un año de una pareja de tercera edad y explica las relaciones que establecen con amigos y familiares, quiénes, contrastando con la aparente estabilidad y felicidad de la pareja protagonista, se encuentran en una situación de soledad deprimente.

A pesar de que por las críticas uno podía pensar que el film se trata de una comedia dramática, lo cierto es que 'Another Year' es un drama con algún toque de humor, una historia muy triste que refleja la angustia del paso del tiempo y la más áspera soledad. De hecho, ya desde la primera escena se nos marca el tono de la película con la visita al médico del personaje de Imelda Staunton, quién padece depresión.  Como decía, no es una película compleja en cuánto a relato, pero es una sencilla descripción de las más diversas emociones humanas. 

Al espectador poco paciente y acostumbrado a las narraciones con un gran número de sucesos que acaban distrayendo de la parte emocional y reflexiva de la historia quizás se les hará larga y de hecho lo es (tiene una duración de 2 horas), pero la película está amenizada con unas grandes interpretaciones de gran naturalidad de casi todo el reparto. Pese a que la crítica elevó en su día casi al terreno divino la actuación de Lesley Manville (que interpreta a Mary, la amiga de la pareja protagonista), lo cierto es que a mí, quizás por lo insoportable que me resulta su personaje, su interpretación supera el límite de la sobreactuación y rozando lo inaguantable. Tampoco me hagan mucho caso, que Lesley Manville fue nominada a los Premios BAFTA y los del Cine Europeo, pero bueno, es solo mi opinión. Yo personalmente prefiero la actuación de Jim Broadbent: sencilla, natural y dando sentido y gracia a la ironía que desprenden muchas de sus frases. 

El filme está dividido en cuatro partes, las cuatro estaciones que forman el año de Tom y Gerri, la pareja protagonista, y es importante destacar el cambio en la fotografía sobretodo de otoño al invierno, donde transmite aquí una sensación de frío y tristeza acorde con lo que se cuenta en esta estación. Es en esta última parte de la película, según mi opinión, donde se encuentran los mejores momentos de todo el film, también quizás los más cómicos, aunque tampoco hilarantes. Se trata del encuentro y conversación de Mary (la amiga) y Ronnie (el hermano de Tom), dos almas aparentemente opuestas pero unidas por la sensación de soledad y compungidos por los golpes que da la vida. Mientras ella habla sin parar, él prácticamente responde con monosílabos, con una indiferencia distante producto de la contenida interpretación de David Bradley. 

La conversación entre Mary y Ronnie es probablemente el momento más
cómico del film

'Another Year' es un retrato fiel de la vida de esta pareja de clase media, sin tramas complicadas pero muy emotivo y auténtico, con unas grandes interpretaciones que dan realismo al filme. De hecho, no sabes qué parte es improvisada y cuál estaba en el guión (si es que se le puede llamarse guión a la curiosa forma de trabajar de Mike Leigh), y en algunos diálogos, puedes llegar a creer que el director se ha limitado a documentar las conversaciones entre personas reales. En un tiempo de películas falsas, con tramas absurdas y personajes sin alma, es agradable encontrarse con una película que hable de la vida real, con emociones y personajes auténticos.

@PauGarcia179