Confesiones de una banda de chicas sin alma

Título: Foxfire

Director: Laurent Cantet

Guión: Laurent Cantet

Fotografía: Pierre Milon

Duración: 143 min.

Año: 2012

País: Francia

Productora: Foxfire Productions / Haut et Court / Memento Films International / The Film Farm

Reparto: Raven Adamson, Katie Coseni, Madeleine Bisson, Claire Mazerolle, Rachel Nyhuus, Paige Moyles, Lindsay Rolland-Mills, Alexandria Ferguson, Chelsee Livingston, Tamara Hope, Rick Roberts, Briony Glassco

Crítica de @PaulPorcoRosso

Competidora en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y ganadora del premio a la mejor actriz para Katie Coseni, Foxfire fue generalmente maltratada por la crítica profesional. Su director, el mítico realizador francés Laurent Cantet, adapta para esta película la novela Puro Fuego: confesiones de una banda de chicas de Joyce Carol Oates. La acción se sitúa en Nueva York, 1953. Un grupo de chicas adolescentes se niegan a ser sometidas a una sociedad que las ata y las anula como seres humanos, esperando su silencio y sumisión al sistema. Formarán la sociedad secreta femenina "Foxfire", que tiene como lema vivir bajo sus propias leyes y reglas para siempre. Pese a que todo empieza como una locura de juventud, poco a poco se vuelve peligroso y serio a medida que la banda crece en número y poder.

¡Alerta! ¡Lector/a, no se deje llevar por la sinopsis! Foxfire es como el perro del hortelano: ni come ni deja comer. Es cine neutro, largo y cansino. Pese a un buen material de base (la novela de Joyce Carol Oates), un buen arranque y una ambientación y diseño de producción muy cuidadas al detalle (potenciadas por la fotografía de Pierre Milon), la película del francés Cantet acaba por resultar una amalgama de temas vistos de refilón sin profundizar en ninguno de ellos. Resulta paradójica pues la excesiva duración de la cinta: se planea la superficie de muchos conflictos (como las relaciones homosexuales, el racismo) sin entrar de lleno en ellos, y se invierte demasiado tiempo en no hacerlo. De entre sus muchos defectos, el que más me enerva es el retrato que Cantet hace del género masculino. Según Foxfire el hombre es una figura plana y sin ninguna arista (aunque tampoco hay una evolución de los personajes femeninos pese a pasar por la cárcel y sufrir un intento de violación), casi un animal, un ser degenerado e irrazonable. Entiendo que es crucial para intentar que sintamos empatía por sus personajes (la banda), pero ni así lo consigue.

Tampoco es fácil entrever el mensaje que plantea mandar Cantet con esta película. ¿Es simplemente cine de época o busca mostrar la pérdida de inocencia de sus protagonistas? ¿No te fíes de los hombres? Al final, todo queda como el diario de una quinceañera, y el tufo a telefilme obliga al público a abandonar la sala. 143 minutos perdidos en una sala a oscuras con un montón de desconocidos (tanto en la pantalla como en las butacas colindantes). Cine de una calidad tan mediocre que no permite disfrutar de sus evidentes fallos (véase Sharknado) ni emocionarse con sus bellos momentos. Ni come, ni deja comer.

Lo mejor: la ambientación, la fotografía, el arranque.

Lo peor: su excesiva duración, su mensaje diluido.

Crítica original en Pandora Magazine

'Another me', el horrible thriller ¿terrorífico? de Isabel Coixet

Título: Another me

Director: Isabel Coixet

Guión: Isabel Coixet

Fotografía: Jean-Claude Larrieu

Año: 2014

Duración: 86 min.

