Siempre en VO: comedia negra

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Una crítica de @TRuibal

'Anomalisa' es una cinta desgarradora, dolorosamente creíble y sin un mensaje esperanzador al que agarrarnos. Pero también conmueve con su sutileza e inquieta con su ácido sentido del humor.

El último y personalísimo proyecto de Charlie Kaufman recurre a una ambientación y tonalidad aséptica y fría, en contraposición con la coloridad vitalista que es habitual en las cintas de animación, para acercarnos al insoportable vacío de su protagonista, un cincuentón británico más solo y perdido que Bill Murray en aquel hotel de 'Lost in translation'.

La falta de elipsis en situaciones rutinarias, y la inquietante repetición de rostros y voces para -casi- todos los personajes, resalta la vocación de la cinta de hacernos partícipes de ese tedio, ese ahogamiento que todos hemos sentido, o tememos sentir algún día, del que nuestro protagonista cree encontrar una vía de escape en una noche de debilidad.

Es pues 'Anomalisa' una suerte de distopía emocional tristemente cercana, un grito de auxilio en un mundo con una sola voz, una nota de suicidio sin destinatario. Y es, en definitiva, una experiencia para descubrir por uno mismo.

[[Crítica de @TRuibal]]

Killing a priest on a Sunday… that’ll be a good one.

Retratar una sociedad compleja, transversal y con una extensa gama de claroscuros ha sido siempre uno de los más grandes desafíos de la narrativa. Del bullicioso Londres de Dickens a la Roma de dioses caídos que Paolo Sorrentino nos muestra en ‘La Gran Belleza’, un “aquí y ahora” puede trascender cualquier barrera cultural y pasar a formar parte del imaginario colectivo. Y precisamente esto es lo que busca la cinta que hoy nos ocupa.

En ‘Calvary’, (que nos llega, qué sorpresa, casi un año después de su estreno, aún habiendo cosechado el Premio del Jurado Ecuménico en la Berlinale 2014), John Michael McDonagh sitúa metafóricamente el monte Calvario, lugar en el que Jesucristo fue crucificado, en un remoto pueblo irlandés, en eterna lucha entre una majestuosa y cruda naturaleza, filmada con la confianza de quien sabe que paisajes de tanta potencia visual no necesitan mayor aderezo, y las desilusionadas vidas de sus habitantes, todos ellos víctimas y verdugos de sus pequeñas realidades.

El deambular de este rebaño tiene como piedra angular a James Lavelle, pastor de la comunidad y figura omnipresente en la cinta. Magistralmente interpretado por un Brendan Gleeson que derrocha carisma y compasión, en un papel que hace patente que Gleeson se entiende a la perfección con McDonagh. Actor y cineasta repiten la sociedad iniciada en esa suerte de “western irlandés” que es ‘The Guard’ (pésimamente traducida en nuestro país como ‘El Irlandés’), y que se alargará como mínimo en otro trabajo, ‘The lame shall enter first’, todavía en fase de preproducción.

Desencadena la acción un largo plano fijo en el que el padre Lavelle es amenazado de muerte por un miembro de su comunidad, que busca castigar a un “pastor íntegro” por los terribles abusos que sufrió en su infancia a manos de un cura pederasta, ya fallecido. Siete días es todo el tiempo con el que contará el párroco para poner las cosas en orden antes de enfrentar su fatal destino.

Uno de los grandes méritos de la película es precisamente la tensión narrativa que consigue crear esta sorprendente amenaza que, aparte de marcar el tempo del film, nos ayuda a comprender el interés del protagonista en dedicar el poco tiempo con el que cuenta a, en vez de intentar salvar su alma, salvar la de sus feligreses. Interpretados por un extenso reparto a buen nivel en líneas generales, en el que encontramos un socarrón doctor cargado de cinismo, un joven inadaptado al que le gusta Dolly Parton, una adultera masoquista o un millonario petulante que necesita presumir de un dinero que no sabe disfrutar. A James le apena y le frustra ser testigo directo de la vanidad y el rencor de sus parroquianos, encontrando únicamente amor en su hija (la angelical pelirroja Kelly Reilly), incapaz aún de comprender que entrase en el seno de la Iglesia tras morir la madre de ésta.

La variedad de situaciones y personajes provoca algún breve altibajo durante el desarrollo de la cinta, en el que el nivel de interés de la misma decae ligeramente, pero esto no tumba una propuesta firme que tiene bien claro hacia dónde va en todo momento. McDonagh sabe mezclar con elegancia drama, comedia y algunas dosis de ‘thriller’ para someter a Irlanda a una deconstrucción, muy lejos de visiones idílicas como las de ‘El hombre tranquilo’.

‘Calvary’, a través de la particular crucifixión de un hombre que simboliza todo lo que la Iglesia debería ser, dibuja un país marcado por el catolicismo como seña de identidad, el vínculo popular que supone el alcohol, la aceptación del IRA como un estamento de la sociedad, el desarraigo de su carácter terrenal celta… todo pasa por los ojos de un resignado padre Lavelle que, pese a todo, quiere a su rebaño.

Como habréis podido apreciar, escribe esta crítica un nuevo rostro de la página. Mi nombre es Tomás Ruibal y, tras haber finalizado mis estudios de Producción Audiovisual en la EMAV de Barcelona, busco adentrarme en el mundo del cine por todos los flancos. Llego pues a ‘Siempre en V.O.’, con ganas de aprender y de compartir mi amor por el séptimo arte con todos vosotros.

