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[Una crítica de @PauGarcia179]

'La próxima vez apuntaré al corazón' es un retrato verosímil de un agente de la Gendarmería Francesa que oculta una doble vida como asesino en serie. El filme cuenta con una gran interpretación del protagonista, Guillaume Canet (nominado al Premio César), que consigue desaparecer detrás de su personaje. Es fácil entrar en la película y olvidar que estamos viendo un relato ficcionalizado (está basado en hechos reales): los apartados técnicos aprueban con nota, la época (finales años 70) es representada con verosimilitud y los actores cumplen con solvencia. Y aun así, a pesar de que individualmente todos los aspectos de la película merecen el aprobado, como conjunto -y esto es algo totalmente subjetivo- no funciona. 


'La próxima vez apuntaré al corazón' crea una atmósfera turbia a base de mostrar el asesino cometiendo sus crímenes. Aunque se base en hechos reales, no es excusa para que la película sea previsible o resulte repetitiva, y ambos problemas acaban lastrando el film. Es verdad que no es fácil poner de protagonista a un asesino y lograr que el público siga la trama con entusiasmo e implicación emocional; lamentablemente, Cedric Anger (director y guionista) falla en ese propósito. La película es fría, gélida como el propio protagonista. Esto no sería enteramente un problema si hubiera otros elementos interesantes que consiguieran mantener el interés del espectador pero, desgraciadamente, aquí no los hay o servidor no los ha sabido ver. No hay suspense ni intriga posible, el resto de personajes son meros esbozos y no hay posibilidad de empatizar con ellos: los padres y hermano del protagonista apenas tienen minutos de metraje, insuficientes para tener siquiera algún atisbo de interés dramático, y los compañeros de trabajo son simples comparsas narrativos, piezas necesarias para el correcto desarrollo de la trama. A modo de ejemplo: uno de los gendarmes resulta herido, lo perdemos durante buena parte del metraje mientras se recupera y cuando lo volvemos a ver apenas recordamos de quién se trata.  


A pesar de los esfuerzos de Guillaume Canet, no hay inmersión psicológica del personaje, nunca llegamos ni siquiera a la superficie de su personalidad y aunque se sugieren los motivos por los que asesina, Cedric Anger (director y guionista) no consigue adentrarse en su mente y transmitir al espectador lo que pasa en la cabeza del asesino. Es cierto que hay algunos detalles positivos que sugieren la gran película que podría haber sido: las visiones del asesino, su conexión con la naturaleza, cierta complejidad en el personaje femenino o el encuentro frustrado con una prostituta. Son elementos que, con un poco más de profundidad y metraje y en manos de un director como Denis Villeneuve, hubieran acabado formando una gran película. 

Para gustos, películas: habrá quienes consigan conectar con la película; quizás sabrán apreciar una profundidad psicológica que yo no he sabido ver y disfrutarán de la atmósfera creada por el director. Sin embargo, el que esto escribe no ha salido contento de la sala de cine y no ha tenido suficiente con una película ejecutada de forma notable y con una buena interpretación de Guillaume Canet. En Francia fue un éxito en taquilla debido a la presencia del conocido actor, y aunque soy consciente de que se trata de una película correcta (al contrario que en otras películas, no se puede hablar de filme malo o fallido), no he encontrado suficientes elementos positivos que me permitiesen disfrutar de este relato cinematográfico. 
[[Crítica de @marckwire21]]
'Tengoku to Jigoku', más conocida por 'High and Low' o 'El infierno del odio' como se tradujo aquí en España, es una película de 1963 dirigida por el japonés Akira Kurosawa. El brillante director asiático se encontraba casi al final de su carrera con un Óscar ya bajo el brazo por 'Rashomon' y más de 20 títulos a sus espaldas entre los que destacan 'Yojimbo', 'Los siete samurais', 'Trono de sangre' o 'El idiota'. Estas dos ultimas junto a 'Barbarroja', 'Dersu Uzala' y la cinta que nos ocupa hoy, 'El infierno del odio', son las cinco adaptaciones de novelas que Kurosawa dirigió en toda su carrera de un total de 32 películas. Poco más de 50 años tenia el realizador japones cuando adaptó este thriller policial -también participó en el guión- basado en la novela escrita por Ed McBain (seudónimo de Salvatore Lombino) en 1959, 'King´s Ransom' ('El secuestro del rey'). La fotografía en un perfecto blanco y negro corre a cargo de Asakazu Nakai ('Throne of blood', 'Dersu Uzala', 'Ran') junto a Takao Saito y la banda sonora es obra de Masaru Sato ('Yojimbo', 'Sanjuro').

