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[[Crítica de @PaulPorcoRosso]]
Sion Sono comenzó su carrera como poeta, a los 17 años, publicando sus versos en la revista japonesa "The Modern Poem Book". Posteriormente se matriculó en la Universidad, que dejó a medias para ponerse a hacer películas en 8 mm. Así pues, a la temprana edad de 24 años debutó en el Festival de Cine PIA con un cortometraje de corte experimental en el que leía una selección de su poesía en pantalla. Esto le valió una beca que usó para hacer su primer largometraje 16 mm en 1990. Desde entonces, Sion Sono se ha convertido en un hito del cine independiente de su país, y un nombre en el mundo de la poesía local. Why Don't You...? es un guión que escribió hace 17 años, y supone un canto de amor al cine.

Dos jefes de la yakuza se odian a muerte, pero uno de los dos está enamorado de la hija del otro que con 10 años y después de hacer un anuncio de dentífrico, sueña con ser actriz cuando sea mayor. Mientras, en la misma ciudad, un grupo amateur de tres cineastas (el director y jefe, Hirata; la especialista en travellings, y el especialista en cámara en mano) llamado "Fuck Bombers" sueñan con ser los mejores realizadores de todo Japón. En principio planteada como una comedia romántica de enredos y mucha, mucha cinefilia, se convierte en una orgia explosiva de sangre, sudor y lágrimas.


A Sion Sono no le da miedo sobrepasar el límite, y una vez sobrepasado, tampoco le da miedo duplicar o triplicar ese límite. Y Why Don't You...? es la prueba empírica de ello. Debo reconocer que no le conocía antes de ver su última película en la edición del Festival de Sitges, pero desde entonces he podido visionar varios de sus filmes (Suicide Club y Cold Fish son las que más recomiendo desde aquí) y he visto que esta es una de las características principales de su cine. Esa, y la presencia de chicas asiáticas extremadamente 'sexys' que, generalmente, muestran carne. Pero, a pesar de estas dos características que si comparte con otras, Why Don't You...? es una película atípica en la filmografía de Sion Sono. Es, como ya he dicho unas líneas atrás, un canto de amor al cine, arte que brota de la cabeza de Sono como la sangre digital que inunda la pantalla a borbotones, un ejercicio de delicioso metacine en el que el realizador japonés tiene tiempo para todo.

Y cuando digo para todo, es para todo. Homenajea el cine de Akira Kurosawa, referencia de forma constante al maestro de las artes marciales en el cine Bruce Lee (hasta toma prestado su atuendo más reconocible) y en general a todo el cine de artes marciales, el lanzamiento de numerosos mensajes a favor de las proyecciones en 35 mm...  Y además hace reír, plantea una historia alocada pero más o menos coherente, y dota al metraje de un ritmo alto y además in crescendo que es difícil de encontrar hoy en día. En definitiva, Why Don't You Play in Hell? es una declaración de amor al mundo del cine. Un mundo en el que Sion Sono merecería y merece ser reconocido.

Por último, solo me queda por remarcar que parece increíble que un director de más de 50 años como es Sono sea mucho más actual y rompedor que muchos cineastas actuales llamados 'post-modernos'.

Lo mejor: la última media hora es una de las mejores combinaciones entre comedia negra, acción, y gore (orgia de sangre, katanas y metralletas) que se han visto en el cine en muchos y muchos años.
Lo peor: al principio a la película le cuesta algo arrancar, ya sea por la incapacidad del espectador occidental para diferenciar actores asiáticos entre ellos (cosa que se me soluciona a medida que uno conoce a sus personajes), o por la cantidad de historia que quiere contar Sono.
Título: Jigoku de naze warui? (Why Don't You Play in Hell?)
Dirección: Sion Sono
Guión: Sion Sono
Fotografía: Hideo Yamamoto
Año: 2013
Duración: 126 min.
País: Japón
Productora: T-Joy / King Records
Reparto: Jun Kunimura, Shinichi Tsutsumi, Fumi Nikaido, Tomochika, Hikori Hasegawa, Gen Hoshino, Tak Sakaguchi
10:30
Título: Stoker
Director: Park Chan-wook
Guión: Wentworth Miller
Fotografía: Chung-hoon Chung
Año: 2013
Duración: 98 min.
País: Estados Unidos
Productora: Fox Searchlight Pictures / Scott Free Productions
Reparto: Mia Wasikowska,  Matthew Goode, Nicole Kidman, Jacki Weaver, Dermont Mulroney, Lucas Till, Ralph Brown, Alden Ehrenreich, Phyllis Somerville, Wendy Keeling, Lauren E. Roman, Tyler von Tagen, Judith Godrèche


Park Chan-wook era un cineasta coreano poco conocido en la sociedad occidental hasta que realizó la obra de culto 'Oldboy', que de hecho ganó el Premio del Jurado en Cannes en una edición cuyo jurado estaba presidido por Quentin Tarantino. 'Stoker' es su primera película de producción estadounidense, y aunque presenta algunos fallos (sobre todo en lo relativo al guión), afortunadamente los dólares norteamericanos no consiguen ocultar la personalidad de Park Chan-wook. 

En el funeral del padre de India, muerto en un accidente de tráfico, aparece Charlie Stoker, su tío, cuya existencia desconocía. Después de la ceremonia, se queda a vivir con ella y con su inestable madre, Evelyn. Aunque al principio desconfía de él, pronto se da cuenta de que tienen mucho en común. 


