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[[Crítica de @PaulPorcoRosso]]
El héroe luminoso ha muerto. Sólo hay un caballero oscuro (protector vigilante), siniestro habitante de la noche: en este segundo acto del épico reboot de la saga de películas de Batman, el hombre murciélago se enfrenta a su némesis por antonomasia: el Joker, villano/terrorista/psicópata ególatra con la voluntad de imponer su propio orden -o, mejor dicho, su propio caos- en la tranquila vida de los gothamitas. Una creación terrorífica e inquietante, maquillaje blanco y carmín corrido mediante, que se encumbra y se vuelve aún más terrorífica y aún más inquietante con la muerte del actor Heath Ledger. Entre atracos perfectos -el de la secuencia inicial es uno de los mejores, sino el mejor, de la historia del cine-, explosiones, épicas bandas sonoras de Hans Zimmer (que, aquí sí, crea su opera magna), y increíblemente orquestadas escenas de lucha, persecución y/o simples diálogos que solo se pueden calificar de magníficos, el héroe no vencido, pero superado por la astuta mente criminal del villano (o su anarquía y falta de planificación, como el propio Joker señala en una de las escenas de la película), debe renacer de sus cenizas y levantarse como único baluarte en pie de la justicia de la jurisdicción cuya protección se otorga.

La película, en un baile de géneros entre el cine político, el thriller psicológico y la acción pura, se aleja del barroquismo de Burton y Schumacher y retrata una estética urbana y realista: Gotham es más Nueva York que nunca. Una proyección que refleja con la sesuda mirada de Nolan la corrupción de altas esferas, el miedo que se ha apoderado de nuestra sociedad y la degeneración democrática de nuestro tiempo. La gran virtud de 'The Dark Knight' es la de ser a la vez un entretenimiento puro orgásmicamente satisfactorio y una película donde las dobles lecturas y los mensajes morales se sitúan en puntos clave de la narración por (curiosamente) el mismo guionista que el año pasado perpetró el libreto de 'Man of Steel'.


Poco importa que la sensación de clímax constante que imprime el pirotécnico Christopher Nolan (con una dirección y una fotografía que elevan la película más allá del espectáculo fílmico y visual) a cada épico y epopéyico minuto de la película impida a los protagonistas de esta gran tragedia griega del siglo XXI velar la muerte de otros personajes (en otra demostración del Nolan más frío y calculador), como tampoco importa que sitúe la venda de la acción adrenalínica y asfixiante ante los espectadores que no pueden reflexionar sobre los grandes dilemas morales que se plantean en 'The Dark Knight', por otro lado resueltos con un bello e imperecedero mensaje: la humanidad del ser humano despierta en las situaciones más límites, y siempre hay redención para el héroe si este está dispuesto a aceptar el castigo de un ente superior entendido como destino y recluirse al éxodo absoluto.

'The Dark Knight' es, con todos sus fallos y todas sus imperfecciones, una obra oscura pero brillante (sin alcanzar la posición de maestra), y de las más grandes películas de superhéroes de la historia del cine.
Crítica de @PaulPorcoRosso
Puede ser que Seven sea el descendiente directo al cine de aquella obra maestra que confeccionó Lynch para el formato doméstico sobre el asesinato de Laura Palmer. No digo que sea porque Fincher se fijó en Twin Peaks para elaborar la que, para mí, es su gran obra maestra, sino porque la atmósfera constante que consiguen crear tanto él como el director de fotografía iraní Darius Khondji (cuyo trabajo hemos visto este año en The Immigrant) es claramente heredado del sentimiento que hizo grande aquella serie de principios de los noventa: el enemigo está en el ambiente. El mal en estado puro está presente no sólo en cada esquina, sino que rodea a los personajes en forma de estado de ánimo, climatología y suciedad. Seven es EL thriller, y también hereda, como todo thriller que se precie un mínimo, de aquella rareza de los ochenta llamada El elemento del crimen que puso en el panorama cinéfilo mundial a un joven e irreverente danés de 28 años, Lars von Trier. Las referencias con las que estoy jugando no son, parafraseando al conde Drácula, cosa de risa, y si así lo dejo escrito es porque así lo creo.