Un importante directivo perteneciente a una empresa de zapatos, Kingo Gondo (Toshiro Mifune) celebra en su casa una reunión con algunos de sus compañeros para debatir el futuro de la empresa ya que dispone de la mayor parte de acciones de la misma. Al término de esta, recibe una llamada donde le dicen que su hijo ha sido secuestrado exigiéndole un rescate millonario. Las dudas llegan a la mente de Gondo, pues necesita ese mismo dinero para poder hacerse con el control de una empresa en la que ha invertido toda su vida.


Ejemplar y cuidado thriller policíaco exhaustivamente detallado sobre el secuestro del hijo de un gran empresario con brillante dirección de Kurosawa. Podemos dividir las más de 2 horas que dura en dos capítulos. Por desgracia el mejor es el mas corto. Por suerte, es el primero. Durante una hora exacta el director japonés pone todos los elementos en escena. Empieza con un prólogo ideal para dejar claro la personalidad de Gondo (Mifune), un hombre maduro, recto, serio, enteramente dedicado a su trabajo sin un resquicio por el que dejar caer una pizca de humanidad. Así nos lo vende Kurosawa al inicio, pero la evolución del personaje de Gondo en la trama es brutal. La escena cuando prepara él mismo el maletín con todos de pie rodeándole es genial. Toshiro Mifune está realmente creíble enfundado en su traje de la vida, en su uniforme oficial bajo el cual nadie es capaz de llevarle la contraria hasta que los acontecimientos se suceden. Este prólogo nos trae también el momento del secuestro, en nuestras propias narices, sin ni siquiera haber digerido toda la información de la reunión. El ritmo en este 'primer acto' es bárbaro, no hay momento de respiro, prólogo, presentación de resto de personajes y nudo argumental. Todo en un escenario, la casa de Gondo. Vemos distintas habitaciones, pero en esa primera hora la cámara no abandona la casa, que además, permanece con todo cerrado por razones que no voy a desvelar. 



Un escenario, 5 personajes, 6 a lo sumo contando solo los importantes, cortinas echadas y nervios a flor de piel a un ritmo incesante. Por si esto no fuera bastante hay un giro brutal en los primeros 30 minutos que descolocara de una manera tangible las ideas que Gondo tenía para rescatar a su hijo e incluso su propia forma de ver la vida. Tenemos a Gondo, el padre, interpretado por Toshiro Mifune, el niño se llama Jun (Toshio Egi) y la madre Reiko (Kyoko Kagawa). A ellos hay que añadirle los integrantes del grupo policial que aparecen en escena de una manera excelente y sorprendente. Pese a ser más de 10, el guión solo da texto a unos pocos que serán los encargados de llevar ante la justicia al secuestrador. Son, al mando el detective jefe Tokura (Tatsuya Nakadai), Arai (Isao Kimura), Bos´n Taguchi (Kenjiro Ishiyama) y Nakao (Takeshi Kato). Solo el primero, el jefe Tokura, será quien disponga de más frases. En total no más de 6 personajes en escena siempre incluido el secretario del señor Gondo, Kawanishi (Tatsuya Mihashi), que sólo está los primeros 40 minutos. De todos quien más destaca es Toshiro Mifune pero quien gana en protagonismo por goleada es la brillantez del conjunto. No, no he citado a dos personajes que quien haya visto la película habrá notado. Es mejor así.