Hace poco más de un año habría dicho que el guión es lo más importante en una película y que a los guionistas no se les valora lo suficiente en favor de la figura del director. Actualmente, y con una certeza aún mayor tras el visionado de la película de Chan-Wook, mi opinión ha cambiado radicalmente, y 'Stoker' viene a demostrar que no hace falta un gran guión para realizar una buena película. Esta película es, de hecho, la primera en la que el director coreano no participa en la elaboración del guión, y dicha función recae únicamente en las manos de Wentworth Miller. El guionista, actor en la serie 'Prison Break', entrega un libreto disparatado, inverosímil y con bastantes lagunas argumentales. Aunque es una clara exageración y no quiero insultar el trabajo de Miller, Park Chan-wook convierte la mierda en oro. Si este guión hubiese caído en otras manos, no ya de un mediocre director, sino de un correcto e impersonal artesano, la película no tendría más valor que las miles de películas estrenadas pero destinadas al más absoluto de los olvidos. Pero el guión llega al cineasta coreano, y dice, "voy a hacer una buena película a partir de un mediocre guión", y lo consigue. 

La historia, como ya habrán notado algunos espectadores, puede recordar un poco a la serie 'Dexter', una similitud resumida en la frase de "A veces es necesario hacer un mal menor para evitar otro mayor", en ese padre que intenta encauzar la violencia irreprimible de su hijo en víctimas menos importantes, los animales. A diferencia de la serie protagonizada por Michael C. Hall, sin embargo, en ‘Stoker’ no hay ningún atisbo de humor negro en lo que se confirma como un film seco, frío, despiadado y retorcido.



Hace un par de semanas reseñaba en el especial asiático de este mismo blog una película japonesa, 'Confessions', de la que la crítica profesional decía burradas como "una película oscuramente bella" o "un thriller estilizado y poderoso", cuando yo sólo veía un irritante anti-estilo formal combinado con un insultante guión. Pues bien, aunque en 'Stoker' el guión no llega al patetismo de 'Confessions', la falta de consistencia del libreto es compensada con creces por la maestría de su director, que a través de metáforas visuales, planos-secuencia exquisitos y un excelente uso del montaje, consigue hacer olvidar los agujeros del guión de Wentworth Miller. La tensión propia del thriller que suponemos podría intuirse en el libreto de Miller, Chan-wook lo traslada a imágenes de forma portentosa, con breves pero contundentes estallidos de violencia (con un genial montaje paralelo) y una atmósfera inquietante y fascinante a la que también contribuyen Chung Chung-hoon, el director de fotografía y Clint Mansell, compositor, colaborador habitual de Darren Aronofsky. 

No me olvido, por supuesto, de la gran actuación de Mia Wasikoska, que interpreta de forma soberbia a India, un personaje difícil de interpretar por su contención y frialdad. Además, también contamos con la presencia de Matthew Goode, que resulta convincente como un inquietante tio Charlie, y a Nicole Kidman, supuestamente la gran estrella del reparto que acaba por resultar la menos brillante de todas. 

'Stoker' no contentará a los que piden de una película un relato creíble y verosímil (algo comprensible y de hecho deseable), pero si estamos dispuestos a pasar por alto los fallos del guión, vamos a disfrutar de la belleza que Park Chan-wook imprime a cada uno de los fotogramas de la película con esa dirección y montaje que le confirman como uno de los cineastas más interesantes del panorama asiático.
19:48
Título: Hundraäingen som klev ut genom fönstret och försvann
Director: Felix Herngren
Guión: Felix Herngren, Hans Ingemansson (basado en la novela de Jonas Jonasson)
Fotografía: Göran Hallberg
Duración: 114 min.
Año: 2013
País: Suecia
Productora: Nice Drama / Buena Vista International (Sweden) / FLX Comedy AB
Reparto: Robert Gustafsson, Iwar Wiklander, David Wiberg, Mia Skäringer, Jens Hultén, Bianca Cruzeiro, Alan Ford, Sven Lönn, David Shackleton, Georg Nikoloff, Manuel Dubra, Simon Säppenen, Cory Peterson, Kerry Shale, Philip Rosch, Keith Chanter, Koldo Losada
Crítica de @PaulPorcoRosso

El abuelo que saltó por la ventana y se largó es un largometraje basado en una de esas novelas suecas de nombre interminable. Es uno de los mayores éxitos literarios de la literatura sueca, la primera novela de un autor desconocido que se convirtió en un fenómeno de ventas gracias al boca a boca, y el ganador del Libro del Año y el Premio de los Libreros de Suecia en el año 2010. La adaptación al cine corre a cargo del cineasta Felix Herngren, cuya trayectoria en el cine es corta y dispar: este es su segundo largometraje (con el que firma su primer guión), y el primero en catorce largos años.

Momentos antes de que empiece la pomposa celebración de su centésimo cumpleaños, Allan Karlsson (Robert Gustafsson) decide que esa vida no es para él y que a los cien años aún le queda mucho por vivir. Vestido con bata y pantuflas, se sube a una silla y sale por la ventana para fugarse de la residencia de ancianos en la que vive. Sin un plan prefijado, Allan se dirige a la estación de autobuses y allí compra un billete para el primer autobús que sale. Mientras espera su llegada, un joven con malos modales y vestido como un motero le pide que le vigile la maleta mientras va al baño, con tan mala suerte que el autobús llega antes de que el joven regrese y Allan sube al autobús con la maleta a rastras. Con el inicio de esta trepidante aventura de Allan Karlsson, repasaremos una a una todas las peripecias ocurridas en la vida del abuelo que saltó por la ventana y se largó...