El asesino de la cinta, el llamado Dole (Spacey), resulta tan particular que la película (y con ella la audiencia) se rinde a sus pies y a su pesimista visión sobre el ser humano con apenas 20 minutos en pantalla. Sí, la actuación del que cuatro años más tarde sería el ganador del Oscar por su participación en la superlativa American Beauty es de aúpa, pero lo que hace que Dole se meta en el bolsillo a todo el mundo es el concepto de sus asesinatos. Cada muerte, cada caso, cada aberrante construcción de espacios grotescos y sádicos encierra a la bestia en la que se ha convertido un ser humano como resultado de su vida en una civilización en decadencia, materializada en las calles sucias y abarrotadas de una ciudad eternamente lluviosa sin nombre. Sommerset (Freeman) es el viejo maestro, y Mills (Pitt) es el alumno que, después de una intensa investigación que cambiará su vida para siempre, se convertirá en el propio asesino.


La contribución de Ficher al filme es más que una excelente dirección de actores, que consigue sacar lo mejor de cada uno de ellos (con mención especial a Morgan Freeman, cuyo Sommerset es la fotografía que sale al lado de la definición de 'detective cansado' en cualquier diccionario), es la pausa y meticulosidad que le otorga a la cinta en aras de la creación de ambiente. La cámara de Fincher son, mayormente, lo mismo que los ojos analizadores y expertos de Sommerset: cada rocambolesco y barroco espacio al que asistimos es observado con planos reflexivos, casi contemplativos, a veces con la deliciosa partitura de Shore acompañando, a veces con las melodías de Bach, y en general con la música de la realidad. Gritos, sollozos, verdades como puños de Freeman a Pitt y luego de Freeman  a Paltrow.

En definitiva, Seven es toda una obra magna del thriller, con la que muchos autores posteriores han querido reflejarse pero no han podido sino parecer una burda copia barata ante tan mastodóntica producción. Irrepetible y mágica.


[[Crítica de @PaulPorcoRosso]]

Estimado lector, vamos a jugar a un juego.

Imagina una película fruto de la mezcla entre 2001: A Space Odissey, The Tree of Life y la serie Secretos del Universo con Morgan Freeman. Luces y colores en frente de la cara de Keir Dullea, mientras escudriñamos el origen del Universo, la Tierra, la vida y la humanidad a modo documental con la voz en off de Morgan Freeman. Ahora, imagina que esta mezcla se convierte en una película de acción. Con coches chocando, muchos tiroteos, persecuciones. Y ambientada medio en Taipei y medio en París. El director va a ser Luc Besson, así que sustituye al protagonista masculino, Keir Dullea, por una mujer que, además de ser un bellezón contemporáneo, sea buena actriz. Pongamos, Scarlett Johansson. Y ahora súmale al cocktail bizarro que estás elaborando en tu mente la droga de Limitless, pero que en vez de hacer a Scarlett más inteligente (que también) le dé unos súper-poderes tipo X-Men o los de Neo en Matrix. ¿Lo tienes? Bien. Pues eso es resumido en unas pocas líneas Lucy. Una locura desmesurada que no debería funcionar bajo ningún concepto, pero que por suerte funciona maravillosamente.

La película viaja de los albores de la humanidad a Taiwán, y luego a París, donde el profesor Norman (Morgan Freeman) da una conferencia sobre la evolución, el cerebro y los seres humanos, elucubrando con futuro-ficción qué ocurriría si alguien pudiera usar más del 10% de su cerebro. Mientras, en Taipei, Lucy (Scarlett Johansson), una estudiante americana asentada allí, se ve envuelta en una red de tráfico de drogas bajo el comando del Sr. Jang (Choi Min-sik). Es forzada a convertirse en una mula, transportando una sustancia sintética extremadamente peligrosa llamada CPH4 que le han puesto en el estómago mediante una operación quirúrgica. Cuando la bolsa de droga se rompe, Lucy no sólo sobrevive la sobredosis, sino que la droga consigue que cada vez use un porcentaje más elevado de su cerebro.


