¿Quién hay dentro de... Darth Vader, C3PO y R2D2? por @marckwire21

El cine nos ha regalado personajes maravillosos y carismáticos, unas veces creados desde cero y otras, adaptándolos de obras literarias de donde jamas habían salido. Ya fuera de una manera u otra siempre ha habido un actor o especialista manejando los hilos y engranajes de esos personajes que se ocultan tras una mascara o embutidos en el cuerpo metálico de un robot. La recopilación de hoy es sobre 10 de los personajes mas míticos de la historia del cine a los cuales se les conoce mundialmente gracias a especialistas o actores desconocidos para la gran mayoría del público.

Son varios los actores que han dado vida al icónico personaje creado por George Lucas a finales de los años 70, pero me centraré en su etapa oscura. En 'SWEIV - A New Hope' fue inicialmente el británico de 42 años David Prowse ('Frankenstein And The Monster From Hell', 'A Clockwork Orange') quien se enfundara el traje negro gracias a su complexión física, 2m y 118 kg. Prowse, que rechazó ser Chewbacca pensando que seria más recordado por haber sido Darth Vader era un veterano de la series de televisión por aquel entonces donde llego a interpretar al Minotauro en 'Doctor Who'. Fue Darth Vader en los tres primeros episodios que se filmaron, los que dieron fama a la saga excepto, las escenas de lucha de los episodios V y VI. Estas fueron interpretadas por el instructor de esgrima, Bob Anderson. A pesar de haber sido el primero en dar vida a Vader, ni su rostro ni su voz aparecen en ninguna de las partes hasta ahora realizadas. La explicación es que a Lucas no le gustaba el acento del actor y decidió reemplazar su voz por la del polifacético James Earl Jones ('The Great White Hope', 'Conan', 'Roots', 'The Lion King'), algo que el británico no supo hasta el mismo día del estreno. Su rostro, que iba a aparecer al final de 'Return Of The Jedi', fue cambiado por el de Sebastian Shaw, otro actor muy conocido por sus trabajos en series de televisión pero que finalmente y tras rodarse la segunda trilogía también seria reemplazado por el del joven actor Hayden Christensen ('Jumpers', 'Outcast'), ultimo en vestir la armadura del mítico personaje y al que se le tuvieron que aplicar unas modificaciones en el traje para asemejar su altura a la del gigante actor británico. David Prowse sigue vivo y su ultimo trabajo fue en 2010 con 'The Kidness Of Strangers', James Earl Jones está en activo, y en este 2015 estrenara 'Starbright', Sebastian Shaw murió en 1994 de forma natural y su ultimo trabajo fue en la serie 'Growing Rich' de 1992. Bob Anderson pasó a mejor vida en 2002 tras haber añadido a su carrera además de dar vida a Vader en las peleas con Luke sino también el haber coreografíado todas las escenas de espadas en la trilogía de 'The Lord Of The Rings'.

El larguirucho, primero plateado y más tarde dorado, droide de protocolo más conocido en el universo cinéfilo. Sólo ha sido interpretado por un actor a lo largo de toda la saga 'Star Wars', ya fuera poniendo su voz o enfundándose el inflexible traje del robot parlanchín. Anthony Daniels es el actor tras el alma de C3PO, un británico que ha dedicado toda su carrera al robot tanto en series, películas, documentales e incluso videojuegos. Una vida dedicada a un solo personaje. ¡Brillante! Anthony Daniels sigue vivo y volverá a ser C3PO en el futuro episodio VII.

El mítico droide bajito de la saga 'Star Wars', el valiente R2D2. A diferencia de su compañero de aventuras C3PO, R2D2 ha sido controlado de varias formas diferentes: mediante radiocontrol remoto, por cables que luego fueron eliminados y por el actor Kenny Baker. Britanico de nacimiento, 33 años y con una altura de 1.12m fue la elección perfecta para meterse dentro de ese cubo con patas que terminaría dándole un salto de calidad a su vida y a su carrera. Baker posteriormente trabajaría también en otros films míticos como 'The Elephant Man', 'Flash Gordon', 'The Hunchback Of Notredam', 'Amadeus', 'Willow' o 'Time Bandits'. A sus 79 años, Kenny Baker volverá a ser R2D2 y estrenara 'When The Devil Rides Out'.

RETROSPECTIVA Darren Aronofsky: 'The Wrestler'

[[Crítica de @marckwire21]]

'The Wrestler' es la cuarta película del imaginativo director descendiente de polacos, Darren Aronofsky. Se estrenó a finales de 2008 y principios de 2009, dos años más tarde desde su controvertido último trabajo, 'The Fountain'. Aronofsky y Mansell. Estos dos nombres deberían ser suficiente razón como para verla, pero estamos ante un caso especial donde sí se aprecia la mano de Aronofsky, pero la de Mansell no pasa más allá de una banda sonora de acompañamiento mínimamente audible y jugosa. La fotografía corre a cargo de Maryse Alberti que recibió el premio por su composición en los Independent Spirit Awards. Pero... poco importa, ya que el propio personaje principal, Robin Ramzinski aka Randy 'The Ram' Robinson (El Carnero), empaña cualquier otro trabajo realizado en la película. Mickey Rourke da vida a este luchador de wrestling regalándonos posiblemente la mejor interpretación de su vida, la culminación de una carrera llena de titubeos en la que después de estar relegado al ostracismo tras ser un mito de acción y erótico en los años 80-90 ('Angel Heart', 'Nine 1/2 Weeks' o 'Wild Orchid') resurgió cual ave fénix mostrándonos todos esos matices que hicieron de su carisma e interpretaciones, un ídolo. El papel iba a ser para Nicolas Cage, y por suerte para todos, al final fue Rourke el elegido. Grandioso acierto. Apuntar también que Rourke fue boxeador durante mucho tiempo. Aunque lo parezca, no está basada en ninguna historia real y tampoco es la biografía de 'The last warrior' ni de Hulk Hogan. En un top ten de películas de deportes, es imposible que este film de Aronofsky quedara fuera, por mucho que pasen los años, es la 'Toro Salvaje' del wrestling: épica, desgarradora y enternecedora al mismo tiempo. Premiada en varios festivales sobretodo por su parte actoral donde Rourke hizo su agosto llevándose el BAFTA a mejor actor y una nominación en los Oscar. Que no lo ganara fue culpa de Sean Penn y su interpretación en 'My name is Harvey Milk', de la cual no puedo opinar porque no la he visto. Marisa Tomei estuvo nominada a mejor actriz secundaria.

