Siempre en VO: @AdriNaranjo2

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Norma número uno para la adaptación: si te ha gustado un libro, recomiéndalo; sólo adapta cuando tengas algo que aportar. El problema con Madame Bovary no es que la respuesta sea un rotundo no, sino que en ningún momento da la impresión que se hayan planteado tan vital pregunta.

La honestidad obliga a dar un primer aviso: desconfíen del cartel, el trailer o cualquier producto nacido de la maquinaria publicitaria. ¡Nada! El impactante plantel de actores es una falacia de dimensiones bíblicas. No sólo tienen más nombre que calidad, sino que encima algunos firman aquí uno de sus peores trabajos. Mia Wasikowska (ya se cargó a Lewis Carroll y ahora va a por Flaubert. Está claro que esta chica no sabe leer guiones) y Ezra Miller (que, sinceramente, tiene su gracia en The Perks of Being a Wallflower) compiten con uñas y dientes por ser nombrados los peores actores jóvenes del momento. El único que se salva es el siempre solvente Giamatti; pero cinco minutos de Giamatti no compensan las dos horazas de agonía interpretativa.

Aún así, el fallo principal no es suyo, sino de una dirección, y sobretodo un guión, que aparecen sin rumbo; destinados a una deriva incierta y desoladora. Lo peor es que empiezan con inventiva y originalidad; el primer plano, inestable, agitado, nos augura un prometedor festival de lenguaje cinematográfico. De Tarkovsky a Haneke, de Ozu a Kiarostami; todos los maestros han sido conocedores de la importancia del plano inicial; como era de suponer, Barthes (no mezclar con el queridísimo Roland; nada que ver; más le gustaría a esta Sophie tener una gota de su sangre) no iba a seguir los pasos de los mencionados. La frescura sólo dura eso, unos segundos, un mísero plano. Desde entonces todo adopta una insulsa planificación estática sin emoción, sin voluntad estética, sin alma, sin cine.

Sonido y luz (sería muy osado llamarlos dirección de sonido o dirección de fotografía) tampoco tienen otra intención que la de perpetuar la moda de abusar de los contrastes y las altas definiciones hiperrealistas. Si les gusta esto, si realmente es su cosa, vayan a ver a Tom Hooper y eviten las imitaciones dignas de mercadillo. Otra vez la misma soporífera dinámica que ya nos desoló en la fallida Far from the Madding Crowd de Vinterberg; otra adaptación sin ritmo que destrozó el corazoncito de los que aún creíamos en el matrimonio cine-literatura.

Si no tuviéramos suficiente con estos despropósitos perpetuados por los aspectos técnicos, encima se mancillan los elementos transferibles de los que hablaba McFarlane en los noventa. Y aquí ya nos vemos obligados a parar con la condescendencia y empezar a usar palabras gruesas. Una cosa es violar el noble arte del cine haciendo cine; un acto suicida lamentable, pero, al final y al cabo, inofensivo. Otra cosa muy diferente es mearse directamente encima de la literatura. El mensaje de Flaubert queda tergiversado por un proceso de simplificación que da, sencillamente, asco. Todo queda reducido a un “la donna e mobile qual piuma al vento” que da ganas de adoptar una estricta censura cultural que no permita estas barbaridades. La trama queda en una burda historieta de enredos románticos que llevaría hasta la nausea a la mismísima Jane Austen. Además, Sophie Barthes (máxima responsable del desastre), insiste en abusar del beso; algo que, si se usa con cabeza y sentido común (que se vuelve a demostrar que es el menos común de los sentidos), puede ser el mejor recurso que existe; aquí solamente produce repulsa. Las escenas de cama son la cosa menos erótica o pasional del mundo; dan ganas de no volver a tener contacto humano en la vida. El esperpéntico final, al que no se le puede reprochar nada, pues intenta sustentarse encima de un castillo de naipes inexistentes, no es más que una guinda pocha encima de un pastel de estiércol.

La falta de concreción o linealidad, ese costumbrismo con el que con tanta elegancia hizo bandera el autor francés, llega al cine sin gracia ni dinamismo. Una parodia a uno de los movimientos más importantes de la historia de la narrativa.