Esta obra sueca es una comedia disparatada, audaz, y compleja. Felix Herngren urde una historia con dos líneas narrativas: la huída del abuelo que cada vez implica más gente en robos y asesinatos; y un hilo argumental que parte del nacimiento de Allan y continúa su periplo vital a través de países y mandatarios más importantes del siglo XX. En su vida temprana, Allan, armado con una cámara de fotos y sus ganas de hacer explotar cosas (como la concepción de la sociedad de que un abuelo centenario no puede cometer crímenes) documenta para él mismo los grandes acontecimientos a nivel mundial de primera mano.

Los personajes de El abuelo que saltó..., todos (incluso los más secundarios) deliciosamente escritos, son una porción de la sociedad a medio camino entre estúpidos y psicópatas, empezando por Allan, el abuelo pirómano que vio bailar a Franco, y acabando por los moteros/traficantes a los que les ha robado la maleta llena de dinero. Puede ser fácilmente relacionado con la mítica película de Zemeckis 'Forrest Gump', pero con menos drama y con un loco de geriátrico como protagonista.


El principal problema de la cinta es que no acierta escogiendo el punto justo entre lo macabro y lo paródico: busca que el público ría de la violencia, pero no se sitúa ni en un extremo ni en otro, sino en el medio. Esto se traduce en algunos momentos bastante perturbadores al pensar en sus consecuencias. Tampoco la música consigue estar en consonancia con el tono del filme, además de tener demasiada presencia en la mezcla de sonido, ensombreciendo a veces a los divertidísimos diálogos que contiene el metraje.

Aún con sus fallos, El abuelo que saltó por la ventana y se largó, es una historia divertida y disparatada cuyo máximo regalo es el protagonista: Allan Karlsson. Un hombre con (a veces mucho, a veces poco) sentido común en un mundo loco, un hombre con todo un siglo de experiencias vitales a sus espaldas. Allan Karlsson no le teme a la muerte, y no está dispuesto a renunciar al placer de estar vivo.

Lo mejor: la actuación de Robert Gustafsson, la sucesión de situaciones cómicas que envuelven a Allan.
Lo peor: una fotografía muy genérica, el tono violento mal escogido, la mala mezcla de sonido.

Crítica original en Pandora Magazine
10:30
Título: Enemy
Director: Denis Villeneuve
Guión: Javier Gullón (basado en la novela de José Saramago, 'El hombre duplicado')
Fotografía: Nicolas Buldoc
Año: 2013
Duración: 90 min.
País: Canadá
Productora: Coproducción Canadá-España; Rhombus Media / Roxbury Pictures / Mecanismo Films
Reparto: Jake Gyllenhaal, Mélanie Laurent, Sarah Gadon, Isabella Rossellini, Jane Moffat, Tim Post, Laurie Murdoch, Darryl Dinn

La carrera de Denis Villeneuve ha dado un vuelco desde que en 2009 dirigiera la recreación de los crímenes de la Politécnica de Toronto con Polytechnique. Desde entonces, sus películas han sido un éxito entre crítica y público: Incendies, aclamado thriller dramático adaptado de una obra teatral de Wajdi Mouawad, y Prisoners, uno de los grandes thrillers de los últimos 5 años. La película que aquí nos ocupa, Enemy, no va encarado a ser un gran éxito en taquilla, sino a ser su propia 2001, en el sentido de la controversia, dificultad y disparidad de opiniones que puede causar. Cabe destacar (en esta producción ibérico-canadiense) el libreto escrito por el guionista español Javier Gullón.

Adam Bell (Jake Gyllenhaal) es un profesor de historia en una Universidad de Tornto (¿la politécnica?) con una vida monótona que roza el tedio más absoluto. Todas las clases que imparte parecen iguales, todos los alumnos miran con los mismos rostros de incredulidad ante las enseñanzas (muchas veces repetidas) del profesor. Por recomendación de un profesor compañero suyo en la Universidad, va a descubrir a un actor idéntico a él, que intentará encontrar desesperadamente... Enemy se basa en la novela de José Saramago 'El hombre duplicado'.

"I don't know."

Un tercio de película Villeneuve se lo debe a Jake Gyllenhaal: solo un actor potente podía solventar el papelón que se le propone en este filme. Él se mantiene solvente, interpretando a los dos personajes protagonistas de una manera diferente, con lo cual si se está atento es imposible perderse (como mínimo en la identificación de personajes). Otro tercio, a la banda sonora que causa desasosiego e incomodidad a deliciosas partes iguales. Y el último tercio, a su magnífica dirección de cámara. El encuadre de Villeneuve tiene magia. La magia del thriller más puro, la magia del caos reordenado. Si en Prisoners el canadiense se acercaba a la atmósfera enfermiza de Fincher y Eastwood, en Enemy plasma una suerte de Lynch kafkesque. Entre lo onírico, lo caótico y lo indescifrable, Villeneuve teje una red indesenredable y a la vez intrigante.