Las películas fantásticas y de acción con protagonista femenina nunca han cuajado en taquilla, y más bien el espectador tiende a rehuir de ellas, tras las malas experiencias que le han aportado en el cine. Hablo de Aeon Flux, Underworld, Lara Croft, Resident Evil o Catwoman. Muchos lo han intentado por activa y por pasiva, pero el único que ha conseguido hacerse un hueco contando eminentemente con heroínas de acción en su cine es el director francés Luc Besson. Él es el principal importador de heroínas de cine que valen la pena, personajes duros y luchadores, y ante todo (y perdón por la expresión) molones de la ostia. No en vano todos caímos prendados de las peripecias de Leelo (esa Mila Jovovich de pelo naranja y poco ropaje) en The Fifth Element, vimos claro que lo mejor de Malavita (aparte de De Niro haciendo de gánster otra vez) era el personaje de Dianna Agron, y que Nikita y Mathilda son dos niñas de mucho cuidado. ¡Si es que incluso intentó una versión de Juana de Arco! No sé cómo lo hará, pero el caso es que los personajes femeninos de Besson, por H o por B, siempre son interesantes y simpáticos: cosas de su cine. Zach Snyder tiene apego por los abdominales marcados, Michael Bay por las mozas que enseñan pechuga y el ejército, Wes Anderson por los travelling laterales y los colores pastel, y Luc Besson por las mujeres cañeras. Pero fuera coñas: el parisino ha hecho tanto por los personajes femeninos de acción y fantasía como Lars von Trier con los de drama. Y eso es una verdad como un templo.


Esa mezcla de homenajes a películas de ciencia ficción de Hollywood de la que hablaba al principio, forma un collage perfecto de referencias cinéfilas en el que perderse y disfrutar y no acabar irritado por ver en la película una burda copia. En la fina línea que separa la copia del homenaje, Besson se mantiene al filo: así trata de localizar la posición actual de la humanidad dentro del Universo, y se anticipa a la siguiente fase de la evolución humana (como hacen Malick y Kubrick en sus respectivas obras), y mientras Lucy se reconfigura en todos los ordenadores, smartphones y televisores del mundo, no podemos dejar de pensar que esto es más o menos lo que Trascendence querría haber sido pero por desgracia no pudo. Paradójicamente, con todas las referencias del film (supongo que buscadas) que podrían convertirlo en una amalgama del orden de Oblivion, y después de los fracasos con el drama The Lady y su aventura sin alma en el mundo de la animación con Arthur y los minimoys, esta es la pieza fílmica de Besson más enérgica desde que Bruce Willis salvara a Milla Jovovich (otro ser humano perfecto, o más bien hecho perfecto) en su cinta mítica de ciencia ficción distópica. La potencia de la fotografía de Thierry Arbogast jugando con el contraste de colores, escenas de impremeditado humor negro y la potente selección musical maquinera se combinan en algo que es, sin lugar a dudas, un trabajo de Besson.


Es justo remarcar las actuaciones de un Morgan Freeman con el piloto automático de su serie documental sobre el Universo y de un villano sobriamente interpretado por el magnífico actor coreano Choi Min-sik (al que espero que se le den más papeles en películas occidentales), y sobre todo, la de Scarlett Johansson en el papel más que complicado de comunicar sus observaciones, reacciones y epifanías morales con una falta de expresividad que se incrementa al mismo ritmo que su capacidad cerebral. Vemos perfectamente el cambio de la Lucy-humana a la Lucy-en-el-siguiente-peldaño-evolutivo a la perfección: su registro plano en los últimos minutos de película contrasta de forma brutal con la americana fiestera de los primeros. Y eso, es mérito de la actriz.

Y habiendo dicho todo esto, Besson combina a la perfección las escenas de persecución y tiroteos con monólogos de Lucy sobre las cuestiones biológicas y filosóficas que el filme plantea sobre la brevedad y belleza de cada momento, el antropocentrismo de la humanidad, y el tiempo como unidad única de todas las cosas. Sólo un ser eterno (como en el que ella se convierte) es capaz de descubrir las maravillas del Universo y sacar la venda de los ojos de los seres humanos. 


Ir buscando en Lucy una película definitiva es equivocarse tremendamente de sala, de película y de director, pero sí que es muchas cosas a la vez: una película de verano con acción y superhéroes fruto de la mente esteta del autor francés (por lo tanto, casi tan raro como un perro verde), el enésimo personaje femenino molón de su cine, un guilty pleasure pulp con bastante CGI, y un excesivo pasatiempo cuyos 85 minutos pasan como un rayo. Y si aún después de leerme no cree, estimado lector, que Lucy pueda ser un genial entretenimiento fruto de una mente privilegiada, piense un momento: el hombre que ha hecho tanto por la carrera de Milla Jovovich y Jean Reno no puede estar equivocado.