Pero el mayor de los delitos del film, ese por el que deberían llevarse presos a todos los responsables de la producción, ya asoma la cabeza con la primera línea de diálogo: “Please, God. Let him be the right one”. A partir de ese momento empieza una indecente explosión de acentos que se acerca a uno de esos exámenes de escuela de idiomas en los que debes identificar quién es de dónde. Para empezar, debería haber una ley que prohibiera reproducir Madame Bovary sin usar el francés; pero esta mezcla entre los “ingleses del mundo” es un insulto al intelecto y al buen gusto.

Con lo que hemos llegado a rajar de los remakes, pues, ¿qué queréis que os diga...? Al lado de esto, me parecen un mal menor. Que se repleten nuestras carteleras de superhéroes si esto consigue tapar abortos de este tipo.

Una crítica de @AdriNaranjo2

¿Se acuerdan de una películita de 1999 llamada 'Las vírgenes suicidas'? Sí, esa ópera prima de Sofia Coppola. Esa pieza que tan buenas críticas recibió y que supuso la escalera al cielo para la hija del padrino. Pues recuerden la maravillosa estética que poseía; los colores desaturados; la elegante languidez de esas chicas encerradas; los silencios; las miradas; el alma. Ahora borren todas esas virtudes, toda esa poética. Elimínenlo. Céntrense en la intrascendencia y la falta de originalidad de su trama o el insufrible sopor que reinaba durante secuencias enteras. Bien, si ya tienen en mente todos los defectos de 'Las vírgenes suicidas', se pueden hacer una idea exacta de lo innecesaria (porque no hay otra palabra para describirla) que es 'Mustang'.

Puede parecer que el que habla esté pecando de insensibilidad, y seguramente sea cierto, pero el visionado de esta producción turca ha sido equiparable a comer un plato de arena. Cada mordisco más agónico, cada segundo más aburrido. ¿El interés? Desaparece a los veinte minuto. Una película que te obliga a plantearte si realmente el cine europeo (o de periferia) es el antídoto al veneno imperialista y colonizador que nos llega desde el otro lado del atlántico. Después, cuando ya han pasado unos minutos del visionado, el recuerdo empieza a hacerse borroso y el regusto no parece tan amargo. Uno se cuestiona si realmente ha sido para tanto, pero es que la mediocridad tiene mucho que ver con esta producción. Una indiferencia en forma de punto medio, de gris, de centro, … Un nivel de mediocridad que ya es difícil de aceptar en el día a día, como para encima tolerarlo en el arte (¡EL ARTE!). Robert McKee, refiriéndose al guión cinematográfico, escribió una frase que sigue con vigencia: “los artistas son los maestros de forma”. En 'Mustang' ni técnica ni dramaturgia mueven un dedo para buscar ese dominio, esa reflexión. La directora pasa a ser realizadora, el director de fotografía se convierte en un simple técnico y la directora de arte se queda en poco más que una atrezzista.

El guión, a resumidas cuentas, es la historia de cinco niñas (de los diez a los dieciocho más o menos) y como su abuela y su tío las encierran en casa para que no tengan un “comportamiento obsceno”. Estos dos villanos están creados con una falta de gracia que da entre miedo y vergüenza. No provocan nada más que un inmenso estupor que paraliza al espectador. Los malos son malos y los buenos son buenos. “Muy bien señores, no hemos aprendido nada”. Con la construcción de las chicas volvemos a observar los mismos errores que ya se cometieron en películas con temáticas similares. Un grupo de chicas indefensas e insulsas que se pasan el día sin hacer nada y aceptando los caminos impuestos por el patriarcado. La única que se mueve es precisamente Lale, la más joven de todas, la protagonista. La poca voluntad de cambio que exhibe acaba apoyándose en los exasperantes clichés que ya nos aburrieron en 'Foxfire: confesiones de una banda de chicas'.

Para concluir con este periplo de despropósitos, lo de la voz en off: ¡la guinda! Estamos a 2016, la voz en off hace tiempo que escapó del terreno narrativo para introducirse de lleno en el estilístico. Si la acción tiene que avanzar por la voz en off, malo. Si no se entiende sin ella, peor. Si no tiene ritmo, un desastre. El concepto de narrador existe en el cine sin necesidad de poner estas odiosas líneas de diálogo que tanto entorpecen. Una lastimosa melodía sin fin que denota inseguridad en las manos de la primeriza Deniz Gamze Ergüven.