Al contrario que mi compañero @PauGarcia179, yo sí me voy a aventurar un poco a desenmarañar esta telaraña de duro tejido. Enemy es, para mí, la reflexión sobre la identidad e individualidad del ser humano (más concretamente del sexo masculino), hecha película. La búsqueda de Adam de su doble no es más que una búsqueda en su interior, una suerte de interiorización exteriorizada. Cree que conociendo a Anthony podrá llegar a conocerse a sí mismo, que él le va poder a definir como persona individual y única. No deja de resultar curioso, que se usen las arañas en varios momentos del filme, un animal cargado de simbolismo.

"¿Estaré loco, Jake, o somos la misma persona?"

En culturas que creen en la reencarnación es el ciclo continuo de transformación, la transmutación del ser humano durante el camino de la vida. En sus apariciones oníricas, representa engaño astuto, un mal que acecha cual cazador acecha su presa: una muerte lenta, poco a poco, carcomido por el veneno. También es un símbolo de sensualidad y sexo, sexo que en Adam es entendido como brutal, como casi una violación. El único hobby que le saca del tedio infernal de su rutina aburrida y dictatorial. La araña es una animal que crea, pero que a la vez destruye. Son las dos caras de una misma moneda. Son Adam y Anthony.

Me gusta el cine que pregunta mucho pero responde poco. A un plato fácil de digerir (Guillaume) le ha seguido un filme durísimo de roer. Y estoy contento de haber elegido Enemy. Durísima de ver, durísima de recomendar. Pero para el paladar exacto, un manjar más que exquisito.

Lo mejor: brillante presentación del personaje de Adam, brillante introducción de la película, brillante final, brillante actuación de Jake Gyllenhaal. No haber entendido del todo el filme y tener que volver a verlo.
Lo peor: sólo tengo palabras bonitas para esta rara obra del canadiense de moda.

@PaulPorcoRosso
10:30
Título: Les Garçons et Guillaume, à table!
Director: Guillaume Gallienne
Guión: Guillaume Gallienne (basado en su obra de teatro)
Fotografía: Glyn Speeckaert
Año: 2013
Duración: 85 min.
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Gaumont / LGM Films / Rectangle Productions / Banque Postale Image 4 / Canal+ / Ciné
Reparto: Guillaume Gallienne, Françoise Fabian, Yves Jaques, André Marcon, Diane Kruger, Nanou Garcia, Yvon Back, Pierre Derenne, Catherine Salviat, Reda Kateb

La obra de teatro en que se basa el filme de Guillaume Gallienne se estrenó en 2008 en el Théâtre de l'Ouest Parisien. El texto, autobiográfico, escrito e interpretado por el mismo Guillaume, ganó el premio Molières de teatro (una suerte de Premios Tony a la francesa) el año 2010, y este año pasado, que decidió llevarla a gran pantalla, fue la gran triunfadora en los premios de cine francés, arrebatándole a La vie d'Adèle, al Polanski de La Venus a la forrure, y a la aclamada L'inconnu du lac la estatuilla a la mejor película francesa de 2013.

A caballo entre el drama y la comedia, el filme de Gallienne relata las peripecias desde su edad más temprana (entiendo que empieza el filme que Guillaume no tiene ni 20 años) hasta la edad adulta. Durante el crecimiento del personaje y su desarrollo intelectual, el filme intenta comprender (tirando de tópico en algunas ocasiones) la identidad sexual de Guillaume, compleja y con la confusión propia de un adolescente. Pero, como todo en esta película, se trata des del amor y el respeto: el amor y el respeto de aquel que lo ha vivido en sus propias carnes, la ternura del hombre que mira para atrás y ve al chaval que una vez fue, aquel que puede ver en el pasado trágico la comedia simpática.

¡Y olé!

Guillaume, pero, habla de la necesidad de labrarse un camino propio, y la dificultad de dicha empresa, más difícil aún cuando la sociedad y la familia te llenan de etiquetas, como si fueran capaces de comprender lo que eres, piensas o sientes solo con mirarte, o a veces, sin haberte mirado. El cómico, nacido en el seno de una familia burguesa del corazón de Francia, interpreta durante toda la película el papel principal (insisto, autobiográfico) y el de su madre, y cumple ambos papeles a la perfección.

Les Garçons es, además, un filme eminentemente multicultural, pues la vida lleva a Guillaume a pasar un verano entero en España (en una ciudad limítrofe con Gibraltar), a un internado en Inglaterra, y a un balneario en Baviera: en todas las localizaciones, la comedia se fabrica a costa de la diferencia cultural, los juegos con el lenguaje, y, en última instancia, de humor físico. En ninguno de los casos, pero, se enfocan estas diferencias desde el desprecio o la crítica, sino des del amor y el cariño de aquel que ha vivido esa diversidad y ha saboreado el dulce néctar de la variedad en toda sociedad humana.

Fräulein, tráteme con cuidado...

Entre sonoras carcajadas, chascarrillos afrancesados y viajes de autoconocimiento, pero, se esconde un mensaje de amor a las mujeres, y más concretamente a las madres: las únicas mujeres a las que se ama inherentemente y durante toda la vida. Por desgracia, al final, Monsieur Gallienne se sobreexplica y se lo da todo masticado al espectador, tratándolo un poco como un necio sin capacidad de reflexión.

Lo mejor: la actuación de Gallienne, su capacidad cómica, un guión magnífico.
Lo peor: la sobreexplicación final del filme trata un poco como  tonto al espectador.