'The Wrestler' nos cuenta el final de la carrera de un luchador de wrestling muy famoso en los años 80, y actualmente en plena decadencia, el cual tiene una vida bastante complicada con una hija "abandonada" por su carrera, enamorado de una stripper entrada en años y los problemas físicos acarreados tras tanto tiempo recibiendo golpes y más golpes en el ring. Mickey Rourke protagoniza el film acompañado de Marisa Tomei dando vida a la stripper Casidy/Pam y Evan Rachel Wood como su hija Stephanie Robinson.

El carácter de Randy es muy diferente al que a priori os podáis imaginar, podríamos sintetizarlo en la frase: tiene un corazón que no le cabe en el pecho. Muestras de ello son las escenas con los niños, con la stripper de la que esta enamorado, con su hija (las escenas más dramáticas), incluso las conversaciones con otros luchadores antes de los combates, denota ser amable, cariñoso, que se "cuida" dada la vida que ha llevado, lleno de amor. Hablamos de un luchador de wrestling, no quiero decir que no tengan sentimientos este tipo de luchadores, pero es muy chocante esa actitud tan tierna en un tipo tan grande de aspecto físico idéntico casi al famoso luchador ochentero antes citado, 'The last warrior'. Emociona. La interpretación de Mickey Rourke es brutal, os creeréis que estáis viendo a un autentico luchador de este deporte. ¿Porqué es apodado "el Carnero"? Por su ataque especial, con el que remata a los contrarios, subiendo a la esquina del cuadrilátero y lanzándose con los codos por delante noqueando a cualquier contrincante. Los detalles sobre el mundo del wrestling son reveladores, dando un buen ejemplo en el combate final contra Ayatollah (Ernest Miller), asemejándose a aquellos míticos combates de los 80 que algunos, como yo, vivimos personalmente, 'The last warrior' vs. Hulk Hogan o Los Sacamantecas (The Bushwhackers) vs. El enterrador. Dejando a un lado la nostalgia, como dije, los detalles sobre este mundo son magníficos y ayudan mucho a meterse en situación. Solamente los créditos iniciales son una gran muestra de ello asi como el vídeojuego de Nintendo con The Jam vs Ayatollah o los entresijos y tretas preparadas por los luchadores antes de los combates. Randy viste un plumón, descosido por un brazo, como su cuerpo, como su vida, sucio, con pinta de no haber sido lavado nunca, embutiendo las carnes de una vieja leyenda dispuesta a luchar por esa ultima esperanza de tener una vida normal junto a su adorada stripper y conseguir la reconciliación con su olvidada hija. Pero a veces o casi siempre, la vida, no es como queremos y Randy lo termina por aceptar volviendo a los rings por última vez, donde se siente vivo, donde lo aman... el desenlace final os emocionará.

Los secundarios están más bien como adorno obteniendo mas protagonismo Marisa Tomei (Pam), la stripper de la cual esta enamorado Randy y por la que es capaz de todo que la propia hija de este. Realmente hay ciertos paralelismos entre la vida de la stripper y la vida del luchador, cada uno en su ambiente, cada uno con su estilo de vida, y ambos cansados de darlo todo por su público sin obtener ninguna recompensa después de tantos años frente a ellos. Adoro esa escena en la que Pam sube al escenario para bailar en la barra y se da cuenta que nadie está por ella, que nadie la mira, como cambia su mirada en cuanto ve a Randy entrar en el bar, igualaría esta escena a la vivida por Randy en la convención de fans cuando ve al resto de sus excompañeros a cuál más estropeado. Aun así, Pam se muestra mas indecisa y su tardanza en abrir los ojos será crucial en el destino de Randy. La hija, Evan Rachel Wood (Stephanie) es un adorno interesante, con un par de escenas y poco más consigue transmitir la tristeza encubierta en odio hacia su padre, imposible valorar el trabajo de Evan Rachel Wood ya que no pasa de 10 minutos en pantalla juntando todas sus intervenciones. Destacaría algunas escenas como la conversación con el niño y el "Call of Duty", la entrada en la charcuteria de un Randy dispuesto a comenzar una nueva vida (los gritos del público hasta antes de pasar la cortina de plástico) o la explosión de rabia en la charcuteria tras la insistencia de un cliente al reconocerlo. Mención especial para el polvo con la rubia, no por la escena en si, sino por la habitación donde luego despierta Randy con los posters de bomberos, impagable. En cuanto a la música y la frustación tras ver a Mansell en los créditos y después escuchar lo inútil de su aportación a la película no queda mucho mas que añadir, la banda sonora no original esta compuesta sobretodo por grupos de rock de los 80 con algún tema mas de The Scorpions, Guns ´N Roses o Cinderella, poco remarcable pero muy acorde con el film. La película arranca con un tema bastante conocido como es el "Bang Your Head" por Quiet Riot, de 1983, canción que es usada también por Randy en sus actuaciones. Al final de la película un grande como Bruce Springsteen acompaña los créditos finales con el tema principal titulado igual que la película, "The Wrestler". La verdad que realmente no sé hasta que punto hubiera hecho bien una banda sonora autentica y palpable de Mansell, quizás le hubiera dado un enfoque más oscuro, y la película en sí no lo necesita a mi modo de ver ya que Rourke lo abarca todo.

Existen películas en las cuales al igual que en el universo, un día, coinciden varios fenómenos dando lugar a un suceso extraordinario, algo fuera de lo habitual, que llama mecanismo la atención y que por alguna extraña razón, perdura en la memoria de aquellos que tienen la suerte de presenciarlo. Es exactamente, lo que ocurre en esta película. Da igual que no te guste el wrestling, da igual que odies ese deporte convertido en show, da igual que no soportes a Mickey Rourke, todo, absolutamente todo da igual porque, durante aproximadamente 100 minutos, vivirás, sufrirás y padecerás lo que Randy vive, sufre y padece. La historia de una bestia que conmueve.

'Mr. Kaplan', de Álvaro Brechner

[[Crítica de @marckwire21]]

'Mr. Kaplan' es la segunda película que escribe, produce y dirige Álvaro Brechner, un uruguayo de 38 años afincado en Madrid desde 1999. Su primer largo, la comedia 'Mal día para pescar' en 2009, obtuvo una critica general muy positiva y casi treinta galardones en festivales de todo el mundo. Tras 5 años llega lo difícil para Álvaro. La confirmación. 'Mr. Kaplan' nace fruto de dos fuentes, la novela escrita en 2005 por Marco Schwartz, 'El salmo de Kaplan', y los recuerdos que el director posee de su abuelo, que al igual que el protagonista del film y muchos otros, emigraron a sur-américa durante la guerra buscando esa segunda oportunidad. Producción uruguaya en unión con España y Alemania (Baobab Films y Razor Film) además de contar con la coparticipación del canal de TV franco-alemán, ZDF/ARTE. Candidata con varias nominaciones en los Goya 2014 y representante uruguaya a los Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

Jacobo Kaplan. Jacobo (Héctor Noguera) es un anciano judío de 76 años nacido en Polonia que emigro a Uruguay en el año 1937 al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Siente que no ha hecho nada por lo que pueda ser recordado cuando muera, que ha pasado por la vida sin hacer nada relevante y para colmo su familia lo trata como a un bebe que no puede valerse por si mismo. Cansado de esta situación y tras un comentario de su nieta acerca de un viejo como él al que apodan, 'El nazi', que regenta un chiringuito en la playa donde ella para con sus amigos, Jacobo encontrara la manera de redimirse, de sentirse vivo de nuevo y quedar en paz con el mundo, con la humanidad y sobretodo con él mismo.