Podéis seguirme en Twitter en mi perfil, @TRuibal, y ver los dos cortos que hasta ahora he realizado con ‘Hazte Fun’, productora en ciernes, en nuestro canal de YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCLSgy0thHmbGNhA8t03l4-g.

[[Crítica de @marckwire21]]

Lo primero, mi crítica está hecha sin haber leído la novela, a partir de aquí, continuo. Irvine Welsh escribió la nombrada en la que se basó 'Trainspotting' de Danny Boyle en 1993, después llegarían 'Marabou Stork Nightmares' en el 95 y 'Filth' en el 98. 'Trainspotting' sólo tardó tres años en ser adaptada al cine con gran maestría por Boyle mientras que esta adaptación de Jon S. Baird llega 16 años después. Con esto quiero remarcar además del tiempo transcurrido y lo cambiante de esta sociedad lo fuera de lugar que pueden quedar algunos de los temas expuestos. Estos temas, personajes o situaciones por aquel entonces hubieran causado un gran impacto en la sociedad cinéfila pero a día de hoy y tras varios otros filmes sino iguales pero si parecidos en ciertos puntos el impacto no es tal, y queda como algo desfasado. Puedo afirmar tranquilamente que de no ser por la impecable actuación de su protagonista James McAvoy y el ritmo fluido, que no intenso, que posee la cinta, estaríamos ante una película más dentro del género 'policía pasado de vueltas'. El más claro ejemplo lo tenemos con nuestro querido Torrente. Las comparaciones son odiosas, de acuerdo, pero existen. ¿Porqué tenemos que desmerecer a infravalorar un personaje como Torrente y alabar a uno escocés? No lo entenderé nunca. Si tras ver 'Filth' pensáis que del personaje que interpreta McAvoy se pueden llegar a hacer 4 secuelas con gran afluencia de público, es que no hemos visto la misma película. Y no sólo está 'Torrente', también tenemos a Jean Reno en 'Wasabi', o a Willis en 'The Last Boy Scout' por decir una, quiero decir, que lo del policía pasado de rosca en sus está demasiado visto, demasiado gastado como para que llegue a interesar lo suficiente.

Ni digo que es peor que las citadas antes ni mejor, simplemente olvidable, más de lo mismo pero con el agregado dramático, imaginaros una versión de Torrente con mucha carga dramática, un final interesante y una banda sonora, o mejor dicho selección de temas, ramplona y vaga. Pues eso es 'Filth'. Querría hacer hincapié en la música. Clint Mansell a los mandos: caída de un mito. Admiro a este compositor, mucho, pero su selección de temas para la película me parece horrorosa, no por la calidad de las canciones elegidas sino porque parece que la única función que tienen, al margen de ir su letra acorde con lo que vemos, es la de ayudar al espectador a no dormirse del aburrimiento mientras llega otro momento exaltado de McAvoy. Creo sinceramente que una banda sonora creada exclusivamente para el film, con ese toque tan oscuro que sabe darle Mansell hubiera dotado a éste de más seriedad, empaque o consistencia que es lo que parece más escasea. Entras al cine teniendo algo que te ronda la cabeza sobre cualquier otro tema y en cuanto salgas volverás a ese tema como si nada de lo visto hubiera trastocado algo dentro. No cuenta nada que no hayamos visto antes.

Su tono dramático y oscuro en ocasiones la hacen distinta al resto (que no única) y el final anti-Hollywood es tan original como previsible. Si me ha gustado ese mundo surrealista que aparece en momentos puntuales donde McAvoy ve a ciertas personas como animales, algo lejanamente parecido a lo que vi en los créditos iniciales de 'Relatos Salvajes'. Desconozco como se ve ese Edimburgo en la novela de Welsh pero desde luego en la película no tiene presencia en absoluto. No voy a negar que tiene un gran toque de comedia negra, pero en ocasiones se excede o simplemente, no hace gracia. La escena con la menor me parece grosera a más no poder y no, no es que me escandalice por todo ni sea un beato, es que no hace gracia. No hace mucho vi 'The world of Kanako' y su crítica es igual o más cruda que la de ésta, y en ella se destilan buenas maneras, aquí su director pretende que le cojamos asco al personaje, que lo veamos como se ve él, como un cerdo. Y lo consigue, sobradamente. Ese toque retorcido, negro y oscuro se mantiene hasta el final, aquí no hay moralinas que valgan. La película fluye a su ritmo, apoyada en las oportunas canciones seleccionadas hasta su final crudo. Detalles frikis: aparece en un papel secundario el doctor Fitz de 'Agents of S.H.I.E.L.D.', el actor Iain De Caestecker; curiosos también los créditos finales, no os los perdáis, mejores que los insulsos iniciales. En definitiva, el segundo trabajo de Jon S. Baird es una comedia muy negra con tintes dramáticos, surrealistas y un final digno de thriller pero nada más, totalmente olvidable en su conjunto salvo por la actuación de McAvoy.

Lo mejor: McAvoy

Lo peor: No cuenta nada nuevo, película desfasada a su tiempo. Final tan original como previsible

[[Crítica de @PaulPorcoRosso]]

Sion Sono comenzó su carrera como poeta, a los 17 años, publicando sus versos en la revista japonesa "The Modern Poem Book". Posteriormente se matriculó en la Universidad, que dejó a medias para ponerse a hacer películas en 8 mm. Así pues, a la temprana edad de 24 años debutó en el Festival de Cine PIA con un cortometraje de corte experimental en el que leía una selección de su poesía en pantalla. Esto le valió una beca que usó para hacer su primer largometraje 16 mm en 1990. Desde entonces, Sion Sono se ha convertido en un hito del cine independiente de su país, y un nombre en el mundo de la poesía local. Why Don't You...? es un guión que escribió hace 17 años, y supone un canto de amor al cine.