@PaulPorcoRosso
14:15
Título: The Returned (Retornados)
Director: Manuel Carballo
Guión: Hatem Khraiche
Fotografía: Javier Salmones
Año: 2013
Duración: 98 min.
País: España
Productora: Coproducción España-Canadá; Castelao Pictures / Ramaco Media
Reparto: Emily Hampshire, Kris Holden-Ried, Shawn Doyle, Claudia Bassols, Emily Alatalo, Paulino Nunes, Melina Matthews, Jamie Lyle, Stephen Chambers

Basta ya. Maldigo el momento en el que, por H o por B, Danny Boyle decidió rodar 28 days later, y, un poco más tarde Zach Snyder hizo lo propio con el remake de Dawn of the dead. Desde entonces, el número de películas de temática zombi se ha incrementado insólitamente, explotando hasta la saciedad el subgénero cuyo máximo exponente es George A. Romero, neoyorkino autor de los grandes clásicos zombi.

No digo que no hayan salido buenas producciones (me encantaron The Battery, 28 weeks later, la antes nombrada Dawn of the dead), pero resulta que debido al éxito de estos, y juntado al hecho de que son películas que pueden rodarse con un presupuesto muy bajo, ya no sólo la cantidad de largometrajes abruma, sino que los caminantes se han apoderado de literatura (conocida por todos es la obra de Max Brooks), de la televisión (In the flesh, The Walking Dead, Dead Set...) e incluso de los cortometrajes: es la opción fácil para cualquier cineasta. Yo creo que ya ha llegado el momento de parar, ¿no?

Los zombis y su creador (George A. Romero).

La producción de The Returned (española) corre a cargo de la factoría filmax, concretamente del director Manuel Carballo, autor de las (muy) flojas El último justo y La posessión de Emma Evans, que cuenta con la participación de Emily Hampshire, actriz canadiense de mediocre trayectoria que apareció en Cosmopolis y en My Awkward Sexual Adventure.

El argumento, que parece tomado de la serie In the flesh (no parece, es), cuenta la historia de una sociedad post-apocalíptica, en la cual la humanidad convive con los llamados 'retornados', gente de apariencia normal que fue infectada por el virus zombi, y sólo una inyección diaria de una proteína derivada del virus evita que se transformen. Kate (Emily Hampshire) es una trabajadora en la unidad de investigación intentando encontrar una vacuna definitiva (o una manera de fabricar la proteína sintéticamente) para erradicar la epidemia, movida, además, por una razón sentimental: su novio Álex (Kris Holden-Ried) es un 'retornado'. Cuando el Gobierno anuncia la escasez de proteína y la paralización de investigaciones, internan a los 'retornados' en un centro militar de alta seguridad. Pero Kate y Álex no quieren separarse.

La proteína en discordia.

Al César lo que es del César: la película no es excesivamente mala. Sabe prescindir de los zombis, y aún así crear tensión al estilo thriller, y los actores y actrices (la mayoría desconocidos para mí) cumplen con su papel dramático con soltura. Además, la fotografía está cuidada, como todos los apartados técnicos: la única virtud que comparten todos los filmes de Carballo. Pero tiene en su contra muchos puntos: el guión tomado de una mezcla entre Les Revenants y In the flesh, giros de guión sin mucho efecto por el tratamiento calmado que se les da, esos flashbacks del principio, unos personajes no muy definidos, y el abuso de una banda sonora muy marcada.

En definitiva, The Returned no cambia el subgénero zombi, ni aporta nada al thriller o al drama. Tampoco molesta a la vista, pero es más de lo mismo.

Lo mejor: tanto actuaciones como el cuidado aspecto técnico.
Lo peor: la poca originalidad del guión, los flashbacks de vergüenza ajena del inicio del filme, el final alargado.


@PaulPorcoRosso
10:30
Título: After the Dark (The Philosophers)
Director: John Huddles
Guión: John Huddles
Fotografía: John Radel
Año: 2013
Duración: 100 min.
País: Estados Unidos
Productora: An Olive Branch Productions
Reparto: James D'Arcy, Sophie Lowem, Daryl Sabara, George Blagden, Katie Findlay, Bonnie Wright, Freddie Stroma, Jacob Artist, Rhys Wakefield, Philippa Coulthard, Natasha Gott, Cinta Laura Kiehl, Taser Hassan, Chanelle Bianca Ho, Darius Homayoun, Maia Mitchell, Erin Moriarty, Toby Sebastian.

After the Dark (también llamada The Philosophers) es la segunda película del director John Huddles. La premiere fue estrenada en el festival de cine fantástico de la ciudad suiza de Neuchâtel, y entró en la selección oficial del festival de cine fantástico de Sitges. El filme trata de unos alumnos de diferentes países que se encuentran en Yakarta para un curso de filosofía. El último día, el profesor Zimit les propone un ejercicio de despedida: el Apocalipsis es inminente y deben decidir qué diez alumnos entran en un búnker para repoblar la especie humana, y qué diez alumnos se quedan fuera.

Pese a un inicio más que bueno que plantea cuestiones filosóficas a un espectador que (si está deseoso de interactuar) puede llegar a disfrutar, y una fotografía preciosista con el trato de la luz, el filme se deshincha de inmediato. Primero, por unas actuaciones lamentables de todos y cada uno de los miembros del reparto de unos personajes que son más lamentables aún, y segundo y mucho más importante, por un salto a la comba entre realidad y ficción desconcertante y enervante, que culmina con la confusión entre ambos mundos por los alumnos.