Se entiende a la perfección que 'Fatima' o 'La cabeza alta' le quitaran los galardones en los César; aunque las actrices sean solventes, el cómputo global no merecería tener reconocimientos. Si lo que están buscando es cine turco actual del bueno, del de verdad, mejor opten por 'Winter sleep' o deléitense con alguna de las asombrosas piezas de Fatih Akin. Si deciden pagar la religiosa entrada, cuando desplomen las posaderas sobre la butaca; cuando aún todo sea posible; cuando esta obra tenga alguna opción de convertirse en “la película de vuestra vida”; piensen en que la crítica de más alto postín le dedicó elogios como “Una película de debut impresionante”, “Singularmente excelente y original” o “Fantástica. Es la película que necesitamos en este momento”. Puede ser que no compartan mi desangelado punto de vista, no les juzgo, pero ya les aseguro que tampoco estarán de acuerdo con tales piropos.

Una crítica de @AdriNaranjo2

Es difícil en esto de la crítica poder usar la misma contundencia con lo malo que con lo bueno. Siempre es más directo y entendible el “esto es una mierda” que el “me parece espectacular”. Nos es más fácil y comprensible lo negativo que lo positivo. Otro defecto más que llevamos con nosotros. Pero bueno, sea como sea y se entienda lo que se entienda, Eden es una de las mejores películas de los últimos años. Una maravilla tan compleja, que no se puede equiparar a ninguna de las grandes obras que se han paseado por nuestra cartelera durante los escasos años que lleva con nosotros este nuevo siglo. Una joya inclasificable. De las que ponen la piel de gallina. De las que hacen renacer las esperanzas en este arte que, a veces, da señales de mediocridad y banalización. Eden es una punta de lanza que esperamos que sirva para muchos nuevos creadores. Una joya.

No se asusten cuando lean por ahí, en las escuetas líneas de un periódico o en las generalistas palabras de muchas revistas especializadas, el argumento de esta obra maestra. En seguida van a topar con la piedra angular desde la que se articula todo el discurso y muchos, de un modo comprensible, se tiraran para atrás. “No me interesa”, dirán con cara de indiferencia. Se equivocan de todas todas. Sí, Eden trata sobre un estilo musical que para muchos queda muy lejano. El House, y en concreto el French Touch, es algo que muchos, sobretodo los que ya superan la cuarentena, ven como algo ruidoso y reservado para festieros veinteañeros. Miren, ni el que escribe ahora, ni la película misma, intentamos cambiar su visión sobre nada, y menos aún sobre esto. Ustedes sabrán si se cierran a esta oportunidad. Pero también quedan avisados de que no es necesario ser un entendido, ni siquiera un consumidor, de esta música para disfrutar de esta impagable cinta. Este movimiento, que como su nombre indica, se inició en Francia a principios de los noventa, perduró durante las décadas posteriores; un gran destello de lucidez dentro de la cultura gala. Al igual que hizo Michael Winterbottom en 24 hour party people, Mia Hansen-Løve elige una persona en concreto para mostrar un todo. Otra demostración de que no hay mejor lema para un buen guión que el piensa en global y actúa en local. ¿A caso el cine no se basa en encontrar el mejor ejemplo para enseñar una idea, un sentimiento, un momento? Una filosofía que compartimos muchos y que, poco a poco, nos va dando unas recompensas tan inesperadas como esta.

Con esta pieza, Mia Hansen-Løve añade otro título a su impecable filmografía. Primero fue Tout est pardonné, en 2009 Le père de mes enfants y, por último, en 2011 estrenó Un amour de jeunesse; todas ellas, como no podía ser de otro modo, pasaron desapercibidas dentro de nuestros circuitos. Una pena que esperemos se remedie cuando Eden coja toda la fama que se merece. La creadora parisina rompe parte de sus dinámicas estilísticas y rítmicas, pero mantiene algo que sigue siendo vital para ella: la importancia de lo autobiográfico. En este caso cambia el sujeto; ya no es su historia, sino la de su hermano. Sven Hansen-Løve fue uno de los principales nombres del French Touch y ahora se une con su congénere para escribir este magnífico guión. Algo nuevo para ambos esto de escribir a cuatro manos, pero, viendo el resultado final, se desvela como un experimento de lo más acertado. Evidentemente, se cambian nombres y se ficciona con maestría todo lo sucedido entre 1992 y hasta casi llegar a nuestros días; el instrumento que usan es un brillante alter ego nombrado Paul Vallée. Además, un novel Félix de Givry se encarga de dar vida a este complejo y fascinante personaje. Un de Givry que debuta por la puerta grande. Puede que haya nacido una estrella o, por lo menos, un actor que va a dar mucho de qué hablar dentro del cine francés. Del resto del reparto, seguramente, la cara más reconocible sea la de Pauline Etienne, que ya nos sorprendió en Paradis perdu o La religieuse. Una actriz que nos vuelve a demostrar su versatilidad y el inmenso talento que posee. Francia tiene cine indie para rato, ¡menuda envidia!