Dos jefes de la yakuza se odian a muerte, pero uno de los dos está enamorado de la hija del otro que con 10 años y después de hacer un anuncio de dentífrico, sueña con ser actriz cuando sea mayor. Mientras, en la misma ciudad, un grupo amateur de tres cineastas (el director y jefe, Hirata; la especialista en travellings, y el especialista en cámara en mano) llamado "Fuck Bombers" sueñan con ser los mejores realizadores de todo Japón. En principio planteada como una comedia romántica de enredos y mucha, mucha cinefilia, se convierte en una orgia explosiva de sangre, sudor y lágrimas.

A Sion Sono no le da miedo sobrepasar el límite, y una vez sobrepasado, tampoco le da miedo duplicar o triplicar ese límite. Y Why Don't You...? es la prueba empírica de ello. Debo reconocer que no le conocía antes de ver su última película en la edición del Festival de Sitges, pero desde entonces he podido visionar varios de sus filmes (Suicide Club y Cold Fish son las que más recomiendo desde aquí) y he visto que esta es una de las características principales de su cine. Esa, y la presencia de chicas asiáticas extremadamente 'sexys' que, generalmente, muestran carne. Pero, a pesar de estas dos características que si comparte con otras, Why Don't You...? es una película atípica en la filmografía de Sion Sono. Es, como ya he dicho unas líneas atrás, un canto de amor al cine, arte que brota de la cabeza de Sono como la sangre digital que inunda la pantalla a borbotones, un ejercicio de delicioso metacine en el que el realizador japonés tiene tiempo para todo.

Y cuando digo para todo, es para todo. Homenajea el cine de Akira Kurosawa, referencia de forma constante al maestro de las artes marciales en el cine Bruce Lee (hasta toma prestado su atuendo más reconocible) y en general a todo el cine de artes marciales, el lanzamiento de numerosos mensajes a favor de las proyecciones en 35 mm... Y además hace reír, plantea una historia alocada pero más o menos coherente, y dota al metraje de un ritmo alto y además in crescendo que es difícil de encontrar hoy en día. En definitiva, Why Don't You Play in Hell? es una declaración de amor al mundo del cine. Un mundo en el que Sion Sono merecería y merece ser reconocido.

Por último, solo me queda por remarcar que parece increíble que un director de más de 50 años como es Sono sea mucho más actual y rompedor que muchos cineastas actuales llamados 'post-modernos'.

Lo mejor: la última media hora es una de las mejores combinaciones entre comedia negra, acción, y gore (orgia de sangre, katanas y metralletas) que se han visto en el cine en muchos y muchos años.

Lo peor: al principio a la película le cuesta algo arrancar, ya sea por la incapacidad del espectador occidental para diferenciar actores asiáticos entre ellos (cosa que se me soluciona a medida que uno conoce a sus personajes), o por la cantidad de historia que quiere contar Sono.

Título: Jigoku de naze warui? (Why Don't You Play in Hell?)

Dirección: Sion Sono

Guión: Sion Sono

Fotografía: Hideo Yamamoto

Año: 2013

Duración: 126 min.

País: Japón

Productora: T-Joy / King Records

Reparto: Jun Kunimura, Shinichi Tsutsumi, Fumi Nikaido, Tomochika, Hikori Hasegawa, Gen Hoshino, Tak Sakaguchi

Título: The Perfect Host

Director: Nick Tomnay

Guión: Nick Tomnay

Fotografía: John Brawley

Año: 2010

Duración: 94 min.

País: Estados Unidos

Productora: Stacey Testro International / Mark Victor Productions / Perfect Host

Reparto: David Hyde Pierce, Clayne Crawford, Nathaniel Parker, Helen Reddy, Meghan Perry, Joseph Will, Tyrees Allen, Brooke Anderson, Cooper Barnes

Crítica de @PaulPorcoRosso

Basada en un corto del mismo director, Nick Tomnay, The Perfect Host arranca cuando John Taylor (Clayne Crawford), después de robar 300000 US$ en un banco, se sorprende viéndose en todos los noticiarios locales con fotos y descripciones detalladas de su atraco y posterior fuga, pese a que iba con la cara perfectamente cubierta durante todo el atraco. Debe esconderse durante un tiempo, pero no puede volver a su casa (que seguro que estarán vigilando) así que decide pasearse por las calles de un barrio acomodado de Los Ángeles en busca de alguna viejecita adorable a la que engañar para que acoja en su casa a un joven desamparado. En una de las casas que mira, decide hacerse pasar por el amigo de Julia, una amiga de Warnick Wilson (David Hyde Pierce), el perfecto anfitrión. Varias horas y copas de vino más tarde, tanto invitado como anfitrión descubrirán (al igual que el espectador) que las apariencias engañan.