El variopinto grupo de estudiantes tiene entre sus filas a tres categorías de gente diferente: los abofeteables, los muy abofeteables, y los extremadamente abofeteables. En la primera categoría encontramos a todos esos alumnos interpretados por actores que o no hablan, o limitan sus intervenciones a menos líneas de diálogo que Ryan Gosling en cualquier película de Winding Refn (ojo con el poeta, o el heladero). En la segunda categoría está (claro, entre otros) la alumna interpretada por Bonnie Wright. Si te preguntas qué le ocurrió a Ginny Weasley cuando acabó su curso en Hogwarts, The Philosophers es tu respuesta: se fue a Yakarta a por un curso de filosofía.

Y en la tercera y última (pero no por eso menos importante) categoría encontramos a la cabecilla de la clase, interpretada por una chica llamada Sophie Lowe que deja en evidencia el hecho de que una cara bonita no es suficiente para ser actriz: sólo se pasea por allí como si fuera un ángel caído en la tierra, hablando con un hilo de voz, y una 'O' dibujada en los labios de forma constante.


Seguramente, querido lector ya habrás notado mi profunda animadversión a los personajes (y por ende a los actores) que protagonizan la cinta. Pero no termina aquí: sería capaz de soportar unos personajes burdamente dibujados si como mínimo la historia valiera la pena, pero es que esta, aparte de absurda, es totalmente insulsa, sin vida, ni interés.

El director es como el profesor (interpretado por James D'Arcy, un actor de telemovies, para que sepáis a qué os enfrentáis) en la cinta: tramposo. O a lo mejor es sólo malo. Me inclino más por la segunda: la trama romántica es insulsa, y el "giro" final (si así se le puede llamar) es más confuso que otra cosa. Lo que en principio era una puesta a prueba de nuestros principios morales se transforma en una amorfa y absurda realidad en la que sólo adolescentes snobs abofeteables (a tres distintos niveles) deciden intentar revertirlos sin éxito, sólo consiguiendo lo mismo que le recriminan al profesor: separar y marcar las diferencias entre las personas.

Lo mejor: todos son guapísimos y guapísimas, la fotografía es disfrutable y la banda sonora no molesta.
Lo peor: guión, dirección, actuaciones.

@PaulPorcoRosso
10:30
Thor abraza a Loki: él le ha salvado el filme.
Título: Thor: The Dark World (Thor 2)
Director: Alan Taylor
Guión: Christopher Yost, Christopher Markus, Stephen McFeely, Robert Rodat, Don Payne (basado en el cómic de Jack Kirby, Stan Lee y Larry Lieber)
Fotografía: Kramer Morgenthau
Año: 2013
Duración: 112 min.
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Entertainment / Marvel Studios
Reparto: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins, Christopher Eccleston, Kat Dennings, Jaimie Alexander, Idris Elba, Rene Russo, Stellan Skarsgard, Jonathan Howard, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Ray Stevenson, Zachary Levim, Chris O'Dowd, Tadanobu Asano, Alice Krige, Tony Curran

Alan Taylor, el recién incorporado director a la nueva trilogía de Terminator es conocido por su contribución al mundo televisivo. Él es el director de algunos capítulos de las mejores series de los últimos años: Game of Thrones, The Sopranos, Broadwalk Empire, Mad Men o The West Wing. Thor 2 supone su cuarta incursión en el mundo de la pantalla grande, y cuenta con los actores de la primera parte (dirigida por Kenneth Branagh), añadiendo sólo a interpretes (que son irreconocibles por el CGI que se usa al construir sus personajes) de la talla de Christopher Eccleston.

Thor (Chris Hemsworth) lucha por restablecer el orden en el cosmos entero. Los nueve reinos vuelven a alinearse, por primera vez en muchos años, y una antigua raza liderada por el vengativo Malekith regresa de su exilio para volver a sumir al universo en la oscuridad más absoluta. Ni Odín ni Asgard pueden plantarle cara, así que deberá embarcarse en un viaje peligroso a la vez que personal, en el que se reunirá de nuevo con Jane Foster (Natalie Portman), y lo sacrificará todo para salvar el mundo tal y como le conocemos.

Hiddleston se ríe: es el mejor de una película en la que el Dios nórdico
se jugaba la categoría. Resultado: sigue en segunda división.

Menos cuando aparece Tom Hiddleston, perfectamente mimetizado con el personaje que ya lleva tres películas interpretando, para salvar la situación, el filme de Alan Taylor se nubla entre CGI, espectaculares batallas (que seguro se disfrutan más en 3D), y la tediosa vida en Asgard o cualquiera de los 8 reinos del Yggdrasil. Además, está el personaje de Stellan Skarsgard: un genio matemático-físico convertido en un bufón de granja al servicio de los guionistas. ¡Ah!, y que no se me olviden unos Hemsworth y Portman (aún no entiendo cómo la magnífica actriz israelí se metió en este berenjenal superheróico) que intentan, fallidamente, imprimir algo de drama en una película que parece escrita para ser un capítulo de la sitcom 'The Fresh Prince of Asgard'.