Después de producirse el intercambio entre secuestrador y Gondo en la única escena que la acción se traslada fuera de los muros de su hogar a otro lugar cerrado como es un tren, Kurosawa funde a negro. El plano siguiente es la propia casa del empresario vista de fuera. Ya estamos fuera. Es hora de buscar al asesino. Durante este tramo hay escasas escenas dentro de la casa. La acción pasa a las calles, a la búsqueda del secuestrador exprimiendo para ello todas las posibilidades que van ofreciendo las pistas encontradas. Puedo asegurar y aseguro que hay pocas por no decir ninguna película que muestre tan detalladamente la búsqueda de un criminal de esa manera. Más de 20 personas en parejas de a dos cada una de ellas encargada de un detalle, sacándole jugo a todas las pistas. Increíble la escena en que todos entregan el reporte de lo averiguado. No parece que el ritmo vaya a decaer pero lo hace hasta el punto de no haber un clímax suficientemente bien creado en la captura del secuestrador. Kurosawa alarga innecesariamente escenas que de ser más cortas (discoteca o la propia captura final) podrían haber aligerado la carga del film y hacerlo mas dinámico. Aun con todo eso el arranque del segundo acto es fabuloso y hay escenas muy logradas como la del doble seguimiento en coche con el niño, la de la comisaria con la presentación de los reportes, el famoso humo rosa (efecto imitado años mas tarde por Spielberg en 'The Schindler's List') o el propio final con ese impresionante cara a cara entre padre y secuestrador mientras se reflejan sus rostros en el cristal.



Excelente thriller policíaco con un alto nivel de detalle en todos sus aspectos, desde personajes hasta planos con segundas lecturas. Una critica lejana a la desestabilización social y de clases provocada por la enorme recuperación económica tras su participación en la 2a Guerra Mundial. Claramente va de menos a más y el clímax de la captura se deja para el final con el cara a cara. Una conversación breve que muestra a un secuestrador poseído por un odio y una envidia capaces de llevar a cualquier ser humano a cometer actos desesperados. Gondo queda estupefacto siendo consciente de los sentimientos del criminal pero sin poder articular palabra ni pensamiento que lo haga comprender totalmente que hizo mal para provocar tanto odio y envidia en él. 


Lo mejor: Su 'primer acto' es perfecto. De manual. Como estar viendo una gran obra de teatro en primera fila. Toshiro Mifune de 10.

Lo peor: Pese a tener mas acción que el primero, el segundo acto se diluye por culpa de la duración de algunas escenas. Se pierde el interés en la búsqueda nocturna.
[[Crítica de @marckwire21]]
Lo primero, mi crítica está hecha sin haber leído la novela, a partir de aquí, continuo. Irvine Welsh escribió la nombrada en la que se basó 'Trainspotting' de Danny Boyle en 1993, después llegarían 'Marabou Stork Nightmares' en el 95 y 'Filth' en el 98. 'Trainspotting' sólo tardó tres años en ser adaptada al cine con gran maestría por Boyle mientras que esta adaptación de Jon S. Baird llega 16 años después. Con esto quiero remarcar además del tiempo transcurrido y lo cambiante de esta sociedad lo fuera de lugar que pueden quedar algunos de los temas expuestos. Estos temas, personajes o situaciones por aquel entonces hubieran causado un gran impacto en la sociedad cinéfila pero a día de hoy y tras varios otros filmes sino iguales pero si parecidos en ciertos puntos el impacto no es tal, y queda como algo desfasado. Puedo afirmar tranquilamente que de no ser por la impecable actuación de su protagonista James McAvoy y el ritmo fluido, que no intenso, que posee la cinta, estaríamos ante una película más dentro del género 'policía pasado de vueltas'. El más claro ejemplo lo tenemos con nuestro querido Torrente. Las comparaciones son odiosas, de acuerdo, pero existen. ¿Porqué tenemos que desmerecer a infravalorar un personaje como Torrente y alabar a uno escocés? No lo entenderé nunca. Si tras ver 'Filth' pensáis que del personaje que interpreta McAvoy se pueden llegar a hacer 4 secuelas con gran afluencia de público, es que no hemos visto la misma película. Y no sólo está 'Torrente', también tenemos a Jean Reno en 'Wasabi', o a Willis en 'The Last Boy Scout' por decir una, quiero decir, que lo del policía pasado de rosca en sus está demasiado visto, demasiado gastado como para que llegue a interesar lo suficiente.