Pero esta genialidad no sólo luce por tener un gran guión, estructurado en dos partes y con claros capítulos marcados por los años; no. Tampoco son los intérpretes, estupendos todos ellos, los que acaparan la totalidad de los elogios. Y ni tan siquiera la sorprendente dirección de Hansen-Løve eclipsa a las otras partes. Es que Eden lo tiene todo. Su banda sonora, evidentemente, es una delicia indescriptible. Cuando uno habla de French Touch es lógico que automáticamente se piense en los inconmensurables Daft Punk, pero es mucho más que eso. Sí, no se asusten, este dúo también aparece en la trama, y en la música que la acompaña, pero es un gran ejercicio de pedagogía recordar que hubo mucho más y de muy alta calidad. Pero, para ser justos, hay tres nombres claves que debe ser citados. Primero está Anna Falguères, la directora artística que ya nos enamoró con À perdre la raison o Suzanne, y que ahora se enfrenta al inmenso reto de recrear un momento histórico tan cercano como son los noventa. Después nos topamos con el veterano e internacional Denis Loire, responsable de la luz de Still Alice o de hollywoodiadas como 88 minutes o Righteous kill. En Eden rompe los esquemas que han predominado sobre cómo iluminar las fiestas nocturnas y da otra vuelta de tuerca de lo más magnética. Y, para terminar, nos encontramos con el peculiar dinamismo de Marion Monnier. Habitual montadora de Hansen-Løve y que ahora ha ganado popularidad con su trabajo en Clouds of Sils Maria. No sólo imprime un ritmo único, sino que consigue acercarse y alejarse al videoclip a su antojo. Junto con la directora, forman un equipo técnico sin brechas, que va a la una y que demuestra la importancia que tiene en el cine el trabajo en equipo y la compatibilidad. Una confluencia de genios en plenitud de forma. No desaprovechen la oportunidad de ver Eden; lo lamentarían.

Una crítica de @AdriNaranjo2

Permítanme que inicie este análisis con un símil que me parece suficientemente gráfico como para mostrar lo que evoca Los exiliados románticos. Es, sencillamente, un delicioso Ferrero Rocher en medio de una pestilente coliflor hervida. Viéndolo así, es comprensible que la mayoría no ose ni acercarse a ello; pero siempre habrá un selecto grupo de valientes (“benditos sean los que se aventuran”) que, con pulso firme y mirada convencidos, se atreverán a probar tan terrible manjar; aunque sólo sea para encontrar esa preciada delicia en su interior. Pues bien, al igual que con esta inconcebible “comida fusión”, los que osen degustar este film, acabarán chocando contra algunos pequeños manjares de calidad excepcional, pero la coliflor (o sea, todo lo demás) es tan innecesaria, aburrida y desagradable que a uno se le van las ganas de tan siquiera valorar el anhelado dulce que atesora.

