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[[Crítica de @PauGarcia179]]

Después de debutar con The Duellists, Ridley Scott, haciendo gala de una admirable ambición, se embarcaba en el monumental proyecto que acabaría convirtiéndose en una obra maestra de la ciencia-ficción: Alien. Scott, que como nos explicaba @PaulPorcoRosso en su crítica de The Duellists, proviene del mundo de la publicidad (con 2000 anuncios a sus espaldas, según el propio director), consiguió defender su visión a la vez que respetaba el gran guión perpetrado por Dan O'Bannon. A diferencia de David Fincher, que debutó con la segunda secuela de la saga, el responsable de Gladiator no tuvo problemas en rodar otra portentosa película después de su aventura espacial, Blade Runner, mientras que el por aquel entonces joven Fincher declaró, a causa de su mala experiencia con su ópera prima, que no volvería a rodar una película en su vida. Afortunadamente tres años más tarde se tragaría sus palabras filmando la imprescindible Seven. 

La nave comercial de nombre Nostromo prepara su viaje para volver a casa. Sin embargo, el ordenador central detecta una extraña transmisión de una forma de vida desconocida procedente de un planeta inexplorado, así que los tripulantes del Nostromo se dirigen al planeta para investigar el origen de la transmisión. 


Durante los primeros 45 minutos de Alien, no hay terror, ni sustos ni alienígenas. Ridley Scott filma con paciencia la cotidianidad de la nave, logrando describir un ambiente y unos personajes verosímiles con los que podamos empatizar. En ese sentido, la discusión de las primas por parte de Parker y Brett (los dos ingenieros) resulta paradigmática de esa cotidianidad que guionista y director recrean magistralmente. El realismo conseguido en los primeros minutos resulta clave, no solo para una mayor identificación con los personajes, sino para crear un mayor suspense en el espectador con esa espera hasta la aparición del monstruo. Después de media hora sin señales de monstruos o aliens, el espectador puede relajarse en su sillón o en la butaca del cine hasta que, inexorablemente, el monstruo aparezca y los nervios afloren. 

Sin embargo, cuando la nave aterriza en el planeta y tres de los tripulantes salen a investigar, descubriendo los restos de una civilización aparentemente extinguida, volvemos a predisponernos ante la más que probable aparición del monstruo. Y finalmente el monstruo aparece, y nos preparamos mentalmente para ese viaje terrorífico a bordo del Nostromo. Antes de que se presente en su más conocida y terrible forma avanzada, parece que las cosas se arreglan. Kane (John Hurt) se encuentra mejor y pueden disfrutar todos juntos de una agradable comida volviendo a la confortable cotidianidad… o más bien no. Es entonces cuando tiene lugar una de las escenas más memorables de la película, de la ciencia ficción y de la historia del cine, que todos –seamos más o menos cinéfilos- hemos visto muchas veces y que se ha convertido, sin duda alguna, en un una de las imágenes más icónicas del Séptimo Arte.


A partir de ahí, no hay marcha atrás. La ilusoria cotidianidad se ha ido para siempre, y el octavo pasajero ha venido para quedarse. Se acabó la calma, y empieza el verdadero terror. A pesar de las pocas posibilidades de éxito, los tripulantes se convencen de la viabilidad de eliminar al peligroso alienígena, aunque nosotros nunca lo acabamos de tener claro. Y finalmente se presenta, el terrible e implacable alien en su forma avanzada que hiela tanto los corazones de los personajes como los nuestros, y secretamente nos congratulamos de nuestra suerte por estar en el confortable sofá (o en no la menos cómoda butaca de cine) y no en esa terrible pesadilla espacial. Un alien diseñado genialmente por H.R. Giger, fallecido en mayo de este año, y que se erigió como una de las claves del éxito de la película, pues tiene gran parte de culpa del terror que provoca esa espantosa criatura. 