Siguiendo la fórmula típica de la factoría Disvel (o Marney, según guste), no aporta ninguna originalidad, sino más bien se torna algo plano y lineal. Un poco más disfrutable que el Thor de Branagh, sí. Pero no era difícil.

Lo mejor: Tom Hiddleston y su Loki. Algo desaprovechado en The Avengers y casi obviado en Thor, aquí nos trae la comedia, el drama, y la sorpresa. Y la segunda escena tras los créditos.
Lo peor: intenta copiar el estilo de Whedon en vez de fabricar el suyo propio, y el clímax de la película (esa batalla final) es tan espectacular como "paródico". Eso, y un villano de andar por casa.


@PaulPorcoRosso
10:30
Falta menos y nada para que el Kodak Theatre se vista de gala y reciba la flor y la nata del famoseo local e internacional relacionado con el mundo del cine y las artes en general. Hace ya más de un año que llegaron a la cita unos confiados y seguros Daniel Day-Lewis y Anne Hathaway que acabaron llevándose sus estatuitas doradas de 4kg. Este año también hay apuestas seguras (Cate Blanchett, Matthew McConaughey), pero la noche de los Oscar también es histórica por sus sorpresas, y porqué no decirlo, también por sus injusticias. Sin embargo, este año se respira más calidad en las nominadas a mejor película que el año pasado, de las que sólo se salvaban Zero Dark Thirty, Silver Linings Playbook, y Amour, y se olvidaron grandes películas como The Master, Looper, o Mud. Este año los académicos parecen haber entrado en razón y haber confeccionado una lista de nominadas más acorde con los sentimientos del público (pese a la no inclusión de Joaquin Phoenix). ¡A ver si las ganadoras no defraudan! En Siempre en VO tenemos nuestras apuestas para la noche, y también nuestras opiniones si la Academia nos dejara votar:



Mejor película

1. American Hustle
2. Captain Phillips
3. Dallas Buyers Club
4. The Wolf Of Wall Street
5. 12 Years A Slave
6. Philomena
7. Nebraska
8. Gravity
9. Her

Según @PaulPorcoRosso ganará: 12 years a slave, entre la elección de Sidney Poitier para presentar el premio, y su victoria en los Globos de Oro se postula como la triunfadora en la categoría reina. Además, que ya es hora de que se vea recompensado el trabajo de McQueen en los grandes premios.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: Her, para mí, la mejor película del año de entre las nominadas al Oscar.
Según @PauGarcia179 ganará: 12 years a slave, una película hecha por un gran director que parece confeccionada para ganar el Óscar, y parece que lo conseguirá. 
Según @PauGarcia179 debería ganar: Her, no me gustó tanto como a @PaulPorcoRosso, y aunque películas como Nebraska y Dallas Buyers Club también me gustaron mucho, creo que la película de Spike Jonze debería ganar el Premio. 


Mejor actuación principal masculina
1. Christian Bale - American Hustle
2. Bruce Dern - Nebraska
3. Leonardo DiCaprio - The Wolf of Wall Street

4. Chiwetel Ejiofor - 12 Years A Slave
5. Matthew McConaughey - Dallas Buyers Club


Según @PaulPorcoRosso ganará: Matthew McConaughey, a no ser que salte la sorpresa es el más encarado hacia la victoria. Su trabajo este año (en el que ha completado tres actuaciones magníficas) merece ser recompensado más que con una nominación.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: para mí, menos Christian Bale cualquier ganador sería absolutamente merecido. Aunque por simpatía, se lo daría a McConaughey.
Según @PauGarcia179 ganará: Matthew McConaughey, su interpretación en Dallas Buyers Club es espectacular. 
Según @PauGarcia debería ganar: Matthew McConaughey, aunque los otros actores (excepto Christian Bale, que tampoco he visto American Hustle), para mí, también lo merecen. 


Mejor actuación principal femenina

1. Cate Blanchett - Blue Jasmine
2. Amy Adams - American Hustle
3. Sandra Bullock - Gravity
4. Judi Dench - Philomena
5. Meryl Streep - August: Osage County

Según @PaulPorcoRosso ganará: Cate Blanchett, es, como Anne Hathaway el año pasado, el Óscar más claro de todos los referidos a la actuación. Compite con actuaciones de gran nivel, sí, pero es que su actuación en Blue Jasmine es lo que levanta (para un servidor) una película justa.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: Cate Blanchett, o en su defecto, Amy Adams o Judi Dench.
Según @PauGarcia179 ganará: Cate Blanchett, aunque para mi Blue Jasmine no es tan justa como piensa @PaulPorcoRosso.
Según @PaulGarcia179 debería ganar: Cate Blanchett, sin discusión.


Mejor actuación secundaria masculina
1. Barkhad Abdi - Captain Phillips
2. Bradley Cooper - American Hustle
3. Jonah Hill - The Wolf of Wall Street
4. Michael Fassbender - 12 Years A Slave
5. Jared Leto - Dallas Buyers Club

Según @PaulPorcoRosso ganará: Jared Leto. Me inclino por él (pese a haber muchísima competencia) por su victoria en los Globos de Oro.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: como en el premio de actor principal, cualquier triunfo menos el de Bradley Cooper sería absolutamente merecido. Reí muchísimo con Jonah Hill, aluciné con Leto y Abdi. Pero me quedo con Fassbender.
Según @PauGarcia179 ganará: Jared Leto, aunque compite con actores que ofrecen una gran interpretación, debe llevarse la estatuilla.
Según @PauGarcia179 deberia ganar: Jared Leto.