The Perfect Host es una película divertida, tensa y recomendable, cuyo único (aunque enorme) problema son unos últimos quince minutos en que abusa de los giros de guión y olvida la verosimilitud en algunas de sus curvas. Si se entra en su juego es imposible no engancharse, gracias a Clayne Crawford (un carismático clon de Michael Shannon de joven) y la mastodóntica actuación de David Hyde Pierce (cuyo parecido físico con John Malkovich también es reseñable), estrella del reparto, que da vida a un personaje complicado con solvencia casi insultante y sin resultar histriónico ni excesivamente frío. El autor consigue trasmitir durante los cincuenta minutos que dura la cena, el desconcierto y hasta cierto punto el miedo que siente el protagonista, haciendo gala de un humor negro y un manejo de la tensión envidiables (casi tarantinianas), saltando a la comba entre la realidad y el mundo de la imaginación como un auténtico maestro.

El problema principal de la cinta de Tomnay es que tras un planteamiento y un desarrollo de matrícula de honor, su originalidad se cuartea justo en el momento en que decide alejar la acción del claustrofóbico universo construido para entrar en la senda estandarizada del cine de atracos a los bancos: el mundo del botín, las trampas y las conversaciones de polis. Además, su triple final tampoco ayuda a acabar del todo satisfecho con la cinta. El desenlace se basa en un giro de guión maestro y en dos giros más sin la misma repercusión y más trillados que buscan sorprender y no lo consiguen: el amor fallido y el policía con doble personalidad estropean una magnífica propuesta inicial que, de haberse quedado en el minuto 75, hubiera entrado en la élite de los thrillers psicológicos.

The Perfect Host es una mezcla bizarra entre el espíritu de Funny Games de Haneke, los giros de Sospechosos habituales de Bryan Singer y un personaje enfermizo sacado de un filme del primer Polanski, pero que no se acerca a la maestría de ninguno de los tres directores. Eso sí: sigue siendo un recomendable filme que empieza como notable, sigue como excelente, y termina como un simple aceptable pasatiempo de algo más de noventa minutos.

Lo mejor: la actuación de David Hyde Pierce.

Lo peor: el innecesario triple salto mortal que se marca Tomnay en el desenlace.

Título: Big Bad Wolves

Director: Aharon Keshales, Navot Papushado

Guión: Aharon Keshales, Navot Papushado

Fotografía: Giora Bejach

Año: 2013

Duración: 110 min.

País: Israel

Productora: United Channel Movies

Reparto: Lior Ashkenazi, Tzachi Grad, Rotem Keinan, Doy Glickman, Menashe Noy, Dvir Benedek

Crítica de @PaulPorcoRosso

A mediados de octubre de 2013, Quentin Tarantino (como ya es costumbre) apareció en todas las revistas, webs y blogs relacionados con el cine con motivo de su ya tradicional "Lista de las 10 mejores del año". No quedó exenta de polémica, principalmente por la inclusión de películas como Lone Ranger (que también gustó bastante a @PauGarcia179), Kick-Ass 2 o la indie Drinking Buddies (tanto una como la otra me parecieron bastante buenas). Pero más importante que la lista es, como siempre, el cine más 'indie' que nos recomienda el genio de Tennessee. Tarantino dijo que Big Bad Wolves era, no sólo la mejor película que se había visto en el Festival Internacional de Cine de Busan, sino también la mejor del año, cosa que ha ido de perlas para la distribución de un filme que, de no ser por él, habría seguido habitando en la inopia.

Una serie de brutales asesinatos, perpetrados por un pedófilo a niñas menores de edad, ponen en contacto a tres hombres: Gidi (Tzachi Grad), el padre de la última víctima en busca de venganza; Miki (Lior Ashkenazi), un detective de policía que opera totalmente fuera de la ley, y Dror (Rotem Keinan), el principal sospechoso de los homicidios, un profesor de religión que ha sido arrestado y liberado por una negligencia policial.

La belleza formal de planos como este también le dan un valor añadido al
filme israelí.

Es una fábula de terror, un cuento infantil ambientado en la realidad más cruda y más dura de la que nosotros los espectadores seremos participes de primera fila. Es totalmente comprensible el porqué a Tarantino le gusta tanto este filme: se puede establecer un magnífico paralelismo con su opera prima Reservoir Dogs. La película israelí consigue mezclar a la perfección la violencia brutal de los actos de los personajes con diálogos rápidos, inteligentes y divertidos: eso que al de Knoxville se le da tan y tan bien.

También es fácil comparar Big Bad Wolves con una película de su mismo año, Prisoners, en el sentido de que somete al espectador y a sus protagonistas en un dilema moral donde la cordura y el razonamiento serán sus mayores aliados. Pero aquí la cordura brilla por su ausencia: todos son a su manera grandes lobos malos que actúan por su sed de venganza y ganas de cazar... ¿Es Dror una víctima inocente, o un castigado merecido? Deberás recorrer todo el camino, opresivo y tortuoso, que es Big Bad Wolves para descubrir la respuesta a la pregunta. Y te aseguro que habrá valido la pena.

Lo mejor: las grandes actuaciones del trío protagonista, la dirección a cuatro manos, y las trazas de comedia negrísima del guión.

Lo peor: se hace un poco repetitiva por las constantes interrupciones que sufre Gidi.

Título: The World of Wall Street (El lobo de Wall Street)

Director: Martin Scorsese

Guión: Terence Winter (basado en la autobiografía de Jordan Belfort)

Fotografía: Rodrigo Prieto

Año: 2013

Duración: 179 min.