Alien es una obra maestra de la ciencia ficción y del terror, con un suspense terriblemente bien conseguido y con unas grandes interpretaciones reforzadas por esa cotidianidad inicial que ayuda a dar vida y realismo a los personajes que luego se enfrentarán, inevitablemente, a ese alien diseñado por H.R. Giger y llevado a la gran pantalla magistralmente por Ridley Scott. 

Título: Alien
Director: Ridley Scott
Fotografía: Dereck Vanlint & Denys Ayling
Guión: Dan O'Bannon
Año: 1979
Duración: 116 min.
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Fox / Brandywine Productions
Reparto: Sigourney Weaver, John Hurt, Yaphet Kotto, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, Ian Holm


Título: Gattaca
Director: Andrew Niccol
Guión: Andrew Niccol
Fotografía: Slawomir Idziak
Año: 1997
Duración: 106 min.
País: Estados Unidos
Productora: Jersey Films / Columbia Pictures
Reparto: Ethan Hawke, Uma Thurman, Jude Law, Loren Dean, Alan Arkin, Gore Vidal, Xander Berkeley, Elias Koteas, Ernest Borgnine, Tony Shalhoub, Blair Underwood, Maya Rudolph, Lindsey Ginter, Jayne Brook

Presentada (y gran vencedora) en la 30 edición del Festival de Sitges, en el ya lejano 1997, Gattaca es la mejor obra y a la vez la opera prima del director (y guionista) Andrew Niccol. El neozelandés, después de dirigir spots publicitarios en Londres, se mudó a Los Angeles para triunfar en la industria del séptimo arte. Le fue negada la dirección de su primer guión, The Truman Show (por el que ganó el BAFTA en 1998), y su respuesta fue la película de culto de la que hablo en esta crítica.

Gattaca es la historia clásica de superación a varios niveles. En una sociedad futurista en la que el esperanto está extendido (lo único en lo que se equivoca Niccol), en el que sólo se puede ser perfecto, y se separa a la gente por estratos genéticos, las ansias de conocimiento de un hombre 'no válido' (pero siempre ansioso por superar "la última frontera"), Vincent, le llevan a romper barreras en todos los ámbitos. El argumento, además, es duramente realista y tremendamente atemporal dentro del marco de la ciencia ficción. Gattaca no va a quedar demodé, y salvando las distancias (que son muchas y muy grandes) podría ser nombrada como la 2001 de la década de los noventa. Inspiró e innovó a partes iguales.

El ADN, la escalera de caracol de Vincent.

Técnicamente, la confección de la sociedad futura en la película marca el inicio de una tendencia que se ha extendido hasta el cine actual: el minimalismo como buque insignia. Un estilo decorativo cuestionable, pero que en este caso aporta información a la trama, hablando más que muchos personajes sobre la sociedad del momento. Es fría, distante, sin adornos, metódica, casi robótica. Pero, dentro de la frialdad de las casas y los ambientes de trabajo, la fotografía aporta un plus de color, de calidez. Una suerte de baño de luz reconfortante, muy evidente en las escenas que comparten Ethan Hawke y Uma Thurman. Dos personajes cuya historia romántica (aunque bonita) es lo peor de una cinta de muy buena calidad.

¿Quién es Vincent? Y lo más importante, ¿qué es Gattaca? Vincent es el nuevo Victor Català, aquella mujer que escribió bajo el nombre de un hombre grandes novelas en una sociedad machista. Y Gattaca es el sentido de la vida comprimido en una cadena de siete bases nitrogenadas. El código genético de nuestra existencia, la sociedad, y la muerte en silencio, expresado en un lenguaje Universal: el cinematográfico. Ácido desoxirribonucleico trabajando para ser aún mejor de lo que a priori puede llegar a expresar. Pero sobretodo es una película para olvidar que Andrew Niccol es el hombre detrás de The Host.

Lo mejor: diseño de producción, fotografía, guión, Jude Law. Si no has visto este clásico moderno de sci-fi, ¿a qué esperas?
Lo peor: que sea lo máximo que nos pueda ofrecer Niccol.


P.S.: ojo a la aparición estelar (y momentánea) de Dean Norris antes de Breaking Bad. ¡Sorpresa!
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