País: Reino Unido

Productora: Coproducción Reino Unido-España; Rainy Day Films / Tornasol Films

Reparto: Sophie Turner, Geraldine Chaplin, Claire Forlani, Jonathan Rhys Meyers, Rhys Ifans, Ivana Baquero, Gregg Sulkin, Leonor Watling, Sara Lloyd-Gregory, Charlotte Vega

Crítica por @PaulPorcoRosso 

Another me podría formar un tríptico sobre la identidad juntamente con The Double y Enemy. Las tres películas, estrenadas en un corto período de tiempo, versan sobre el mismo tema: el quiénes somos y qué es nos hace diferentes. Pero mientras Enemy con increíble tensión y pulso narrativo, y The Double con un finísimo humor negro triunfan en hacer llegar el mensaje al espectador, Another me se hunde a todos los niveles menos el interpretativo, y sus intentos de mostrar la crisis de identidad más o menos presente en todos los adolescentes se pierden en un guión desesperadamente malo. El filme narra la historia de Fay (Sophie Turner), una joven adolescente con una vida aparentemente perfecta hasta que todo empieza a torcerse: su padre enferma, su madre tiene un affaire con alguien muy cercano a Fay... Para colmo, empieza a tener la sensación de que alguien la está siguiendo, alguien que es exactamente igual que ella, una persona que no se conforma con tener su mismo aspecto, sino que quiere tener su vida entera y suplantarla.

Pese a sus fallos, la película de Coixet nos descubre el talento que la teatral
Sansa Stark esconde bajo esos ropajes invernales.

Si extraemos el elemento paranormal del guión de Coixet, el argumento del filme es un drama decente: una adolescente lucha para hacer frente a una situación familiar muy complicada con su padre enfermo y deprimido y una madre adúltera, a su primer amor, a la crisis económica y a un papel importante en una obra de teatro (que le ha dado el profesor con el que su madre es adúltera). Me interesa más esta película que el desastroso ejercicio de estilo que es Another me. Pero la película es como es: el añadido de una capa sobrenatural no se une bien al elemento dramático, y todo intento de hacer que el filme sea un reflejo de las ansiedades de la adolescente en pleno proceso de convertirse adulta queda en menos y nada: no consigue generar empatía y mucho menos los escalofríos que imagino pretende que sintamos (y yo soy de los fáciles de asustar), ni define bien la psicología de ninguno de los personajes. Todos los elementos a los que Coixet sabe recurrir para asustar al espectador no son más que puertas que se cierran, luces que se apagan, ventanas que se rompen o otros clichés del género arrojados a la pantalla y a los altavoces sin criterio alguno. Incluso elementos con los que busca generar tensión y desconcierto (gente que dice haber visto a Fay en lugares donde no ha estado o caras borrosas en fotografías) resultan gastados e indignantes.

En esta ocasión, Coixet dirige bien a sus actores (y actrices), pero falla en
todo lo demás.

Eso sí, en el sector interpretativo todos los actores cumplen en sus respectivos roles, destacando por encima de todos a la protagonista Sophie Turner (Sansa Stark para los seguidores de Game of Thrones, desconocida para todos los demás), que deja con ganas de verla interpretando un papel más serio en una película mejor. Pero como es de suponer, unas actuaciones que se sitúan en el espectro de correctas a buenas son incapaces de salvar tanto las debilidades del guión como una dirección mediocre de Isabel Coixet. Aunque visualmente es poderosa y el director de fotografía Jean-Claude Larrieu logra una conseguida composición de planos, esta belleza de las imágenes no es más que eso: una belleza vacía.

Isabel Coixet es, como ya ha demostrado en varias ocasiones, una directora que no va corta de talento. Pero en este filme parece haberlo extraviado con un guión muy flojo (de su autoría) casi cómico sin pretenderlo, y en la búsqueda de un público (adolescente) que no le corresponde. Another me es una pérdida de tiempo para el espectador, y la desagradable sensación de que Coixet puede haber perdido el norte.

Lo mejor: descubrir que Sophie Turner tiene más registros que la cara de palo con la que se pasea por Poniente en Game of Thrones.

Lo peor: de entre todos los elementos que fallan en Another me, el peor de todos es su desastroso guión.

Crítica original en Pandora Magazine

Sueños rotos con vistas a la Estatua de la Libertad

Título: The Immigrant

Director: James Gray

Guión: James Gray, Ric Menello

Fotografía: Darius Khondji

Año: 2013

Duración: 117 min.