Pocas cosas se le pueden reprochar al nuevo film de Brechner ya que en todas sus facetas está en su punto. Una comedia simpática, irónica y ágil, con su punto de thriller y un giro bastante dramático como contrapunto que le sirve de firmeza para ganarse el corazón del espectador. Si a alguien se le ocurre ver el tráiler o leer la sinopsis puede que le vengan pensamientos de 'Amelie', 'Micmacs', ese cine de Jean-Pierre Jeunet que también se vió en la argentina 'Un cuento chino' con Ricardo Darín. Y sí, es cierto. La cinta uruguaya tiene ese toque, esa atmósfera de cuento, de fabula visual tan llamativa, gracias mayormente a la fotografía de Álvaro Gutierrez ('Mal día para pescar' o 'Todos están muertos') que muestra un Montevideo años 90 perfecto con una tendencia siempre al color amarillo. La recreación de ese Montevideo 1997 me parece algo fantástico, no se abusa de objetos de aquella época para remarcar constantemente el año, tan solo vemos un pinball y las noticias de aquellos años en una televisión, nada más. Como bien dijo el director antes de empezar la proyección, todos en el reparto habían formado una gran familia, y eso es algo que se nota en las actuaciones. La pareja protagonista esta impecable llevando todo el peso del film en los 98 minutos, Jacobo es el 'protagonista' pero su Sancho, como nos lo venden en el poster del film, no es para nada un secundario al uso, es tan o mas protagonista que el propio Jacobo. Wilson (Néstor Guzzini), que así se llama nuestro Sancho, es un ex-policía al que la familia intenta contratar para que sea el chofer de Jacobo y que termina convirtiéndose en el ayudante de este en la caza, captura y traslado de 'El nazi' a Israel. Jacobo podría salir metiendo en una coctelera al abuelo de 'Up', al Melvin de 'Mejor... imposible' y al ferretero de 'Un cuento chino'. Héctor Noguera no lleva a un nuevo nivel ese perfil de viejo encantadoramente testarudo y cascarrabias, pero aplica unos matices a su personaje durante todo el film muy característicos gracias a su humor seco, cortante y su mirada desafiante. Por otro lado Wilson, el honrado, descuidado y pasota acompañante en esta aventura de Jacobo proporciona esa parte racional, creíble y natural como contrapunto a la 'locura' del anciano. Básicamente la película son ellos dos, existe una familia de Jacobo así como una ex-mujer de Wilson, pero realmente son meros complementos inicialmente para ayudarnos a definir la personalidad de ellos dos y sus motivaciones. La banda sonora original esta compuesta por el navarro nominado a un Goya, Mikel Salas ('Bajo las estrellas', 'El segundo nombre' o 'REC 3'). 

Comedia, drama y thriller en distintas proporciones se dan cita en 'Mr. Kaplan' intercalándose durante todo el metraje. Brechner abre la función a ritmo de 'SS Uruguay' de Serge Gainsbourg una comedia repleta de diálogos brillantes, y silencios, que mueve ligeramente al drama sin dejar caer todo el peso de la película en él. El punto de thriller que aporta el misterio en torno al Nazi potencia ese 'viaje' maravilloso que Jacobo y Wilson empiezan. A ambos la experiencia les abrirá los ojos para enfrentarse a sus miedos y asumir sus errores. El director uruguayo remata con un final enternecedor con ese plano silencioso y largo de la cara de Jacobo tras el equívoco de la puerta. Maravilloso.

Lo mejor: La pareja protagonista formada por Hector Noguera y Néstor Guzzini. Su humor justo y medido sin caer en lo absurdo. Brillantes diálogos.

Lo peor: Algo previsible en algunas escenas.

Recomendaciones de Cine de Terror Europeo: #2 - The Innocents (1961) de Jack Clayton

[[Crítica de @marckwire21]]

Estrenada en 1961 y dirigida por Jack Clayton se trata de una adaptación de la novela escrita por Henry James en 1898, 'The Turn of the Screw'. Una historia gótica de fantasmas mezclada con un potentísimo drama psicológico donde guión, interpretaciones, fotografía y música se unen junto a un nítido blanco y negro de altísima calidad para ofrecernos como resultado una de las mejores películas de terror europeas de toda la historia. A principios de los 60 el tema casas encantadas despuntaba ya como la nueva gallina de los huevos de oro con grandes éxitos como 'House on haunted hill' o '13 ghosts' y dos años mas tarde con 'The Innocents' llegaría otro clásico británico de idéntica temática, la brillante 'The Haunting' de Robert Wise. Su argumento os sonará mucho ya que es el paciente 0 en cuanto a casas encantadas se refiere: Miss Giddens (Debora Kerr) es una recatada institutriz que acepta el trabajo de cuidar a dos hermanos Flora y Miles (Pamela Franklin y Martin Stephens) en una mansión victoriana apartada en las montañas mientras su único tutor, su tío (Michael Redgrave), se ocupa de unos asuntos en la gran ciudad. En la mansión conoce a la encantadora ama de llaves Mr.Grose (Megs Jenkins), que le ayuda a instalarse y a conocer a los niños. A los pocos días Miss Giddens empieza a observar comportamientos extraños en los pequeños y a sufrir alucinaciones en las que ve a la antigua institutriz muerta un año antes. 