Lo mejor: la fotografía, la dirección de Besson, y las actuaciones de los tres personajes principales (Choi Min-sik, Scarlett Johansson, y Morgan Freeman).
Lo peor: en cuanto al guión, en ningún momento hay sensación de peligro real hacia Lucy, pues es un personaje prácticamente indestructible.


Crítica original en Pandora Magazine


Título: Lucy

Director: Luc Besson
Guión: Luc Besson
Fotografía: Thierry Arbogast
Año: 2014
Duración: 90 min.
País: Francia
Productora: Universal Pictures / EuropaCorp / TF1 Films Production
Reparto: Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Choi Min-sik, Amr Waked, Pierre Poirot, Yvonne Gradelet, Jan Oliver Schroeder, Julian Rhind-Tutt
Título: Transcendence
Director: Wally Pfister
Guión: Jack Paglen, Jordan Goldberg, Alex Paraskevas, Wally Pfister
Fotografía: Jess Hall
Año: 2014
Duración: 119 min.
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. Pictures / Alcon Entertainment
Reparto: Johnny Depp, Rebecca Hall, Paul Bettany, Kate Mara, Morgan Freeman, Cillian Murphy, Cole Hauser, Clifton Collins Jr., Josh Stewart, Olivia Taylor Dudley


Crítica por @PauGarcia179


Wally Pfister, el director de fotografía de la mayoría de las películas de Christopher Nolan, debuta en la dirección con 'Transcendence'. Con la ayuda del director de 'Batman Begins' en labores de producción, saca adelante esta película que cuenta con algunos de los actores habituales de Nolan , como Cillian Murphy y Morgan Freeman. 

Will Caster es el más importante investigador en materia de inteligencia artificial. Aunque obtiene elogios y  despierta admiración entre muchos, también se ha ganado antipatías desde los sectores más anti-tecnológicos. Después de una conferencia, Caster es víctima de un atentado que le deja al borde de la muerte. Para salvar su consciencia, su mujer y un amigo (también científicos como Caster), deciden conectarlo a una inteligencia artificial.

Hay que reconocerlo: el inicio es prometedor. Se nos presenta, mediante un flashforward, un futuro en el que la tecnología ya no se utiliza. Sin duda, ese principio despierta el interés del espectador y genera expectativas para saber qué ha pasado para llegar a esta situación, pero cuando salimos del flashforward y empieza la narración lineal, las cosas se empiezan a torcer. 



Para empezar, tenemos que aguantar la lamentable actuación de Johnny Depp, que parece sumarse a la escuela interpretativa de Colin Farrell y Ben Affleck. Gracias a su anti-actuación, consigue despertar en el espectador la más absoluta indiferencia por lo que pueda pasarle al personaje que interpreta. Es cierto que los guionistas tampoco acaban de dibujar bien al personaje, pero ni el actor, ni el propio director consiguen imprimirle un poco de alma.  El resto de personajes tampoco acaban de estar bien retratados, y por ejemplo vemos pasar por ahí a Cillian Murphy, correcto (pero vacío) como policía del FBI y a Morgan Freeman, que hace creíbles sus líneas de diálogo por muy absurdas que puedan ser. El amigo científico es quizás el mejor personaje, con sus dudas y sus humanas contradicciones, y además Paul Bettany está creíble en todo momento. Rebecca Hall también se esfuerza en dar un poco de vida a Evelyn, la mujer del protagonista, pero aunque lo intenta no puede hacer verosímil la historia de amor si su pareja argumental nos importa un rábano y el actor que lo interpreta no se toma en serio su actuación. 


'Transcendence' intenta hablar sobre los peligros de la tecnología y en concreto de la inteligencia artificial, planteando que ésta se podría volver en nuestra contra. Stephen Hawking (entre otros científicos) reflexionaba sobre esto en un artículo publicado en The Independent, y advertía de los peligros de la inteligencia artificial: "El éxito en la creación de IA podría ser el más grande acontecimiento de la humanidad. Desafortunadamente, también podría ser el último."  Y es algo que también pretende transmitir la película, pero la verdad es que el guión está tan plagado de errores y la ejecución resulta tan inverosímil que no nos lo podemos tomar en serio, a pesar de sus aires de grandilocuencia y solemnidad, que justamente actúan en su contra. 