País: Estados Unidos

Productora: Paramount Pictures / Red Granite Pictures / Appian Way Productions / Sikelia Productions / Emjag Productions

Reparto: Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Matthew McConaughey, Jean Dujardin, Kyle Chandler, Rob Reiner, Jon Bernthal, Jon Favreau, Ethan Suplee, Margot Robbie, Cristin Millioti, Katarina Cas, Joanna Lumley, Spike Jonze

'The Wolf of Wall Street' se basa en el libro aubiográfico de Jordan Belfort, ex agente de Bolsa que estafó a millones de personas. Aunque parezca imposible, la realidad supera a la ficción y el director del film, Martin Scorsese, admite que tuvo que descartar algunas cosas que aparecían en el libro porque eran poco verosímiles, a pesar de que, si nos fiamos de Jordan Belfort, todo ocurrió tal y como está en el libro. No había ningún director más adecuado para rodar esta película que Scorsese, acostumbrado a dirigir películas de mafiosos. Terrence Winter, guionista de 'Boardwalk Empire' y 'The Sopranos', adapta el libro de Belfort para la gran pantalla.

Jordan Belfort es un joven corredor de bolsa que llega a Wall Street con una pizca de moralidad, pues al principio cree verdaderamente que, además de ganar él, tiene que ganar el cliente. Sin embargo, pronto le hacen cambiar de idea y le enseñan en qué consiste la Bolsa: un lugar para hacerse rico sin tener en cuenta al cliente, pues el éxito del agente de Bolsa es inversamente proporcional a la compasión que tengas con el cliente. Al quebrar la empresa en que trabajaba, Belfort crea su propia compañía en base a los valores aprendidos en Wall Street y pronto su agencia consigue unos beneficios astronómicos.

La peor droga que carcome el alma y te quita todo resquicio de humanidad

Belfort está rodeado de todo tipo de drogas, pero la peor de todas no es ni la cocaína ni los 'ludes', es el dinero. Cuánto más dinero tienen los lobos de la agencia, más quieren y menos importa a quienes estafen si consiguen sus fines. Para ellos, la gente que tiene un trabajo honrado, aunque tengan que ir en transporte público y no vivan entre grandes lujos, son unos simples perdedores y por eso ya merecen ser estafados.

En esa búsqueda insaciable de dinero, los agentes de Bolsa entran en un espiral de cinismo, drogas y sexo, y eso es básicamente lo que muestra Scorsese en 'The Wolf of Wall Street': los excesos de los lobos de la Bolsa. Mientras vamos viendo estos excesos contados por Scorsese en forma de comedia negra, nos reímos, es cierto, pero dudamos de si lo que estamos viendo es una apología o una denuncia. El cineasta dice que él no juzga, el sólo hace cine, y deja que sea el espectador quién decida si lo que ha visto, que no tiene nada de ficción, es o no moralmente aceptable.

Estados Unidos y la cultura del dinero

El director de Nueva York también comentaba en una entrevista en 'Dirigido por' (nº440, enero 2014) que "la historia del lobo, y de la manera como la contamos, es una provocación para que la gente se cuestione que es lo que pasa en Wall Street." Y es cierto que Scorsese pone el asunto sobre la mesa, pero no está muy claro que la película sirva para agitar conciencias y darse cuenta de la inmoralidad de lo que sucede en la Bolsa. Más dudas surgen si tenemos en cuenta que Jordan Belfort ganó más de 1 millón de dólares con la venta de los derechos para la película y que incluso tenga un cameo. El director de 'Goodfellas' (1990) no está para nada de acuerdo con la cultura del dinero de Estados Unidos, esa que dice que no sólo está bien querer hacerse rico, sino que es además deseable, y ésta es precisamente la cultura que representan los asistentes a la conferencia de Belfort, que, en vez de escupirle a la cara de aquel que ha arruinado la vida de millones de personas, lo alaban como si fuera un genio.

'The Wolf of Wall Street' es una hilarante comedia negra con una dirección vibrante y unas interpretaciones asombrosas de prácticamente todo el reparto, Es provocadora y puede que excesiva, pero es necesario que así sea porque Wall Street es básicamente eso, un maldito e inmoral exceso.

Lo mejor: lo divertido que resulta la película, las interpretaciones, la escena de DiCaprio sin poder caminar y la de Matthew McConaughey
Lo peor: El cameo de Jordan Belfort, que lo que se cuenta sea totalmente real y que la película no funcione como denuncia

@PauGarcia179

Los hermanos Coen retratan en su nueva película su eterna pasión por las dos constantes más reconocibles de su filmografía: la música y las road-movies. Ya rindieron homenaje a la música en O Brother! (Odisea ambientada en el sur de los Estados Unidos en los años 30 de la que hizo crítica @PauGarcia179), y las road-movies son usadas por ellos más que como un género en sí, como un modo para mostrar el camino recorrido por sus personajes no sólo en cuerpo sino también en alma. En Inside Llewyn Davis, además, el director de fotografía Bruno Debonnel juega con la iluminación y una coloración grisácea e invernal que hará las delícias de cualquier amante del campo técnico del cine.

Llewyn Davis (Oscar Isaac) es un cantante de folk que vive sin casa fija en el barrio de Greenwich Village de Nueva York a principios de los años sesenta. Sobrevive cantando en pequeños garitos del barrio a cambio de la voluntad del público y gracias a la ayuda que los pocos conocidos que tiene le prestan. Al no encontrar éxito en la Gran Manzana, decide embarcarse en un viaje hacia Chicago para poder tocar ante el dueño de un prestigioso club musical.