Aún así, si hacemos el esfuerzo de obviar ese tedioso envoltorio, veremos que las virtudes de Los exiliados románticos son algunas de las pocas señales de esperanza en nuestra cinematografía moderna. Cuando Jonás Trueba se quita los incomprensibles complejos, que demuestra tener demasiado a menudo, aparecen unos destellos de perfección que, simplemente, enamoran; pero son tan pocos estos momentos buenos... Y aquí nos topamos con una de las incógnitas más grandes de lo que llevamos de siglo XXI: ¿a qué genio se le ha ocurrido la brillante idea de hacer una película de 70 inconcebibles minutos? Claramente hay otra pregunta que, haciendo un poco de ciencia ficción, pasa rápidamente por nuestra mente. ¿Qué sería mejor, alargarla y convertirla en una película en condiciones o reducirla para conseguir un cortometraje? Lo ideal: la segunda opción. Si le hubieran dado el proyecto en bruto a algún montador joven y en la onda modernilla, seguramente habría generado uno de los cortos que suelen estar nominados a los premio gordo. Y, sinceramente, sería preferible y más útil gastar todo lo que nos ahorraríamos en pagarse una buena juerga con el equipo de rodaje. Esta falta de decisión, que ahora se desvela como un error garrafal, no deja de ser un problema de preproducción; del guionista y del productor. Es lógico pensar que este fallo habría sido evitable si el susodicho director se hubiera apellidado Sánchez o Rodríguez.

La trama es más predecible que una simple pechuga de pollo; pero no me entiendan mal, no es algo negativo. La historia es sencilla, ¿y qué? Nos queda claro desde un principio, dándonos en la cara con un viaje en furgoneta, que aquí lo más importante será el camino y no el destino. Por lo tanto, la dramaturgia asume un discreto segundo plano para dejar paso a la estética y el ritmo visual. Resumiendo: el mayor de los logros de esta cinta es su rollo videoclipero y su liviana simpatía. Una combinación que no disgusta, pero que entonces no deja claro el porqué de todo lo demás. En concreto, la secuencia en que Vito, el protagonista, debe hablar con su chica, es desastrosa. Cuando uno quiere escribir un sentimiento como es el nerviosismo, debe tener muy claro que los clichés no están permitidos. Ya hemos visto infinidad de veces a personajes nerviosos que 1) fuman, 2) miran al reloj o, y como en este caso, 3) tiemblan. Ya está bien. Pero seamos constructivos. Si en vez de poner al pobre chaval tiritando durante diez minutos como si estuviera en la plaza roja en calzoncillos en pleno mes de enero, se podría haber usado algo más sutil y elegante como la acción de abrocharse y desabrocharse compulsivamente el último botón de la camisa. Cuando al maestro Kieslowski se le planteó en Tres Colores: Azul mostrar la frustración de Binoche, pudo elegir el camino fácil, el de chillar en un coche con las ventanillas cerradas y el motor apagado; pero no, el genio de Varsovia puso a la actriz francesa destrozándose los nudillos contra un muro. Un gesto que rebosa simbolismo y originalidad. Pues algo así esperábamos ver en el caso que ahora nos ocupa.

Los tres amigos, unos Vito Sanz, Francesco Carril y Luis Parés que se interpretan a sí mismos, emprenden un viaje de Madrid hasta París. El motivo de este empieza siendo un puro misterio, pero, poco a poco, se van destapando los porqués de cada uno de ellos. También resulta excesivamente estereotipado que todos estos caminos vitales tengan nombre de mujer. Encima tienen la desfachatez de hacer un gag sobre este mismo cliché, mencionando al test de Bechdel. Pero bueno, en estas cosas también reside el curioso encanto de esta pieza. Los exiliados románticos es pedante, muy pedante, pero ¿por qué esto debe ser algo malo? Es curioso como en este país nos burlamos del que sabe más, del culto, del listo de la clase. No nos escondamos de nuestros conocimientos, seamos atrevidos y despreocupados como lo es esta obra. El inconveniente viene cuando esta pedantería, que bien nos gusta en el cine de gente como Coixet, se transforma en prepotencia. En un ejercicio de autocomplacencia casi masturbatorio. Todos sabemos hacer referencias cultas o hacer guiños al cine de Rohmer; no hace falta repetirlo una y otra vez.

Las partes buenas de esta película son muy buenas, de verdad, pero las malas son tan grandes y contundentes que no compensan. Si lo que realmente quieren ver es algo indie y rompedor, diferente y provocativo, con talento y sensibilidad, es más recomendable optar por algún cortometraje como Yeah! Yeah! Yeah! de Marçal Forés; una pieza que, con mucha menos duración y un presupuesto irrisorio, consigue humillar todas las propuestas que se puedan hacer en Los exiliados románticos.