Lo mejor que se puede decir sobre 'The Innocents' es que a pesar de haber servido de inspiración para otras películas como 'The Changeling' o 'The Others' incluso la propia 'The haunting' es que, a día de hoy sigue la mejor de todas ellas. ¿Historia de fantasmas con trasfondo dramático o al revés? Es una película tan ambigua y con un final tan instigador que soporta segundos y terceros visionados en los que encontrar nuevos detalles y formas de entender su final. Que aún pasando más de 50 años conserve su esencia no es algo casual. Hay una unión de factores, en este caso personas, que hacen de ella una joya muy admirable. Seguramente el factor mas importante de estos sea la adaptación del guión por el mismísimo Truman Capote, sinónimo de calidad. La puesta en escena y la impecable fotografía en un pulido blanco y negro de Freddie Francis ('The elephant man','The Straight Story') son algo maravillosas, inolvidables me atrevería a decir. Francis saca todo el partido a una espléndida Debora Kerr, y como esta lo da todo, fijaos en sus ojos cuando habla con Miles, el movimiento de sus pupilas vibrantes, está totalmente metida en su papel, es algo bárbaro. Y si ella esta perfecta, los niños... los niños son algo extraordinario, para llevarlos al mismo colegio que Damien vaya. Si Pamela Franklin como Flora está brillante lo de Martin Stephens como Miles es algo que bordea la perfección, impresionante el registro de este niño que venía de rodar 'Village of the damned' y ya tenia experiencia en poner esas miradas que le dedica a Miss Giddens, esos aires de superioridad.

Debora Kerr está magnifica pero Martin Stephens hizo el papel de su vida. Cuando uno decide ver 'The Innocents' sabe, mas o menos a los 2 minutos, que está a punto de ver una muy buena película. Fondo negro, suena una melodiosa canción infantil durante unos 45 segundos en los que solo vemos el fondo oscuro, tras este, aparecen las manos de Debora Kerr a la izquierda junto a los primeros títulos de crédito que van unidos al sonido de unos pájaros, brillante. Sólo los títulos de crédito ya nos avisan que no estamos ante un producto cualquiera, que no se ha hecho deprisa y corriendo, que esta cocinado a fuego lento, donde cada escena contiene más de lo que muestra, que podemos divagar sobre los diálogos que sus personajes interpretan, que vamos a tener que leer entre lineas durante muchas ocasiones. La canción en cuestión es 'O Willow Wally' y da un mal rollo espeluznante cada vez que Flora la tararea. 

El film de Clayton lleva al espectador a dictaminar tras su final la opción que más sienta acertada sin dejar de pensar en que la no elegida, la que consideramos imposible o absurda también exista. ¿Son reales las visiones de Miss Giddens o por el contrario somos embaucados por su histrionismo y excitación? ¿Está Miss Gidens siendo invadida por un cúmulo de sentimientos y sensaciones que en su vida anterior donde era tan inocente y puritana no conocía? ¿Qué hay oculto en ese beso de buenas noches a Miles? Como veis, es un film al que se le puede sacar una buenísima tertulia cinéfila, sus diversas interpretaciones partiendo siempre que lo que vemos es lo que la propia  Miss Giddens ve ya que es su punto de vista lo que siempre se nos muestra dejan abiertos varios caminos. ¿Creemos a la nueva institutriz? ¿Creemos a los niños? ¿Se aprovechan los niños de la mente paranoide de Giddens o es Giddens quien manipula y se hace con el control tanto de los niños como de la mansión? ¿Flora termina desquiciada y Miles muerto o la pequeña finge al ver que alguien más ve esos fantasmas y Miles simplemente se desmaya? Sea como fuere este TOP 2 del ránking es un clásico del terror psicológico europeo que nadie puede dejar pasar.

#reflexionesdecine - Mis diez películas de terror europeo favoritas

 

[[Estas #reflexionesdecine corren a cargo de @marckwire21]]

No puedo decir que me guste un género más que el resto en concreto dentro de todos los existentes cinefilamente hablando pero sí que siento más predilección por la ficción, por lo fantástico, por la acción y la innovación que invita a varios razonamientos posteriores. Siendo así,  la ciencia-ficción y el terror son dos de los géneros que más llaman mi atención. Aprovechando la reciente festividad de Halloween os traigo un TOP 10 de películas de terror europeas entre las que se encuentran verdaderas joyas de este género, donde desde siempre los europeos abogan mas por la elegancia, la calidad, el impacto y sutilidad en sus películas que por la producción masiva sin importar ninguno de los adjetivos nombrados antes que predomina entre casi toda la industria americana del cine donde, un éxito de taquilla medianamente aceptable produce una sucesión de secuelas inútiles a cual más nefasta. No siempre, obviamente, pero si mayormente. Durante este mes de noviembre, se van a ir publicando las críticas de cada una de las películas, empezando por la de 'Nosferatu', hoy mismo.