Llewyn (interpretado por un glacial pero increíblemente expresivo Oscar Isaac), el protagonista (con permiso del gato atigrado cuyo nombre es mejor no conocer), es una hoja movida por el viento, un pobre fracasado que pasa los inviernos de sofá en sofá, sin una casa en la que acabar con el tedio de su desastrosa existencia. Un hombre incapaz de lidiar con los vaivenes de un negocio que no le comprende (o que no quiere comprenderle), y cuyo máximo triunfo será haber sido el telonero de Bob Dylan, un modo de contar su historia y dejar paso a aquél que será leyenda. En definitiva, un hombre triste, sin ataduras, y a la vez capaz de cortar con el amor, la genética, e incluso cualquier ciudad que sirva de fondo para su deprimente existencia.

No podemos evitar sentir pena por el pobre hombre que busca un espacio propio en medio de un mundo de dificultades interpuestas por la misma vida. O a lo mejor por sus actos. En este sentido, Inside Llewyn Davis establece un paralelismo con O Brother!: ya no por el hecho de una música que hace avanzar toda la trama, si no por el trasfondo de Odisea que contiene el relato (con easter egg incluido).

Inside Llewyn Davis es el nombre, también, del disco que Llewyn ha grabado en solitario. Un disco de folk que gira y da vueltas, y es triste y antiguo, un reflejo de la vida del cantautor. Un vinilo que se repite una y otra vez, cuya cara A es la vida, y el reverso, la muerte. Un LP que se nos lee mediante la adiamantada aguja de los hermanos de Minesota. Inside Llewyn Davis es la película que a muchos directores les gustaría tener en su filmografía, pero que en la de estos monstruos del cine supone una obra algo menor.

Lo mejor: Oscar Isaac, el gato hermafrodita, una historia que da para reflexionar.

Lo peor: en mi parecer no llega a la altura de las grandes obras de los Coen, y su humor negro se convierte casi en macabro.

Título: Inside Llewyn Davis

Director: Joel Coen, Ethan Coen

Guión: Joel Coen, Ethan Coen

Fotografía: Bruno Delbonnel

Duración: 105 min.

Año: 2013

País: Estados Unidos

Productora: StudioCanal / Scott Rudin Productions / Mike Zoss Productions

Reparto: Oscar Isaac, Carey Mulligan, John Goodman, Ethan Phillips, Garrett Hedlund, Justin Timberlake, Max Casella, F. Murray Abraham, Jeanine Serralles, Stark Sands, Jerry Grayson, Robin Bartlett, Adam Driver

Título: The Hangover Part III (R3sacón)

Director: Todd Phillips

Guión: Todd Phillips, Craig Mazin (basado en los personajes de Scott Moore y Jon Lucas)

Fotografía: Lawrence Sher

Año: 2013

Duración: 100 min.

País: Estados Unidos

Productora: Legendary Pictures / Green Hat Films / Warner Bros.

Reparto: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Ken Jeon, Justin Bartha, John Goodman, Heather Graham, Melissa McCarthy, Jeffrey Tambor, Gillian Vigman, Sasha Barrese, Jamie Chung, Mike Epps

Se acabaron las fechorías por parte del 'Wolfpack'. Eso es. 'The Hangover III' es la tercera y última parte de las aventuras y desdichas del grupo formado por Ed Helms (Stu), Bradley Cooper (Phil), Zach Galifianakis (Alan), y un Justin Bartha (Doug) que, como siempre, brilla por su ausencia. Es un resacón diferente al que nos tenía acostumbrados Todd Phillips en sus dos predecesoras, pero eso, a priori, no es significativamente malo, ni bueno tampoco: sólo da a sus personajes un nuevo fondo sobre el que trabajar, el de la comedia de acción (con ciertos aires a road movie que tan buen resultado le ha dado siempre a Phillips). Este es el Resacón de los otros dos resacones.

En esta última aventura, Alan (Galifianakis) acaba de perder a su padre (Jeffrey Tambor) de un ataque al corazón. A consecuencia de esto, su madre insta a Doug (Bartha), Phil (Cooper) y Stu (Helms) para que se lo lleven a una institución mental en Arizona. Por el camino, serán secuestrados por Marshall (John Goodman), el tipo propietario de las drogas que el "Doug negro" (Mike Epps) le vendió a Alan en 2009 (The Hangover), que clama venganza por ese hecho...

Momento Beatles en The Hangover Part III

¿Qué significa que "este es el Resacón de los otros dos resacones"? Bien, volvamos al año 2009. El 5 de junio se estrenaba en las salas de los Estados Unidos este fenómeno que conquistó a la cartelera (recaudó casi 14 veces su presupuesto de 35 millones US$) y los corazones de los espectadores: el wolfpack se emborrachaba, se drogaba, iba de putas, robaba un coche de policía, mostraba poco respeto por el tigre de Mike Tyson, y, además, gustaba. Cuando, 2 años más tarde llegó The Hangover Part II, Todd Phillips repitió fórmula (¡ahora en Tailandia!), y volvió a conquistar la taquilla. Los números engañan, pues esta entrega de las peripecias de Alan, Stu y Phil, aún superando la recaudación de su predecesora por unos 110 millones US$, no fue tan rentable (7 veces su presupuesto). Además, fue algo criticada, evidente y justificadamente, por la repetición de esquema y hasta algunos gags reminiscentes de la primera parte.