Ni digo que es peor que las citadas antes ni mejor, simplemente olvidable, más de lo mismo pero con el agregado dramático, imaginaros una versión de Torrente con mucha carga dramática, un final interesante y una banda sonora, o mejor dicho selección de temas, ramplona y vaga. Pues eso es 'Filth'. Querría hacer hincapié en la música. Clint Mansell a los mandos: caída de un mito. Admiro a este compositor, mucho, pero su selección de temas para la película me parece horrorosa, no por la calidad de las canciones elegidas  sino porque parece que la única función que tienen, al margen de ir su letra acorde con lo que vemos, es la de ayudar al espectador a no dormirse del aburrimiento mientras llega otro momento exaltado de McAvoy. Creo sinceramente que una banda sonora creada exclusivamente para el film, con ese toque tan oscuro que sabe darle Mansell hubiera dotado a éste de más seriedad, empaque o consistencia que es lo que parece más escasea. Entras al cine teniendo algo que te ronda la cabeza sobre cualquier otro tema y en cuanto salgas volverás a ese tema como si nada de lo visto hubiera trastocado algo dentro. No cuenta nada que no hayamos visto antes. 



Su tono dramático y oscuro en ocasiones la hacen distinta al resto (que no única) y el final anti-Hollywood es tan original como previsible. Si me ha gustado ese mundo surrealista que aparece en momentos puntuales donde McAvoy ve a ciertas personas como animales, algo lejanamente parecido a lo que vi en los créditos iniciales de 'Relatos Salvajes'. Desconozco como se ve ese Edimburgo en la novela de Welsh pero desde luego en la película no tiene presencia en absoluto. No voy a negar que tiene un gran toque de comedia negra, pero en ocasiones se excede o simplemente, no hace gracia. La escena con la menor me parece grosera a más no poder y no, no es que me escandalice por todo ni sea un beato, es que no hace gracia. No hace mucho vi 'The world of Kanako' y su crítica es igual o más cruda que la de ésta, y en ella se destilan buenas maneras, aquí su director pretende que le cojamos asco al personaje, que lo veamos como se ve él, como un cerdo. Y lo consigue, sobradamente. Ese toque retorcido, negro y oscuro se mantiene hasta el final, aquí no hay moralinas que valgan. La película fluye a su ritmo, apoyada en las oportunas canciones seleccionadas hasta su final crudo. Detalles frikis: aparece en un papel secundario el doctor Fitz de 'Agents of S.H.I.E.L.D.', el actor Iain De Caestecker; curiosos también los créditos finales, no os los perdáis, mejores que los insulsos iniciales. En definitiva, el segundo trabajo de Jon S. Baird es una comedia muy negra con tintes dramáticos, surrealistas y un final digno de thriller pero nada más, totalmente olvidable en su conjunto salvo por la actuación de McAvoy.