[[Una crítica a dos voces de @AdriNaranjo2 y @PaulPorcoRosso]]

Teniendo la suerte de poder cubrir este pase con dos redactores, surgió la opción de dar una visión positiva y otra negativa, pero siendo ambas impresiones tan parejas, hemos creído más conveniente, original y divertido convertir esta crítica en un diálogo. Esperamos que lo disfruten tanto leyendo como nosotros haciéndolo.

Adrià Naranjo: Una de las cosas que más me ha sorprendido de ‘Nightcrawler’ ha sido el planteamiento inicial y la manera en la que conocemos al protagonista (Gyllenhaal). No me sorprende haber leido que “es el ‘Drive’ del año”; tiene ese mismo empezar misterioso.

Pol Llongueras: Ciertamente. Dan Gilroy define de forma genuina al personaje principal de la película: Louis Bloom, un hombre que coge lo que quiere como y cuando quiere. Un pobre perdedor que se dedica al robo y al allanamiento, pero que busca triunfar en el ámbito laboral. Insaciable, sucio y loco, pero también muy y muy inteligente, con mucha visión comercial.

AN: La idea de empezar de cero siempre es esperanzadora, y más en los tiempos que corren. Esta podria haber sido una historia en la que toda una generación se viera reflejada, pero el protagonista está tan rematadamente loco que todo punto de conexión desaparece por completo. Es interesante que un psicópata de este tipo acabe en el mundo de la televisión y el sensacionalismo.

PL: Como también es acertado el título de la película (y la profesión a la que decide dedicarse Bloom tras presenciar un rescate policial en un accidente de tráfico): ‘Nightcrawler’ (n. del t.: crawl = arrastrarse, rebajarse). Sabandijas que se arrastran por la noche en busca de gráficas y violentas imágenes que sacien las morbosas mentes de los norteamericanos y los amorales productores de telenoticias sensacionalistas.

AN: Que alguien con la cabeza de Bloom no tenga ningún tipo de escrúpulo no sorprende, pero cuando aparece Nina (Rene Russo) podemos averiguar que realmente no existe moral alguna en el fabuloso mundo de “las noticias de la mañana” en los Estados Unidos. Es escalofriante ver como la comercializacion de la desgracia ajena ha monopolizado el mundo de los telediarios del país americano.

PL: El perverso guión (escrito por el mismo Gilroy) está nominado al Oscar a Mejor Guión Original, pero, pese a ser un trabajo muy sólido, no creo que consiga la victoria. Recordemos que se mide con el de Iñárritu, Giacobone, Dinelaris y Bo (‘Birdman’), el de Linklater (‘Boyhood’) o el de Wes Anderson (‘Grand Hotel Budapest’).

AN: Ciertamente este año todo lo que esté nominado con ‘Birdman’ y ‘Boyhood’ tendrá las cosas muy difíciles. Esto no quita que es sorprendente que ‘Nightcrawler’ sólo haya obtenido una nominación. Seguramente será un tema puramente de gusto personal, pero a mí me ha parecido que la obra de Gilroy está un par de peldaños por encima como ‘Foxcatcher’ o ‘American Sniper’. Pero tampoco será la primera vez que una producción de este tipo se aleja del radar de Hollywood.

PL: Como por ejemplo, para la espléndida actuación de Gyllenhaal o a la estilizada fotografía de Elswit: es una delicia ver cómo Bloom se arrastra por el sucio y violento L.A. nocturno con mucho grano (buscando el estilo sucio de los setenta), e iluminado por la luz de los neones y las farolas, cabalgando con su Mustang cantón de color rojo.

AN: Otra cosa que este novel director deja clara, es que ha basado todo su trabajo en tres pilares: personaje, personaje y personaje. No se puede entender nada si no comprendemos la tormentosa psique del desquiciante Louis Bloom que, por cierto, esconde un oscuro parecido con el Javier Bardem de 'No Country for Old Man'. Los personajes con matices Asperger hace tiempo que aparecen en el cine como curiosos ('The Theory of Everything' o 'A Beautiful Mind') o como cómicos ('Big Bang Theory'); pero Gilroy lleva este trastorno psicológico al lugar más oscuro; al que acojona y hace que uno se replantee la propia condición humana.