Así pues, The Hangover III significa un tipo de "limpieza" del organismo para Phillips, un cambio de fórmula en aras de satisfacer a un público que, a priori, parecía estar harto de ver a los mismos personajes pasar por situaciones tan similares una vez y otra. Es la resaca que nos han traído sus dos predecesoras: el Resacón de los resacones. El acierto del director y guionista es hacer que todo el peso de la comedia se pose sobre los hombros de Galifianakis y Ken Jeon, convirtiendo a Helms y Cooper en meros compañeros de viaje para la maduración del personaje de Galifianakis, y por consiguiente, algo abandonados en muchos gags. Merece una mención especial Melissa McCarthy, que protagoniza algunas de las mejores escenas del filme.

Este Alan, siempre dando la nota...

En ciertos momentos, la película peca de sentimentalismo hacia una trilogía que termina (constantes referencias a las dos aventuras del trío protagónico), y hay una sospechosa cantidad de maltratos animales (pollos forzados al canibalismo y el consumo de cocaína, uno de estos pollos asesinado como cierto personaje en One Flew Over the Cuckoo's Nest, decapitación de una jirafa...), que aparecen como sátira posiblemente hacia las quejas de la PETA sobre el mono fumador de la segunda parte, a la que, por cierto, The Hangover Part III es claramente superior. Esto, no obstante, no impide disfrutar una vez más de las locuras de Alan y su manada en la que parece será su última resaca.

Lo mejor: el prólogo, el epílogo, y la escena post-créditos, el exceso del que echa mano Todd Phillips para recordarnos que, al fin y al cabo, esto es Resacón. Ah, y ¡una banda sonora magnífica!

Lo peor: a mi parecer no se aprovecha del todo la presencia del siempre carismático John Goodman.

@PaulPorcoRosso

Cuando se estrenó en 1998, The Big Lebowski fue un rotundo fracaso que se colocó en el puesto 96 en Estados Unidos de la lista de las más taquilleras. Este hecho es sorprendente, ya sea por el éxito posterior de esta genial película, o por el increíble notoriedad de los hermanos Coen con su anterior filme Fargo, en 1996. En su momento incomprendida, es la nombrada "primera película de culto de la era de Internet", ya que es pasado un tiempo que se le ha atribuido el estatus de obra maestra del cine independiente.

The Dude (Jeff Bridges) un día es confundido por un par de matones con el multimillonario Jeff Lebowski, con quien sólo comparte el apellido. Después de que estos matones se meen en la alfombra que "armoniza el salón", Dude empezará una búsqueda de "el Gran Lebowski", de cuyo encuentro saldrá un trato: éste le dará una recompensa si The Dude es capaz de encontrar a la esposa del magnate.

La historia de The Big Lebowski, sin ser nada del otro mundo, se eleva hasta un nivel de obra de culto gracias a los momentos brillantes y los geniales personajes que saben crear estos monstruos del cine que conforman el director bicéfalo: la conversación en la cafetería sobre dónde conseguir un dedo gordo (por cierto, en la misma dónde se rodó unos años antes la escena inicial de Reservoir Dogs), los nihilistas alemanes, las escenas onírico-musicales (a los que Roger Deakins sabe sacar un enorme rendimiento en el excelente trabajo de fotografía) o la breve pero hilarante aparición de John Turturro como un pederasta cubano-estadounidense jugador de bolos ("nobody fucks with the Jesus").

"Dirás lo que quieras del nacional-socialismo, pero al menos eso es una doctrina"

Este viaje al corazón de unos antihéroes con una severa crisis existencial, no sería lo mismo sin la ya mencionada fotografía de Deakins, pero sobretodo sin la aclamada banda sonora (también encargada a un habitual de los Coen, Carter Burwell) que es una amalgama de temas clásicos del pop-rock, música clásica, y divertidas versiones de ciertos títulos (como el 'Hotel California' de los Gypsy Kings, con más sentido ya que The Dude odia a los Eagles).

En The Big Lebowski encontramos casi todos los tics en la dirección de autoría de los hermanos Coen. Puede que el más gracioso y en sí el más característico sea la confección de unos personajes que, aunque estrafalarios y llevados al límite, representan una feroz sátira y una fidedigna representación de parte de la sociedad norteamericana de Los Angeles. The Dude (El Nota en la versión española, interpretado por un Jeff Bridges en el que a lo mejor sea el filme más recordado de su carrera), vago, objetor de conciencia, desempleado y despreocupado solterón que arrastra en sus hombros un pasado marcado por las mejores épocas musicales de su país (él es un ferviente admirador de los Creedence Clearwater Revival) y una mente que parece decidido a continuar dañando con las drogas que aún consume, es la antítesis del sueño americano, con el pasotismo y el "ir tirando" como forma de vida (existe una religión el Dudeism, que trata de emular el estilo de vida de The Dude), sin aspirar a un éxito mayor por su predisposición al fracaso (su única reacción posible a las provocaciones de Jesús en la bolera es "bueno, en fin, eso es lo que tu opinas, tío"). Se pasea con su white russian, fuma maría, y cree que la alfombra en la que se han meado los matones "armoniza el salón".

"Nadie le toca los huevos a Jesús"

Sus compañeros de la bolera, viven en su mismo mundo: Walter Sobchak (brillantemente interpretado por John Goodman), judío impostado dominado por su ex esposa, director de su propia empresa de seguridad ("Sobchak Security") y con daños mentales colaterales de su estancia en Vietnam, no duda en hacer callar a Donny Kerabatsos (Steve Buscemi), personaje ingenuo y necesario en los diálogos de la bolera, pero de poca presencia en el filme, con una coletilla usada en múltiples ocasiones ("shut the fuck up, Donny"), autoreferenciando al personaje, creado también por los Coen, de Buscemi en Fargo.