1. NOSFERATU - 1922 - ALEMANIA

2. THE INNOCENTS - 1961 - REINO UNIDO

3. LES DIABOLIQUES - 1955 - FRANCIA

4. LET ME IN - 2008 - SUECIA

5. LES YEUX SANS VISAGE - 1960 - FRANCIA

6. QUIEN PUEDE MATAR A UN NIÑO - 1976 - ESPAÑA

7. DAS KABINETT DES DR. CALIGARI 1920 - ALEMANIA

8. MARTYRS - 2008 - FRANCIA

9. PROFONDO ROSSO - 1975 - ITALIA

10. REC - 2007 - ESPAÑA

Como en todos los TOP o listas de películas sobre un género, muchos encontrareis que faltan algunas o que las seleccionadas no son las mejores según vuestro criterio. Elegir tan solo 10 no ha sido nada fácil os lo aseguro. 'The Others' de Alejandro Amenábar puede ser una de las que más echéis de menos en cuanto al cine patrio pero la razón de no incluirla creo que queda justificada por una de las números 1 del TOP. 'The Others' es una gran película pero con 'The Innocents' queda cubierto el cupo de "casa encantada y drama psicológico" de sobras sin mencionar que la cinta de Amenábar es en cierta manera un homenaje a esta. Ninguna de las diez elegidas se acerca a la comedia, cintas muy recomendables como 'Zombies party', 'Dance of the Vampires', 'The Rocky Horror Picture Show', 'REC 3', 'An American Werewolf in London', 'La horde' o 'Goal of the dead' quedan totalmente fuera de este TOP. De todo el grupo inicial y salvando las seleccionadas me gustaría recomendar también otras grandes. Españolas que no podéis dejar de ver, de más a menos importancia y sin olvidar las citadas antes, 'The Others' y 'REC 3' son: 'El espinazo del diablo' situada en la guerra civil española y con el fantasma de un niño de por medio, 'La torre de los siete jorobados' thriller de 1944 con gran sorpresa final, 'Los sin nombre' opera prima magnánima de Jaume Balagueró, 'El orfanato' con una Belén Rueda magnifica, 'Angustia' de Bigas Luna, 'Gritos en la noche' versión española de 'Les Yeux Sans Visage', el telefilm de Alex de la Iglesia 'La habitación del niño' y las dos de la mejor saga zombie made in Europe no citadas antes, 'REC 2' y 'REC 4', acción e infectados por doquier. Británicas como la comedia de culto 'Zombies party', el clásico en b&n 'Village of the Damned' con el niño protagonista de 'The Innocents', 'Dracula 1958' del enorme Christopher Lee, 'Event horizon' ciencia-ficcion y terror camino a la locura en la mejor película de la carrera de Paul W.S. Anderson, la claustrofóbica y reciente 'The descent', otro clásico como 'Curse of the demon', la ochentera 'The Company of Wolves', 'The Masque of the Red Death' dirigida por Roger Corman y con Vincent Price, 'The Tomb of Ligeia'. 'The Hound of the Baskervilles', las dos primeras partes de la saga 'Hellraiser', y las dos de infectados '28 days later' y '28 weeks later'. Italianas como las míticas 'Suspiria', 'Phenomena', 'I tre volti della paura' o 'La maschera del demoni' sin olvidar la grandiosa saga ochentera 'Dimoni', la precursora del slasher rodada en 1971 'Reazione a catena' y como no, la controvertida 'Cannibal Holocaust'. Francesas como el slasher new age 'Haute tension' y la salvaje 'Frotiere(s)', dos thrillers franceses tremendamente energéticos, 'Possession'  la mencionada 'Le horde', mezcla de humor y apocalipsis zombie. De Alemania, un gran clásico alemán como 'Vampyr' de 1932, el remake de 'Nosferatu' del mismo nombre e interpretado por Klaus Kinski e Isabelle Adjani y otra ochentera 'Joey'. Para terminar, la danesa 'Haxan' híbrido de documental y drama ficcionado de 1922, la sueca de Ingmar Bergman 'Vargtimmen', la irlandesa sobre vampiros 'Byzantium' y esa bizarrada para la que hay que tener muchísimo estomago llamada 'A serbian film'. Anda, ¡que ya tenéis una buena lista de películas a ver o, en su defecto, a recordar!

#reflexionesdecine - Mis 5 películas favoritas de Quentin Tarantino

Hoy las #reflexionesdecine corren a cargo de @PaulPorcoRosso

Era 1992 y un joven aficionado al cine de serie B y al spagetthi western estrenó su opera prima, una obra que revolucionaría el cine y sorprendería tanto a críticos como a espectadores por su frescura, su violencia y sus diálogos rápidos y vibrantes. Sí, ese joven de Tennessee (que ahora ya no es tan joven pero sigue dando mucha guerra) era (supongo que ya lo habrás adivinado) Quentin Tarantino, y la película de la que hablo, Reservoir Dogs. Su rotura de la narrativa habitual (destrozaba el cine de tres actos, y fue de los primeros en hacerlo mediante su escritura "por secuencias") le valió el título de cineasta más prometedor de los noventa, y vaya si lo fue. En 1994, Pulp Fiction, esa obra maestra sobre almas, Yahvé, silencios incómodos, hamburguesas y relojes de bolsillo fue la confirmación de eso que en Reservoir Dogs se mascaba. Dos películas y ya tenía hecho lo que la mayoría de cineastas considerados genios conseguían tras diez o quince. Maravilloso.

Aún sin ser un fan acérrimo de Django (del que valoro por encima de todo la increíble e ignorada interpretación de Leo DiCaprio), sigo teniendo a Tarantino en un pedestal, y como ardo de unas ganas brutales de ver YA MISMO The Hateful Eight, aquí traigo el #reflexionesdecine sobre mis 5 películas favoritas de Tarantino. ¡Vamos allá!

5. El hombre de Hollywood, la cuarta habitación de Four Rooms (1995)

Esto (pese a ser sólo el fragmento de una película dirigida a cuatro manos) es sin duda el trabajo más divertido de Tarantino. Sí que es verdad que en sus películas hay diálogos y situaciones con un humor negro muy particular, pero esta es su comedia más cercana al tópico, y si se me permite, es maravillosa. Des del primer plano-secuencia para enseñar la Suite del hotel hasta el director crecido interpretado por el propio Tarantino (su mejor papel hasta la fecha) y sus referencias a Hitchcock, pasando por las desfasadas interpretaciones de todos los integrantes de la escena, El hombre de Hollywood es una evidencia más de que en sus primeros trabajos se encontraba en un éxtasis creativo inigualable.

4.  Kill Bill: Volumen 2 (2004)

Ya lo avisé en mi crítica conjunta de los dos volúmenes de Kill Bill: el primero lo encuentro un ejercicio vacío de autocomplacencia, y comparar ambos volúmenes (o valorarlos como una experiencia única) es como comparar al Michael Jordan jugador de béisbol con el Michael Jordan jugador de básquet (o valorarlos en conjunto como una sola experiencia deportiva). En la segunda parte del díptico sobre la venganza sanguinaria de La Novia, Tarantino echó el resto y creó una de sus grandes obras. O como mínimo, una que lo tiene todo para serlo: inolvidables personajes (el complejísimo Bill de David Carradine y su hermano Michel Madsen), diálogos rápidos e irreverentes, pulso narrativo, una dirección espectacular y unas actuaciones magníficas. Lástima de esas largas secuencias con Pai-Mei que no hacen más que restarle dinamismo a una trama (ahora sí) absorbente a más no poder.

3. Reservoir Dogs (1992)

Quentin Tarantino malinterpretó (a sabiendas, de eso estoy seguro) a Maddona después de escuchar Like a Virgin, uno de los himnos pop de los años ochenta. Ocho años después del lanzamiento de la canción, el de Tennessee decidió darle una segunda vida, descuartizándola con una conversación a seis bandas en una cafetería que años más tarde sería testigo de las andaduras de El Nota y su compinche obsesionado con el Vietnam. El inicio para una carrera meteórica hacia el Olimpo del cine fue este "atraco perfecto" que va terriblemente mal. Su rotura de la narrativa de tres actos, su juego con el tiempo (abundan los flashbacks y los flashforwards) y el inicio de sus diálogos electrizantes y divertidos le sirvieron para hacer de Reservoir Dogs una sorpresa mayúscula que irrumpió en los espectadores como una bocanada de aire fresco en un momento en que el cine parecía estancado. Es sobre amor, no sobre pollas, Quentin.

2. Malditos Bastardos (2009)

Hacer una película re-imaginando la Segunda Guerra Mundial y cargarse a Hitler es una victoria máxima. Si en la primera escena de la película acumulas más tensión y miedo real que en décadas de cine de terror basado en jump scares sólo con la conversación entre un granjero francés y un general de la SS, y repites el proceso más tarde en un bar con un crítico de cine británico, una actriz alemana preciosa y otro general de la SS, es de levantarse y aplaudir. Y si en la escena final Brad Pitt te pone voz y anuncia que esta "podría ser mi obra maestra", es de sacársela en medio del cine y llorar de alegría mientras suena Ennio Morricone. Y esa es mi opinión profesional sobre Malditos Bastardos. Coñas aparte, se repiten los diálogos magistrales y la violencia, se combinan con la dirección más audaz del cine de Tarantino y dan lugar a una de sus clásicas películas de géneros difuminados. George Clooney intentó igualarla con Monuments Men. Fracasó estrepitosamente, porque esto es casi irrepetible.