Lo mejor: McAvoy


Lo peor: No cuenta nada nuevo, película desfasada a su tiempo. Final tan original como previsible
Crítica de @PaulPorcoRosso
Como ya dije cuando hablé de El Amanecer del Planeta de los Simios, el extendido uso de secuelas en el cine ha acabado con la originalidad de los autores y su experimentación en universos creados. Parece que ninguno de los cuatro guionistas (el mismo Jonah Hill, Michael Bacall, Rodney Rothman y Oren Uziel) lo sabía, y con Infiltrados en la universidad han mejorado la experiencia, convirtiéndola en un paraíso del metacine y autoparodia: el personaje de Wyatt Russell, algo así como un Patrick Swayze que no surfea pero sí juega al fútbol americano; la recurrente referencia a la falta de presupuesto; el último tramo de película, spring break fotografiado de una forma que lo hace ser deudor de la película de 2012 de Harmony Korine, con sus colores chillones, sus ritmos dubstep, sus cámaras lentas y sus fiestas en la playa; algunas referencias a la interminable saga Arma Letal con sus correspondientes 'I'm too old for this shit'; pantallas partidas a modo Brian de Palma; Jonah Hill conduciendo un Lamborghini como Batman; el momento Benny Hill.

En esta segunda película (con un hilo argumental casi idéntico al de Infiltrados en clase), Jenko y Schmidt vuelven a ser agentes de Jump Street. La base secreta ya no se encuentra en el número 21, ni está coronada por un Jesús coreano: ahora se han mudado a la acera de enfrente, al número 22, y es una base de súper-tecnología con presupuesto ilimitado coronada por un Jesús vietnamita. Esta vez deberán infiltrarse en una universidad (para colmo, usando las mismas identidades que cuando se infiltraron en el instituto) donde recientemente ha habido un muerto por sobredosis de una nueva droga, para así encontrar al camello y eliminar una posible amenaza para todas las universidades del país. Si Infiltrados en clase no tenía ningún miedo de reírse de sí misma en todo momento, Infiltrados en la universidad se parodia a ella, a su hermana de 2012 y a la serie original de Johnny Depp en cada escena. Como Malditos vecinos (que allá por su estreno me atreví a catalogar como la gran comedia de 2014), este deleite cinéfilo no deja ni un respiro para las risas. Los gags bien trabajados se suceden uno tras otro, e incluso en las escenas de vertiente más dramática Bacall, Hill, Uziel y Rothman se las ingenian para confeccionar unos diálogos con dobles sentidos que también arrancan una sonrisa al espectador.

Como no se cansan de insistir constantemente, como si de despiadados ejecutivos de Hollywood se trataran, tanto el personaje de Ice Cube (que repite en su papel de comandante negrata con mala uva -comandante Dickson) como el de Nick Offerman a los sufridos protagonistas Chaning Tatum y Jonah Hill (que demuestran por segunda vez consecutiva ser una pareja cómica de equívocos impagable, con una química espectacular y con un talento natural para el slapstick y la comedia física), esta vez sólo tienen que hacer lo mismo que la otra vez. Y los directores y guionistas se lo toman al pie de la letra: nos hacen disfrutar tanto como niños pequeños, y nos hacen desear que, por favor, Tatum y Hill vuelvan a formar pareja bajo las órdenes de Miller y Lord. Si os gustó Infiltrados en clase, no os perdáis Infiltrados  bajo ningún concepto. Si no la habéis visto, tardáis en alquilarla en el videoclub más cercano.

Lo mejor: la sátira y quema sobre y de la posibilidad de futuras secuelas en los títulos de crédito. Hill no quiere hacer de Infiltrados en una especie de Arma letal en cuanto a calidad se refiere.
Lo peor: nada remarcable.

*FUTURO-FICCIÓN* - tras el fichaje y consiguiente éxito de James Gunn en la factoría Marvel con Los Guardianes de la Galaxia, ¿no sería delicioso que Lord y Miller dirigieran alguna película? ¿Qué tal como sustitutos de Joss Whedon en las películas de Los Vengadores?