Mejor actuación secundaria femenina
1. Jennifer Lawrence - American Hustle
2. Sally Hawkins - Blue Jasmine
3. Lupita N'Yongo - 12 Years A Slave
4. Julia Roberts - August: Osage County
5. June Squibb - Nebraska

Según @PaulPorcoRosso ganará: aquí la cosa está entre N’Yongo y Lawrence. Y puesto que Lawrence ganó un Óscar el año pasado, y veo como muy posible ganadora 12 years a slave en la categoría de Mejor Película, me decanto más por la victoria aquí de Lupita N’Yongo.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: aunque me gusta muchísimo la actuación de Jennifer Lawrence (y soy un fan manifiesto de todo lo que hace y dice), sufrí mucho con N’Yongo (tampoco consideraría injusta su victoria), para mí el premio debería llevárselo June Squibb por su papel en Nebraska. ¿Volverá a quitarle Lawrence el Oscar a una prejubilada?
Según @PauGarcia179 ganará: no he visto la interpretación de Jennifer Lawrence, así que mi apuesta es claramente por June Squibb.
Según @PauGarcia179 deberia ganar: June Squibb, su actuación en Nebraska me pareció genial.


Mejor director

1. Alfonso Cuarón - Gravity
2. David O. Russell - American Hustle
3. Alexander Payne - Nebraska
4. Steve McQueen - 12 Years A Slave
5. Martin Scorsese - The Wolf of Wall Street

Según @PaulPorcoRosso ganará: Alfonso Cuarón. Su dirección nos mete dentro de la película y la convierte en una experiencia que trasciende más allá de la sala de cine.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: Alfonso Cuarón. Otra vez la competencia es fuerte, pero el plano-secuencia que da inicio a Gravity ya vale el Óscar entero.
Según @PauGarcia179 ganará: Alfonso Cuarón, lo que hace en Gravity me parece simplemente espectacular.
Según @PauGarcia179 deberá ganar: Aunque me encante Scorsese, creo que Cuarón merece la estatuilla.



Mejor Guión Original
1.American Hustle - Eric Warren Singer, David O. Russell
2. Blue Jasmine - Woody Allen
3. Dallas Buyers Club - Craig Borten, Melisa Wallack
4. Her - Spike Jonze
5. Nebraska - Bob Nelson

Según @PaulPorcoRosso ganará: Spike Jonze por el libreto de Her. Con su victoria en los Globos de Oro es una de las apuestas más seguras. Pero todas tienen posibilidades, sobretodo (mal me pese) American Hustle.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: Spike Jonze por el libreto de Her. Combinación de sensiblidad, ciencia ficción y romance en un perfecto equilibrio “made in Spike Jonze”.
Según @PauGarcia179 ganará: sin poder valorar American Hustle, creo que el ganador será para Spike Jonze y su libreto de Her.
Según @PauGarcia179 deberia ganar: Her



Mejor Guión Adaptado

1. Before Midnight - Richard Linklater, Julie Deply, Ethan Hawke
2. Captain Phillips - Billy Ray
3. Philomena - Steve Coogan, Jeff Pope
4. 12 Years A Slave - John Ridley
5. The Wolf of Wall Street - Terence Winter

Según @PaulPorcoRosso ganará: John Ridley por el libreto de 12 years a slave.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: Linklater, Deply y Hawke por el libreto de Before Midnight. Me gustaría que fuera recompensada con el único Oscar al que ha sido nominada este año la que es la mejor trilogía romántica de la historia del cine.
Sin haber visto 2 de las 5 nominadas, @PauGarcia179 se abstiene de apostar.



Mejor Fotografia
1. The Grandmaster - Philippe Le Sourd
2. Gravity - Emmanuel Lubezki
3. Inside Llewyn Davis - Bruno Delbonnel
4. Nebraska - Phedon Papamichael
5. Prisoners - Roger A. Deakins

Según @PaulPorcoRosso ganará: Emmanuel Lubezki por Gravity: el triunfo de Gravity en los premios técnicos va a ser apabullante.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: el nivel es altísimo, aunque personalmente disfruté muchísimo la fotografía de Roger A. Deakins en Prisoners.
Según @PauGarcia179 ganará: probablemente gane la fotografía de Emmanuel Lubezki pero aún reconociendo su mérito, no es mi preferida.
Según @PaulGarcia179 ganará: a mi me encantó la peculiar fotografía de Bruno Delbonnel en Inside Llewyn Davis, a pesar de que el trabajo de Roger A. Deakins (habitual de los Coen, por cierto) en Prisoners es, como siempre, muy bueno.



Mejor Canción
1. Happy - Pharrell Williams (Despicable Me 2)

Según @PaulPorcoRosso ganará: Let it Go (canción de Frozen). La campaña pro-canción Disney ha sido espectacular. Personalmente, no soporto la canción.
Según @PaulPorcoRosso debería ganar: Happy (canción de Despicable Me 2) o The Moon Song (canción de Her). La primera por el buen rollo que transmite, y la segunda por lo bonita que es.
Según @PauGarcia179 ganará: sinceramente, no tengo la menor idea.
Según @PauGarcia179 debería ganar: The Moon Song, la única nominada que me gusta.
12:00
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