Está muy bien querer dar un poco de cuerpo, de reflexión a la película, faltaría más, pero si se opta por el camino de la seriedad y la trascendencia, el guión tiene que estar a la altura de esa ambición. Por desgracia, aquí es tan poco consistente que roza lo ridículo. Y es que seguramente, el director acaba transmitiendo lo contrario a sus intenciones: si quiere que el espectador se inquiete y se formule preguntas, el planteamiento tiene que ser mínimamente verosímil; si no lo es, le resta importancia al debate propuesto e instala a los espectadores en una falsa tranquilidad respecto a la inteligencia artificial. Esa falsa tranquilidad, esa burbuja de indiferencia que invita al conformismo puede ser peligrosa, como advierten los científicos en el artículo de The Independent, porque la inteligencia artificial ya es una realidad y avanza rápidamente. 



'Transcendence' no funciona ni como película de ciencia-ficción, ni de acción (demasiado aburrida para ser un blockbuster) ni tampoco como historia romántica, porque pese al noble intento de Rebecca Hall de insuflar vida a su personaje ahí está Johnny Depp para neutralizar lo conseguido por su compañera de reparto y hacer totalmente inviable la conexión emocional del espectador con los protagonistas del film. Los aires de trascendencia y solemnidad solo se palpan en la superficie y en el fondo no hay más, de manera que la película se convierte en un frívolo intento de reflexión acerca de la tecnología y la inteligencia artificial. 

Título: The LEGO Movie
Director: Philip Lord, Chris Miller, Chris McKay
Guión: Philip Lord, Chris Miller (historia de Kevin Hageman y Dan Hageman)
Fotografía: Barry Peterson
Año: 2014
Duración: 100 min.
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Australia-EEUU; Animal Logic / The LEGO Group / LEGO / Lin Pictures / Warner Bros.
Reparto: Animación. Will Ferrell,
Voces: Chris Pratt, Will Ferrell, Elizabet Banks, Will Arnett, Morgan Freeman, Alison Brie, Charlie Day, Liam Neeson, Channing Tatum, Jonah Hill, Cobie Smulders, Dave Franco, Shaquille O'Neal, Anthony Daniels, Billy Dee Williams
Crítica de @PaulPorcoRosso

La LEGO película cuenta la historia de Emmet (Chris Pratt), una figura de LEGO absolutamente normal y fiel a las normas que impone Mega-Malo (Will Ferrell) a los habitantes de la ciudad LEGO, que un día al salir de su trabajo en la construcción es identificado por error como la persona más extraordinaria y clave para salvar el mundo, al encontrar la Pieza Maestra, lo único que puede desactivar el poder del Kragle (un tubo de pegamento estilo super-glue). Se verá inmerso entonces en un viaje de épicas proporciones para detener al tirano Mega-Malo, ayudado por un grupo de desconocidos entre los que están Super-Cool (Elizabeth Banks), Batman (Will Arnett) y Vitruvius (Morgan Freeman). El problema es que Emmet no está preparado en absoluto para salvar el mundo...

Viendo el tráiler y el bombazo que produjo la película en su estreno me hizo ser de los escépticos: "¿una película de LEGO? ¿para qué? ¿el juego LEGO da para una película?". Visto lo visto, puedo responder a todo: una película de LEGO para hacer la mejor animación des de Toy Story 3. Una película para entretener, divertir, y a la vez instruir. ¡Y da para secuelas y spin-offs!


Referencial a muchísimos niveles y a casi todas las sagas de cine a las que la empresa LEGO ha tenido acceso durante los años, La LEGO película es un tapiz magnífico de piezas que encajan a la perfección y trasladan a la gran pantalla los sueños de Lord, Miller, los hermanos Hageman y McKay. Además de la animación, hecha con una deliciosa mezcla entre el stop motion y el tratamiento digital de la imagen, destaca el savoir faire al colocar en el momento perfecto los cameos de personajes de otras franquicias. Superman, Linterna Verde, C3PO, Shakespeare son sólo algunos de los personajes que aparecen durante la película. El humor que salta a la comba con la finísima línea que separa el inteligente de lo absurdo, y con un ritmo cómico adrenalínico en el que no falla ni un solo gag, y con momentos cumbre que coinciden con la aparición de Batman.   