1. Pulp Fiction (1994)

Se puede conocer a una persona sólo sabiendo su respuesta a la pregunta: ¿cuál es tu momento favorito de Pulp Fiction? Juguetones fans de la conversación sobre hamburguesas y masajes de pies entre Vincent y Jules, violentos seguidores de Marselus Wallace o de Jules en modo "I doubledare you, motherf*cker", difícilmente impresionables admiradores del increíble monólogo de Christopher Walken o los cañeros adeptos del Señor Lobo. Momentos y momentos, tantos como personas a las que preguntes, pero todos coincidirán en reconocer una cosa: Pulp Fiction, además de ser una de las mejores obras de cine jamás filmadas, desprende el mismo amor por el Séptimo Arte que Tarantino derrocha cuando crea polémica con sus diez películas favoritas del año, o cuando quiere hacer llegar ese 'cine escondido' de serie B (o Z) que sólo él y cuatro iluminados (en el buen sentido) han visto. Y eso, señoras y señores, no se puede explicar con palabras.

Crónica del Festival de Sitges - Sensaciones y Agradecimientos

[[Crónica de @marckwire21]]

La 47ª edición del festival internacional de cine fantástico y de terror celebrado en Sitges todavía no ha terminado, hoy quedan maratones a las que mi abono no me permite asistir. Realmente tampoco sé si hubiera podido aguantar un día más a este ritmo o quizás sí, ya que esto era lo que pensaba las últimas dos mañanas que he acudido. Pensar en que mi cuerpo no podría aguantar cuando sin darme cuenta ya estaba en la cola de la primera película del día. Cuando algo te gusta, cuando sientes pasión por lo que haces y por vivirlo desde dentro nada puede arrebatarte esa persistencia. Haces lo que haces porque te gusta, porque te divierte y porque te hace sentir vivo. Algo que personalmente necesitaba.

Mi primera experiencia en un festival de cine la podría resumir en una palabra: ENRIQUECEDORA. Cada día ha sido una lección de cine, en mayor o menor medida, un no parar de registrar datos en mi disco duro de 35 años y sobretodo una satisfactoria y alentadora forma de vivir el cine en una de sus máximas expresiones. Antes que nada, quiero dar las gracias a @judapris ya que sin su cortesía JAMÁS hubiera podido acudir y vivir esta edición del festival. Ricardo fue el ganador del concurso de los 2 abonos Matinée que propuso @mediumhoteles. Yo acerté todas las respuestas a la primera, pero no puse un punto delante del tuit para que todo mi TL lo viera. En la segunda tanda de respuestas, @judapris se adjudicó el premio por meritos propios, y su amabilidad le hizo compartir uno de los dos abonos, algo que nunca voy a agradecer lo suficiente. No todo el mundo lo hubiera hecho. Con él pude ver 'La distancia', algo que nos marcó a ambos de por vida.

Tras lo visto en toda la matinal de Auditori, donde se proyectaron un total de 33 películas, yo acudí a 31: me perdí 'Réalité' (algo de lo que me arrepiento profundamente tras ver las buenísimas críticas que ha recibido) y 'L'altra frontera'. Un balance más que aceptable para, primero, dar mis impresiones y seleccionar unas cuantas películas como las mejores y las peores del festival hablando con propiedad, y segundo, disfrutar de mi primera experiencia en un festival del calibre del de Sitges.

1.    MUSARAÑAS

2.    RELATOS SALVAJES

3.    THE WORLD OF KANAKO

4.    SORCERER

5.    THE GUEST

6.    YOUNG ONES

7.    MAPS TO THE STARS

8.    A HARD DAY

9.    IT FOLLOWS

10.  THE BABADOOK

...

27.  LA DISTANCIA

28.  KIKI'S DELIVERY SERVICE

29.  ANNABELLE

30.  JAMIE MARK IS DEAD

31.  POS ESO

El famoso The Fake, es decir, esa película que ha entusiasmado a todo el festival y a mi no es precisamente la ganadora, 'I Origins'. La sorpresa para mi es 'Young Ones', que llegó sin hacer ruido y está en muchos de los tops que se han visto en las redes sociales durante la duración del evento.

Si algo hay que no me haya gustado en todo lo vivido ha sido la incomodidad que ofrece el Auditori. Las butacas son arcaicas e impiden el visionado correcto de las películas obligándote a incorporarte y estirar el cuello cual jirafa para poder leer tranquilamente los subtítulos. Muchas de las ocasiones ya optaba por leer los que venían en ingles dado su mayor grosor y su incursión dentro de la pantalla. Los subtítulos en catalán y castellano simultáneos bajo la pantalla me parece una chapuza, e incluir además los ingleses y chinos o japoneses en algunas de locura total. Como prentenden que veamos una película con 4 subtítulos simultaneos a la vez? Es que es de locos! Entre esto y las butacas que no solo no te permiten disfrutar de la película sino molestar también a quien se sienta detrás por culpa de algunos que no tienen miramientos hacia quien se sienta detrás la incomodidad del recinto me parece lamentable. Y lo digo así porque no creo que un festival de este calado se merezca esta critica pero alguien tiene que hacer algo. Butacas y subtítulos incrementan en exceso el cansancio del espectador en un 200%. Y no mencionaré el espacio entre filas de butacas donde para dejar pasar hay que levantarse provocando un dolor de rodillas insufrible que termina por no saber uno como poner los pies. Así que señores del festival de Sitges, inclinen la superficie y pongan butacas donde no tenga que ver la cabeza de quien se sienta delante por muy alto que sea porque haberlas, haylas.

Otra cosa mas que no me ha gustado son las prisas. Ni ahora ni nunca. Lo de mostrar 4 películas en Auditori, seguidas y sin mas descanso que el camino que hay de salir de una y volver a la puerta para entrar otra vez me parece una salvajada. Ni puedes respirar, ni comer, ni beber, has de elegir si orinar o si comer, y ya si fumas es un horror. Incontables las ocasiones en que oído a mi estómago hablar más fuerte que los protagonistas en algunos films. Tampoco exijo 30 minutos, pero sí 20, sino, es insoportable, el subidón de sueño es progresivo y llegados al fin de la sesión matinal uno esta destrozado. Un baño para más de 500 personas es otro error grave y poner maquinas con bebidas a 2 euros la mas barata y siendo agua un atraco, por suerte y aunque lejos hay mas lugares donde comprar. Reduciendo el precio y habiendo mas agua y cafe para los asistentes, sean prensa o no hubiera hecho mas agradable las horas alli pasadas.