País: Estados Unidos

Productora: Kingsgate Films / Worldview Entertainment / Keep Your Head Productions

Reparto: Marion Cotillard, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner, Angela Sarafyan, Anoni Corone, Dylan Hartigan, Dagmara Dominczyk

Crítica de @PaulPorcoRosso

James Gray escribe y dirige su quinto largometraje, The Immigrant, en el que colabora una vez más con el habitual en su filmografía Joaquin Phoenix. The Immigrant es un relato sobre el sentido de la familia en el que el crimen y la religión están muy presentes. Es la historia de una inmigrante polaca, Ewa (Marion Cotillard), que huye junto a su hermana Magda de Polonia por los estragos que ha causado en el país la primera Guerra Mundial y emigran a los Estados Unidos, concretamente a la ciudad de Nueva York. Al llegar a Ellis Island ponen en cuarentena a Magda (enferma de tuberculosis), y deportan a Ewa de vuelta a Polonia. Bruno (Phoenix), un americano que se encuentra en Ellis Island le ofrece a Ewa la entrada al país a cambio de que trabaje en un cabaret. Poco a poco, su trabajo requerirá cada vez menos escrúpulos...

The Immigrant es cine de alta categoría, sin dudarlo. Una historia conocida, pero con un bellísimo envoltorio y un sabor completamente nuevo: Gray mantiene durante gran parte del metraje un ritmo moderado con situaciones controladas y contención magnífica. No hay ningún sobresalto, ni elementos electrizantes que den el "sí debo" a entrar en la lista de las mejores películas del año. Digo el "sí debo", porque el "sí quiero" se presupone y se evidencia en los últimos 35-40 minutos de película: el desenlace contiene la mayor parte de carga dramática del metraje, y es lo que hace pasar la película de una experiencia interesante a un altísimo notable drama de época. El final, mediante el uso de un espejo, muestra a dos personajes dirigiéndose a direcciones que sabemos que son opuestas pero se nos enseñan como una misma en el plano. Dos caminos que llevan al mismo sitio: a la decadencia, a la pobreza, a la depresión. Huir o quedarse, qué más da: un sueño americano roto, una desilusión tras otra, ilusos que creen que "la Tierra de las oportunidades y el hogar de los valientes" es el país de las esperanzas. No hay sueños posibles en la isla de Ellis, es más: allí es donde se rompen.

The Immigrant es una película eminentemente interior, muy teatral. Darius Khondji mediante la fotografía consigue yuxtaponer amarillos anaranjados con grises negreceos. Luces, sombras y siluetas que funcionan a la perfección en espacios pequeños y estrechos, pero no tanto en exteriores. Eso sí, tanto en interior como en exterior el magnífico trabajo de sus actores remarca la descarga dramática del autor. Marion Cotillard sufre, como su personaje, y cautiva con su mirada perdida puesta en su hermana y la isla de Ellis; y Joaquin Phoenix confirma una vez más que es uno de los actores más preparados de la actualidad. Después de amenazar con dejar el cine en 2008 con el mockumentary de Casey Affleck, Phoenix ha demostrado ser capaz de encadenar recital interpretativo con recital interpretativo (Her, The Master, ahora The Immigrant). También es destacable Jeremy Renner, un buen actor con malas elecciones de papeles, aunque su personaje en esta película es sólo un escalón más hacia el clímax dramático. The Immigrant no se cuela en las listas de lo mejor del pasado año por la dura competencia y un arranque medido a fuego muy lento. Pero una cosa es segura: es cine del grande. Del que debería aspirar a premios.

Lo mejor: el reparto y sus actuaciones, la fotografía, ese plano final.

Lo peor: poca fuerza del personaje de Renner, a la película le falta "desatarse" en su primera mitad.

P. S.: ¿Qué es el título que le han puesto en España a una película que podría haberse titulado perfectamente como La Inmigrante? Una carcajada en la cara de James Gray, una broma de mal gusto del traductor, una traducción de alguien que no ha ni atendido ni entendido al filme. Un insulto a la película y a sus guionistas, porque precisamente la isla de Ellis es donde todos los sueños se tuercen y se hacen pedazos.

La falsa trascendencia y la insultante actuación de Jack Sparrow

Título: Transcendence

Director: Wally Pfister

Guión: Jack Paglen, Jordan Goldberg, Alex Paraskevas, Wally Pfister

Fotografía: Jess Hall

Año: 2014

Duración: 119 min.