PL: El sadismo de Bloom nos provoca risa nerviosa (en el mejor de los casos) o miedo profundo (en el peor) dependiendo de los valores éticos o morales que esté rompiendo en ese momento. Una creación tan asombrosa como la propia película, que termina con una persecución asfixiante por los barrios bajos del nido de víboras que es, y siempre será, hogar del Louis Bloom de turno.

AN: Un elemento que me ha enamorado ha sido la manera en la que el guión y los demás departamentos logran enlazar el contenido con el continente. La película habla de la atracción por el morbo que tiene el ser humano y la atroz industria que mueve los hilos de este sentimiento. Pero es genial que los aspectos formales del filme también tengan una intención dirigida a lo morboso: los claroscuros de la fotografía, los planos cortos y, como no podía ser de otra manera, la pregunta “¿de qué más será capaz este hombre?” que se instala inmediatamente en la cabeza del espectador.

PL: Completamente de acuerdo. Da la impresión que Gilroy busca advertir sobre en qué clase de basura nos estamos volviendo. Además, todo se acompaña del beat mecánico y persistente de la partitura de James Newton Howard (un habitual de Shyamalan), que si bien sirve de correcto copiloto en el viaje a la locura general de todos los personajes del filme, no es especialmente memorable.

AN: Sea como sea, mis sensaciones han sido muy positivas al salir de la sala y creo que mantendré esta opinión durante mucho tiempo. No estoy seguro si, como algunos auguran, 'Nightcrawler' se convertirá en un clásico, pero sí considero que va a quedar en la memoria de los que vayan a verla. Una película muy completa y que entretiene y fascina a partes iguales.

PL: Gilroy mezcla un enorme personaje, una potente crítica al sensacionalismo y un manejo de la tensión (envidiable para un novato tras las cámaras) con maestría, y le sale un filme muy notable. Tendremos que estar atentos a su avance por la indústria.

[[Crítica de @AdriNaranjo2]]

Todos los años por estas fechas nos vemos con la obligación de darle las gracias a Hollywood por habernos dado unas nominadas tan dispares y con unas historias que nos llevan a sitios tan alejados. Este año hemos viajado a las escuelas de música ('Whiplash'), a Broadway ('Birdman'), a la vida de científicos ('The Theory of Everything' o 'The Imitation Game'), de adolescentes ('Boyhood') o del mismísimo Martin Luther King ('Selma'). Pero ahora nos llega 'Foxcatcher' y revienta todos los esquemas temáticos que habíamos hecho. No es un biopic clásico, pero tampoco es una comedia actual; no retrata un mundo conocido por todos, pero tampoco se adentra en la ciencia ficción. Basada en hechos reales, 'Foxcatcher' nos sumerge en el extraño y apasionante mundo de la lucha olímpica de los años ochenta.

Está muy claro quiénes son los mejores luchadores de Wrestling del mundo: los hermanos Schultz. El mayor, David (Mark Ruffalo), es el que lleva las riendas de la situación; es el disciplinado, el que tiene una familia y el que se preocupa de que todo vaya como tiene que ir. En cambio, Mark (Channing Tatum), siempre ha vivido a la sombra de su hermano y, la verdad, tampoco le ha importado mucho. Lleva años con una vida simple basada en entrenar y competir, entrenar y competir; y el resultado que ha obtenido con esta disciplina tan espartana no puede ser mejor: ambos son campeones olímpicos. Todo su mundo de tranquilidad y gloria se verá trastocado el día en el que Mark, el pequeño, recibe una llamada en la que se le comunica que el señor du Pont (Steve Carell) quiere hablar con él. Ni corto ni perezoso, el chico de 27 años coge un avión y se dirige a los inmensos terrenos que rodean la imperial mansión de la multimillonaria familia du Pont. En la majestuosa finca viven John, un misterioso cincuentón obsesionado con la lucha, y su anciana madre. La mujer dedica todas las horas del día a dos cosas: sus caballos y recordarle a su hijo que es un fracasado y que no aprueba ninguno de sus intereses. El estrambótico “ornitólogo, filántropo y filatélico” (palabras suyas) le ofrece al más joven de los Schultz formar un equipo de lucha grecorromana que no tenga parangón en la historia. Para eso no sólo quiere a Mark, sino que también pretende que David lo deje todo y se venga a las impresionantes instalaciones de entrenamiento que ha construido. Aunque David no acepte en un primer momento, John du Pont conseguirá atrapar al chico en sus redes y moldearlo a su antojo; idea que, lógicamente, acabará de un modo horroroso.