He tenido la suerte de prácticamente vivir la mayoría de proyecciones en Auditori junto a un grupo de personas y críticos de cine de una calidad humana impresionante. Y digo esto por lo abiertos, amables y simpáticos que fueron conmigo desde el primer día. Casualmente, días antes del festival pude conocer en persona a @JohnPrskalo, @Pappoe, @PaulPorcoRosso y @GammaTeruo en un preestreno que organizó Atresmedia de 'La isla mínima', aunque eso fue solamente un cruce de saludos y frases al final de su visionado. El primer día de festival coincidí con Jordi (@GammaTeruo) en la cola de 'REC 4', en la de público con entrada. De no ser por él hubiera tardado en darme cuenta que la cola para abonos se hacía en otro lado y era mucho mas corta y rápida que el resto. Jordi es muy humilde, un gran tipo con ganas de conversar de cine, muy buena persona, tanto humanamente como criticando una película. Durante el resto de días nos encontramos en varias ocasiones, en colas o en otros pases. Mas tarde empecé a sentarme con quien lo haría casi todos los días entre los que se encontraban John, David y Dani (@JohnPrskalo, @losthighwayblog y @Pappoe). Ha sido impresionante lo que he aprendido de ellos y su forma de ver o entender el cine. El carácter extrovertido de John es lo que más me ha sorprendido de él, un hombre con una grandísima experiencia no solo en cine, sino en la vida. Ha sido con él con quien mas tiempo he pasado del festival, ha sido un placer. David es un devorador de películas, más callado o menos efusivo que John y aun así un gran tipo, enormemente simpático  y abierto a todo tipo de cine, de personas y al que ha valido mucho la pena conocer. Dani me cae muy bien, solo fueron 2 días donde coincidimos pero se me los pase genial compartiendo fila de butaca con él. Ellos dos han sido literalmente mis guías en esta mi primera experiencia, sin ellos nunca hubiera tenido guardado un sitio decente, ya podía haber la cola que hubiera que yo tenía mi sitio, y a su lado. Detalles muy grandes para mi.

Junto a ellos, pude conocer a la mujer de David, Sandra (@Drikis5), la chica de la sonrisa eterna. Y es que, ¿qué hay que mejor que alguien a quien acabas de conocer te dé pie en una conversación  con varias personas? ¿Y si encima siempre tiene una sonrisa dibujada en la cara? Tampoco es que llegáramos a hablar mucho, pero fueron muchas risas en la cola con Dani y la apertura de la valla o el selfie improvisado preguntado con educación. A este grupo llego en los días finales un chico con barba acompañado de una chica. Se trataba de los responsables de @ElUltimoBlogIzq. Alex, que así se llama, y este que os habla, apenas cruzamos muchas palabras todo sea dicho, pero el estar rodeado de tantos bloggeros/críticos de cine hace que uno se sienta bien, entre amigos. Un gusto conocer a @ElUltimoBlogIzq.

Los citados anteriormente fueron con quien más tuve la ocasión de estar en esta edición pero no quiero olvidarme de otros como a uno de los editores de este blog y que ya conocía, @PaulPorcoRosso y su hermano Igor (@IgorLlongueres), con ellos vi 'Over Your Dead Body'. También a Javi de @CineDePatio una de las mañanas con el que intercambiamos algunas opiniones sobre lo visto hasta ese momento. No me olvido de Josep (@JoseppeM) al que pude estrechar la mano, tampoco de otros a los que no conocí en persona pero me hubiera gustado saludar ya que me hicieron más amenos los viajes en tren con sus tuits o fotos en Instagram como @ALascort, @elblogdesitges o @laprincesa_blog. Creo que también vi a @ahorafelizfeliz, @DomingoLopez72 y @Haraasshiii pero no hubo contacto más que visual. Me hubiera gustado saludar también a @gencinexin, @SitgesGossip, @PrimerPase, @DirectorsBlood, @despuesde1984 o @DamnedMartian. Pude disfrutar de algunas películas sentado al lado de grandes ídolos para mí como lo son Alex Gorina, o el mismísimo Carlos Pumares. Y una tontería pero que a mí me hizo mucha gracia tras lo comentado en Twitter el día anterior sobre la belleza de las chicas del staff, llegué a tener a mi lado a una de ellas en la proyección del clásico de Joe Dante. Quería cerrar mi asistencia al evento paseando por la orilla pero el sol se había ido y ya era demasiado tarde como para pedirle al cuerpo un par de horas mas, así que finalmente cerré mi cobertura de la 47 edición tomando café con @PaulPorcoRosso de @SiempreVO en un bar cerca de la estación, charlando de lo visto y de la experiencia de mi primer festival.

Me quedo con los recuerdos de las risas y aplausos vividos en 'The Guest', 'Musarañas' o 'Kiki's Delivery Service' junto a @JohnPrskalo, @losthigway, @Pappoe79 y @Drikis5. Me quedo con el episodio de la foto con Carlos Areces. Las colas para acceder a Auditori, tan llenas de comentarios de todo tipo, donde uno aprecia la cantidad de puntos de vista distintos que se puede tener sobre un mismo film. Los viajes en tren con @JohnPrskalo, pocos pero geniales, siempre llenos de risas y grandes comentarios. El mejor visionado o el más satisfactorio fue el de 'Relatos Salvajes', sin sueño, en compañía de John, con poca asistencia y sin cabezas inquietas. Puro placer. Talmente, el mayor abucheo vivido fue el de 'Annabelle', y la mayor espantada se la reparten 'Over your dead body', 'The Rover' o 'Jamie Mark is dead'. El filme más insoportable de aguantar, 'Monsters 2: Dark Continent'. Imposible olvidar la gran campaña de promoción del corto 'Dolls' haciéndole la competencia a la propia organización, impresionante así como imposible también es olvidar al hombre de seguridad de Auditori, el carisma personalizado, empezó con mano firme en las colas pero a medida que pasaban los días y todos nos íbamos conociendo resultó ser un tipo excepcional, con bromas a primeras horas del día mientras organizaba las colas al grito de: ¡2 colas por favor, hagan 2 colas! Lo menciono porque el trabajo realizado es digno de ello ya que apenas vi a gente de seguridad salvo a él, y dominar toda aquella marabunta bajo el sol a veces pudo ser insoportable. Al final consiguió llevarlo bien y finalizar los días allí con humor. ¡Chapeau! Ha sido en general una experiencia enriquecedora en todos los sentidos, me ha dejado con ganas de más, con muchas ganas de acudir el año que viene donde si todo marcha bien podré acudir como prensa y cubrir completamente el festival, no solo en la sección Auditori. He disfrutado contando mis vivencias diarias a modo de crónica diaria para @SiempreVO, reseñando todo lo que me era posible ver aunque el cuerpo fuera acumulando cansancio y sueño. ¿Ha sido duro? Sin duda, pero la sensación que tengo de realización personal es insuperable, me siento bien y me siento feliz con lo hecho, que podrá estar mejor o peor, pero he disfrutado visionando y escribiendo sobre ello. Me he metido intensamente en esta experiencia aparcando muchas otras cosas y no puedo estar más contento de todo lo vivido. Tanto que pienso repetir todos los años que me sea posible y  hacer lo imposible valga la redundancia para poder llevar a cabo semejante tarea. Recomiendo a todo amante del cine vivir algo así, cubrir un festival de cine, no solo se trata de Sitges, sino de cualquier festival del séptimo arte. Es algo que no se olvida y que queda grabado para siempre. Y si además tenéis la suerte como yo de hacerlo en uno que toca principalmente dos de tus géneros favoritos como el fantástico y el terror, lo disfrutaréis y viviréis muchísimo más.