Todos estos elementos convierten a The Big Lebowski (en mi opinión) en una de las obras cumbre del cine de los Coen, la demostración de su capacidad para crear una genial comedia satírica, impía, salvaje, avinagrada, y por supuesto endiabladamente divertida.

Lo mejor: sin dudarlo ni un momento, esta escena. Bueno, o esta. Tal vez esta. Vaya, esto es más jodidamente difícil de lo que pensaba...
Lo peor: ese final, esa rotura del hilo argumental de la película que a nadie le gusta. Sin embargo, esto es una mancha menor en una inmensa película.

Título: The Big Lebowski (El Gran Lebowski)

Director: Joel Coen, Ethan Coen

Guión: Joel Coen, Ethan Coen

Fotografía: Roger Deakins

Año: 1998

Duración: 127 min.

País: Estados Unidos

Productora: Coproducción EEUU-Gran Bretaña: Polygram Filmed Entertainment / Working Title Films

Reparto: Jeff Bridges, John Goodman, Julianne Moore, Steve Buscemi, Tara Reid, David Huddleston, Ben Gazzara, John Turturro, Peter Stormare, Phillip Seymour Hoffman, Loyd Catlett, Flea

Título: Turistas (Sightseers)
Director: Ben Wheatley
Guión: Steve Oram, Alice Lowe
Fotografía: Laurie Rose
Año: 2012
Duración: 89 min.
País: Inglaterra
Productora: Big Talk Productions / StudioCanal / Film4
Reparto: Steve Oram, Alice Lowe, Sara Stewart, Tony Way, Jonathan Aris, Lucy Russell, Richard Lumsden, Monica Dolan

Ben Wheatley, director de 'Kill List' (2011), dirige 'Turistas' ('Sightseers', 2012), cuyo guión ha sido premiado en los festivales de Sitges, Mar de Plata y en el British Independent Film Awards, por lo que las expectativas al ver la película eran bastante altas. Por si esto no fuera poco, está producida, entre otros, por Edgar Wright, director de la trilogía del Cornetto, aunque esto no signifique necesariamente que la película esté al nivel de los filmes del realizador inglés.

'Turistas' nos cuenta la historia de una pareja de un pueblo de Inglaterra que inician unas vacaciones por en su caravana. Sin embargo, un accidente marca sus vacaciones y se convertirán en protagonistas de una escalada de asesinatos.

La película dirigida por Ben Wheatley es una comedia negrísima con unos personajes de lo más excéntricos que estarían mejor encerrados en un manicomio. El filme tiene momentos realmente divertidos, ya sea a través del gag visual o de los geniales diálogos entre los dos protagonistas, que también escriben el guión, lo que hace suponer que la improvisación jugó un papel importante. Es precisamente en las escenas que no se centran en la trama criminal cuando el espectador medio se reirá a carcajadas, pero cuando empiecen los asesinatos, la incomodidad empezará a instalarse en los corazones de los espectadores.

Qué entrañable e inofensiva pareja... ¿Seguro?

El filme está correctamente dirigido por Whealey, con algunas imágenes realmente preciosas de la Inglaterra rural que conforman esta particular semana de vacaciones donde los protagonistas recorren algunos sitios de gran interés turístico y cultural del país británico.

Esta película no es apta para todos los públicos, a algunos les escandalizará la violencia de estos personajes, y aunque algún crítico la haya tachado de gore, para nada es el caso (lo dice alguien que no soporta ese tipo de películas), pues el director no se recrea excesivamente en los asesinatos. Pero más que lo explícito de la representación de la violencia, lo que realmente incomoda es que los personajes, aunque están completamente locos, con frases como “El asesinato es ecológico, ya que reducimos las emisiones de dióxido de carbono que consumirían estas personas” parecen, a primera vista, normales e inofensivos. Cuando vemos una película de mafiosos, de Tarantino o de los Coen, no nos escandalizamos con la violencia, porque nos parecen personajes tan alejados a nosotros, que estamos tranquilos porque no nos acabábamos de creer que existan este tipo de personas. Pero cuando los personajes son gente normal que podrías cruzarte en la calle, entonces la incomodidad se apodera de nosotros.

Imposible saber quién está más loco de los dos protagonistas

También es cierto que nunca conectaremos con los personajes ni entenderemos las motivaciones de sus actos, pero es totalmente lógico, al fin y al cabo están completamente locos. Llegados a un punto, tengo que reconocer que iba perdiendo interés en la trama principal debido a lo aleatorio y violento de sus actos, e intentaba centrarme en los diálogos entre los protagonistas, donde se encuentra sin duda lo mejor de la película.

Seguramente sería aventurar demasiado por mi parte, pero esta película parece querer reflejar la hipocresía de quiénes no se escandalizan con la violencia en las películas de Tarantino o de los Coen pero critican la violencia gratuita de 'Turistas' (algo absurdo, pues el filme trata precisamente de esto).

'Turistas' nos deja escenas memorables como la del lápiz de 24 libras, e impactantes, como la del ciclista en la carretera, unas te harán reír a carcajadas y las otras moverte incómodo en tu silla. Hay que reconocer que es un filme irregular, que al final puede decaer un poco, pero lo compensan los geniales diálogos y las brillantes interpretaciones. Si te gustan las comedias negras más bestias te encantará esta película.

Lo mejor: los diálogos y las interpretaciones de los protagonistas
Lo peor: mucha gente no soportará la película debido a la crudeza y aleatoriedad de la violencia.

@PauGarcia179