El primer elemento que nos da en la cara con virulenta fuerza cuando empezamos a ver 'Foxcatcher' son los actores. La transformación física de la tripleta protagonista, la creación de estos personaje y, sobretodo, la solvencia con la que se mueven todos en este registro que tanto dista de lo que nos tienen acostumbrados. Ver a Chaning Tatum en el cartel de alguna cinta recién estrenada es sinónimo de comedia adolescente. Después de '21 Jump Street' (producción que en nuestro país cayó en las “maravillosas” manos de los dobladores y pasó a llamarse 'Infiltrados en clase'), la secuela de esta, 'This is the end' ('Juerga hasta el fin') o 'White House Down' ('Asalto al poder'), pocos podían esperar que Tatum se aventurara con un papel tan exigente y con tanta dureza como este. Algo parecido podemos decir de la filmografía de Steve Carell: 'The Office', 'Como Dios', 'Crazy Stupid Love' o 'Virgen a los 40', no dejan de ser un pequeño ejemplo de la cantidad de producciones de puro entretenimiento que ha protagonizado el actor de Massachusetts. Pero hay una diferencia abismal con su compañero y es 'Little Miss Sunshine'. En la obra de Jonathan Dayton y Valerie Faris ya pudimos ver que Carell era mucho más que un simple actor de comedias entretenidas y que su potencial nos podía sorprender de un momento a otro; pues bien, seguramente este momento ha llegado. Con una nariz protésica y un físico irreconocible, nos regala uno de los papeles más difíciles, curiosos y atrayentes de todo el año. Para completar esta rocambolesca tripleta nos encontramos con el polivalente Mark Ruffalo; un intérprete que ya nos deslumbró con 'The Kids are All Right' (con la que consiguió su primera nominación), el 'Zodiac' de Fincher, el 'Shutter Island' de Scorsese, el 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind' (que volvimos a liarla con la traducción y se presentó en nuestro Estado como ¡Olvídate de mí!) o la 'My Life Without Me' de nuestra Isabel Coixet. Pero Ruffalo también ha demostrado ser el hombre de las mil caras y no ha tenido miedo de ponerse la capa o el antifaz y adentrarse en los blockbusters de superhéroes que llegan con demasiada asiduidad a nuestras carteleras. En 'Foxcatcher' aparece con una musculatura que quita el hipo y una caracterización que refuerza el impecable trabajo que nos regala el actor de Wisconsin.

¿Y por qué hablamos tanto de los actores y no de los otros elementos del film? Muy sencillo: ellos son lo mejor y más destacable de toda la obra. Aunque esta tercera producción de Bennett Miller (las otras dos son las laureadas 'Capote' y 'Moneyball') haya obtenido 5 nominaciones a los premios de la Academia norteamericana (de los que seguramente no vaya a ganar ninguno), la técnica con la que se desenvuelve toda la historia goza de talento, pero no se intuye riesgo por ningún lado. Si tuviéramos que definir la dirección de arte, de fotografía, el sonido, el montaje o la dirección en una sola palabra, esta sería CORRECCIÓN. Los formalismos son clásicos y perfectos, pero no podemos analizar ninguno de estos departamentos y ver algo que nos remueva y nos recuerda las maravillas que se pueden hacer en el cine.

¿Y qué decir del guión? Pues que la creación de personajes no es la de 'Whiplash', la trama no tiene el gancho de 'Birdman' y la manera en la que se lleva a la pantalla no sigue ninguno de los arriesgados patrones en los que se mueve 'Boyhood'. Además, el final es uno de los momentos más decepcionantes de la cinematografía hollywoodiense de los últimos lustros. Nos plantean un protagonista (Tatum) que cuando llega el momento culminante de la obra desaparece por completo y deja todo el peso a Carell. Este fallo de principiante es imperdonable a estas alturas, pero más lo es aún que la cinta haya obtenido la nominación a Mejor Guión Original (¿puede ser que no haya habido nada mejor en todo el año?). Sea como sea, 'Foxcatcher' posee unos primeros 40 minutos muy buenos, unos 40 siguientes aceptables y un tramo final errático y lleno de decisiones incomprensibles. Toda una pena.