Ayer terminé mi cobertura, no han pasado ni 24 horas y aún con todo el cansancio, sueño y demás complicaciones incluidas no puedo dejar de sentir mucha nostalgia y tristeza por su finalización. Mucha. ¡Nos veremos en #Sitges2015!

"La vida sin música sería un error"

Título: Begin Again (Can a song save your life?)

Director: John Carney

Guión: John Carney

Fotografía: Yaron Orbach

Año: 2013

Duración: 104 min.

País: Estados Unidos

Productora: The Weinstein Company / Exclusive Media

Reparto: Keira Knightley, James Corden, Mark Ruffalo, Adam Levine, Mos Def, Hailee Steinfeld, Catherine Keener, CeeLo Green

Crítica de @PaulPorcoRosso 

La vida sin música sería un error. -F. Nietzsche

La corta y dilatada carrera de John Carney, que cuenta en su filmografía con cinco filmes distribuidos a lo largo de 13 años de forma muy irregular, dio un vuelco en el año 2006 con su segundo largometraje, Once (Una vez), una historia de amor entre un cantautor callejero y una inmigrante checa vendedora de flores, que situaba su acción por las calles de Dublín banda sonora sentimental mediante. Su rotundo éxito catapultó al director hacia dos olvidables películas (una comedia y un thriller terrorífico) que sólo llegaron a estrenarse en Irlanda y que raramente podremos llegar a ver algún día a no ser que sea mediante su descarga ilegal. Begin Again (titulada originalmente Can a song save your life?) es la primera producción americana del director irlandés, que trata un tema parecido al de Once pero des de otra perspectiva diferente, con más presupuesto, un reparto lleno de estrellas de la actuación y del mundo de la música, y con la hipsteriana ciudad de Nueva York como telón de fondo.

"¡Mira! ¡el cantante de Maroon 5!"

En un garito perdido en las calles de Manhattan, un cantante rechoncho y de faz simpática que está ofreciendo un concierto, Steve (James Corden) introduce a la recién llegada a la ciudad Gretta (Keira Knightley) para que cante una canción que ella misma ha escrito. Sonrojada, sube al escenario y empieza a tocar no sin antes avisar de que "aún es un tema por pulir". La canción es ignorada por todos los espectadores que hay en el bar musical, menos por un hombre de pelo negro rizado con canas con pinta de vagabundo y notablemente borracho. Ese hombre no es otro que Dan (Mark Ruffalo), un famoso productor musical que ha quedado cautivado por su actuación y está dispuesto a convertirla en una estrella...

Cualquiera que haya visto Once vislumbrará en Begin Again algo parecido a la que es la mejor obra del director. Esta versión americanizada del éxito de 2006 no aporta nada nuevo ni a nivel argumental ni a nivel narrativo a la industria cinematográfica. Es más, incluso hay varios agujeros de guión en la trama, pero se convierte en una recomendable experiencia cinematográfica gracias a su temática. Begin Again derrocha amor por la música, por el cine y por el autor de ambos artes. Uno de los puntos fuertes es su crítica (algo ligera, todo se tiene que decir) al mundo de la producción musical: de como un disco grabado y pagado con el dinero del artista se distribuye y vende en tiendas reportando al artista sólo un 10% del valor que pagará el cliente. 

Hailee Steinfeld va creciendo en pantalla. Aquí, es una adolescente
 en su fase de putilla.

Pese a la magnífica química en pantalla de la que hacen gala Ruffalo y Knightley, y la fina voz que pone al servicio del filme Adam Levine, el romance que trata la película abraza el tópico. Esta oda a Nueva York, la música y el cine igual pedía un poco más de drama y un poco menos de convencionalidad. Por ejemplo, el alcoholismo del personaje de Ruffalo del que se nos dan varios atisbos, está tratado con pinzas, y desaparece de la misma manera que llega: de forma inexplicable. Este,  pero, tampoco es un inconveniente mayor a la hora de disfrutar el filme como lo que es: una simpática comedia romántica que ningún melómano que se precie puede perderse. La película nos conquista buscando en nosotros no la sonora carcajada sino la sonrisa cómplice sinónimo de que aquella producción lo está haciendo bien.

Al final estar tanto con Johnny Depp le ha servido para cantar bien...

Y, además, nos conquista con su música. La bella selección y producción musical de Gregg Alexander cautiva los oídos del público y los corazones de los personajes, genios musicales todos ellos. Incluso CeeLo Green parece dotado para la improvisación de hip-hop en su pequeño pero determinante cameo. El bello retrato de la ciudad de Nueva York (plasmado con el ojo clínico de Yaron Orbach) tiene sus puntos álgidos en los interludios musicales interpretados en medio de puntos icónicos que cualquier habitante de la ciudad o cinéfilo que se precie sabrá reconocer sin mucho esfuerzo mental. En definitiva: John Carney repite la fórmula que ataño le funcionó, pero está dotado de sobras para hacer que funcione pese a sus pequeños (aunque numerosos) fallos. No creo que pretenda ser la mejor película del año (que no lo es), pero pese a sus limitaciones funciona como vía de escape a un mundo donde los problemas parecen menos problemas: el mundo de la comedia romántica.

Lo mejor: sin dudarlo ni un momento, la banda sonora.

Lo peor: le hace daño ser una comedia romántica como muchas otras, y la constante cara de palo de Adam Levine.

Crítica original para Pandora Magazine