Título: 22 Jump Street
Director: Philip Lord, Chris Miller
Guión: Jonah Hill, Michael Bacall, Rodey Rothman, Oren Uziel
Fotografía: Barry Peterson
Año: 2014
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Productora: Columbia Pictures / Sony

Reparto: Jonah Hill, Channing Tatum, Dave Franco, Jimmy Trato, Peter Stormare, Ice Cube, Amber Stevens, Chris Parnell, Wyatt Russell, Bill Hader, Jillian Bell, The Lucas Brothers, Craig Roberts, Marc Evan Jackson, Nick Offerman, Anna Faris
Crítica de @PaulPorcoRosso
Lars von Trier sorprendió a público y crítica internacionales con su enorme talento e imaginación en 1984, con apenas 28 años de edad. Es pues, The Element of Crime, el estudio de una mente deteriorada por sucesos traumáticos, que, aparte de contar una historia ciertamente interesante con mucho criterio, ahonda en la podredumbre del viejo continente y nos muestra ciudades a cada cual más deprimente e inundada de crímenes y depravación sexual.

El detective Fischer (Michael Elphick) se encuentra en El Cairo en la consulta de un psicólogo (Ahmed El Shenawi), para una regresión hacia el último caso que ha investigado en Europa, cuyo final traumático le impide recordar. Para este caso, él se puso en contacto con Osborne (Esmond Knight), maestro y mentor, y escritor del método deductivo "El Elemento del Crimen", basado en el estudio del criminal para conocer sus pautas y anticiparse a sus movimientos. El caso, los crímenes de la lotería: Harry Grey, asesino de niñas vendedoras de lotería.

Vi The Element of Crime por primera vez este verano, fruto de una recomendación de mi hermano, que me dejó el DVD de su videoteca personal. Al final del primer visionado, debo reconocer que me quedé anonadado ante lo que había ocupado todos los pensamientos de mi cerebro durante la poco más de hora y media que dura el filme. Después de un segundo visionado, la densa trama del filme de debut en la dirección de Lars von Trier (por el que ganó el Premio Técnico en Canes) me es más fácil de deshilachar, ya que consigo dejar de lado el apabullante apartado visual experimental del filme, obra del director de fotografía (digno de mención) Tom Elling. Ese tono ámbar/sepia que inunda la pantalla durante lo largo (y ancho) del metraje resulta significativo por el hecho de que realmente da la sensación de relato hipnótico-onírico, y ayuda a la creación de un ambiente caluroso y denso, dándole a la tonalidad un sentido narrativo: el detective Fisher cuenta la historia desde la ciudad de El Cairo, y en plena ola de calor.


También cabe alabar el espectacular uso de la cámara del de Copenhague, rompedor en esa época, que no le tiembla nada el pulso al pasar de un plano medio a uno cenital mientras el guión sigue con sus virguerías existencialistas, vocalizadas por el detective Fisher, o al regalarnos un travelling de altura en busca de un cuerpo inerte. Y, es que, además de la brillantez técnica del filme, von Trier es capaz de contar una muy buena historia, a la que dota de un creciente suspense mediante montaje y un buen guión. Sumado a esto, el filme representa una extraña y severa visión del danés de una Europa que le atormenta, y ve inundada de decadencia, descomposición y podredumbre.

En definitiva, un buen filme para los que no les importe pensar en lo que están viendo y dejarse perder por hipnóticas imágenes de bella forma, y imperdible para los amantes de Lars von Trier. En él, podrán encontrar su espíritu más rompedor de moldes cinematográficos.

Lo mejor: la habilidad técnica para filmar, fotografía y el hecho de que sea un filme de bajo presupuesto rodado en alcantarillado y fábricas abandonadas.
Lo peor: le cuesta un poco arrancar y coger ritmo, por lo cual puede aburrir hasta la exasperación al gran público.


Título: Forbrydelsens element (The Element of Crime)
Director: Lars von Trier
Guión: Lars von Trier, Niels Vorsel
Fotografía: Tom Elling
Año: 1984
Duración: 103 min.
País: Dinamarca
Productora: Per Holst Filmproduktion / Det danske Filminstitut

Reparto: Michael Elphick, Esmond Knight, MeMe Lai, Jerold Wells, Ahmed El Shenawi, Astrid Henning-Jensen, Janos Hersko, Stig Larsson
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