En definitiva, la película de LEGO no es otra estúpida película de animación americana para críos hecha para vender juguetes: hay una visión, una necesidad artística con entidad propia. Es entretenimiento, para niños y para mayores con precioso mensaje para ambos: nunca dejéis de divertiros. Todos somos especiales a nuestra manera, y si colaboramos somos invencibles. La creatividad mueve el mundo, y si creemos en nosotros mismos nadie puede pararnos.

Lo mejor: Batman, la nostalgia al bloque y a volver a ser pequeño que despierta la película.

Lo peor: no hay ningún error fatal o elemento que sobre o falte. 
Título: Oblivion
Director: Joseph Kosinski
Guión: Joseph Kosinski, Michael Arndt, Karl Gajdusek (basado en el cómic de Joseph Kosinski y Arvid Nelson)
Fotografía: Claudio Miranda
Año: 2013
Duración: 126 min.
País: Estados Unidos
Productora: Universal Pictures / Chernin Entertainment
Reparto: Tom Cruise, Andrea Riseborough, Olga Kurylenko, Morgan Freeman, Nikolaj Coster-Waldau, Zoe Bell, Melissa Leo, Lindslay Clift, Jaylen Moore, Julie Hardin, Paul Gunawan, Jay Oliver, Jason Stanly

Del realizador Joseph Kosinski, director del desastroso videoclip con luces de neón de Daft Punk que era TRON Legacy, nos llega un filme de ciencia ficción de realidad distópica, protagonizado por Tom Cruise, Oblivion. Este está basado en una novela gráfica del mismo nombre firmada por el director, y acaba por resultar al espectador extrañamente familiar...

En 2010 la Tierra fue atacada por una raza alienígena superior que causó una guerra a nivel mundial. La guerra se ganó, pero el planeta quedó devastado y los pocos seres humanos que quedaban vivos fueron evacuados y enviados a una estación espacial. Ahora, más de 60 años después, estamos en el año 2073 y Jack Harper (Tom Cruise), antiguo marine, inicia su trabajo diario en el mantenimiento de drones patrullando los cielos, reparando drones rotos que extraen los pocos recursos vitales que quedan en el planeta. Un día, rescata una nave espacial desconocida en la que va una mujer que parece conocerlo (Olga Kurylenko) y se ve obligado a plantearse sus convicciones más arraigadas.

"Echa un vistazo y te enseñaré el futuro"

Oblivion lo tiene todo para ser un buen filme: una fotografía de aires postapocalípticos espectacular, obra del siempre interesante Claudio Miranda (ganador del Oscar por Life of Pi), banda sonora de M83, una decente actuación de Tom Cruise, Morgan Freeman con unas gafas futuristas, dos bellezones como son Andrea Riseborough y Olga Kurylenko, y una trama absorbente y con el giro de guión que atrapa al espectador.

Y es que además de todo eso, la película tiene un muy buen ritmo que sorprendentemente (lo digo por TRON Legacy) sabe imprimir Kosinski, unas escenas de acción muy bien trabajadas, un manejo y equilibrio casi perfecto entre romance, acción e intriga durante la primera hora de película, y hasta es entretenida durante casi todo el metraje (que no es poco)
 
"Ganamos la guerra... Y ahora tenemos que irnos"

Pero su problema, su GRAN problema es el ser una especie de trabajo de patchwork hecho con trama y ciertos detalles de grandes películas de ciencia ficción con los que un espectador amante del género puede establecer puente: el giro de guión de la gran Moon, estética de los moradores de las arenas y una especie de Estrella de la muerte pero con forma triangular de Star Wars, el punto de partida de la serie de televisión Battlestar Galactica, la aparición de un edificio icónico del planeta tierra devastado como en Planet of the Apes, la civilización de humanos en el mundo real de Matrix, robots muy parecidos a EVA en Wall-E...

Si el espectador es novato en el género, disfrutará forzosamente de lo visto en pantalla. Y sino también, pero le encontrará, como yo, pegas constantes.

Lo mejor: el apartado visual y técnico de la película.
Lo peor: la trama llena de plagios/referencias/parodias no produce innovación alguna en el género, y el epílogo más que sobrante.


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