País: Estados Unidos

Productora: Warner Bros. Pictures / Alcon Entertainment

Reparto: Johnny Depp, Rebecca Hall, Paul Bettany, Kate Mara, Morgan Freeman, Cillian Murphy, Cole Hauser, Clifton Collins Jr., Josh Stewart, Olivia Taylor Dudley

Crítica por @PauGarcia179

Wally Pfister, el director de fotografía de la mayoría de las películas de Christopher Nolan, debuta en la dirección con 'Transcendence'. Con la ayuda del director de 'Batman Begins' en labores de producción, saca adelante esta película que cuenta con algunos de los actores habituales de Nolan , como Cillian Murphy y Morgan Freeman. 

Will Caster es el más importante investigador en materia de inteligencia artificial. Aunque obtiene elogios y  despierta admiración entre muchos, también se ha ganado antipatías desde los sectores más anti-tecnológicos. Después de una conferencia, Caster es víctima de un atentado que le deja al borde de la muerte. Para salvar su consciencia, su mujer y un amigo (también científicos como Caster), deciden conectarlo a una inteligencia artificial.

Hay que reconocerlo: el inicio es prometedor. Se nos presenta, mediante un flashforward, un futuro en el que la tecnología ya no se utiliza. Sin duda, ese principio despierta el interés del espectador y genera expectativas para saber qué ha pasado para llegar a esta situación, pero cuando salimos del flashforward y empieza la narración lineal, las cosas se empiezan a torcer. 

Para empezar, tenemos que aguantar la lamentable actuación de Johnny Depp, que parece sumarse a la escuela interpretativa de Colin Farrell y Ben Affleck. Gracias a su anti-actuación, consigue despertar en el espectador la más absoluta indiferencia por lo que pueda pasarle al personaje que interpreta. Es cierto que los guionistas tampoco acaban de dibujar bien al personaje, pero ni el actor, ni el propio director consiguen imprimirle un poco de alma.  El resto de personajes tampoco acaban de estar bien retratados, y por ejemplo vemos pasar por ahí a Cillian Murphy, correcto (pero vacío) como policía del FBI y a Morgan Freeman, que hace creíbles sus líneas de diálogo por muy absurdas que puedan ser. El amigo científico es quizás el mejor personaje, con sus dudas y sus humanas contradicciones, y además Paul Bettany está creíble en todo momento. Rebecca Hall también se esfuerza en dar un poco de vida a Evelyn, la mujer del protagonista, pero aunque lo intenta no puede hacer verosímil la historia de amor si su pareja argumental nos importa un rábano y el actor que lo interpreta no se toma en serio su actuación. 


'Transcendence' intenta hablar sobre los peligros de la tecnología y en concreto de la inteligencia artificial, planteando que ésta se podría volver en nuestra contra. Stephen Hawking (entre otros científicos) reflexionaba sobre esto en un artículo publicado en The Independent, y advertía de los peligros de la inteligencia artificial: "El éxito en la creación de IA podría ser el más grande acontecimiento de la humanidad. Desafortunadamente, también podría ser el último."  Y es algo que también pretende transmitir la película, pero la verdad es que el guión está tan plagado de errores y la ejecución resulta tan inverosímil que no nos lo podemos tomar en serio, a pesar de sus aires de grandilocuencia y solemnidad, que justamente actúan en su contra. 

Está muy bien querer dar un poco de cuerpo, de reflexión a la película, faltaría más, pero si se opta por el camino de la seriedad y la trascendencia, el guión tiene que estar a la altura de esa ambición. Por desgracia, aquí es tan poco consistente que roza lo ridículo. Y es que seguramente, el director acaba transmitiendo lo contrario a sus intenciones: si quiere que el espectador se inquiete y se formule preguntas, el planteamiento tiene que ser mínimamente verosímil; si no lo es, le resta importancia al debate propuesto e instala a los espectadores en una falsa tranquilidad respecto a la inteligencia artificial. Esa falsa tranquilidad, esa burbuja de indiferencia que invita al conformismo puede ser peligrosa, como advierten los científicos en el artículo de The Independent, porque la inteligencia artificial ya es una realidad y avanza rápidamente. 

'Transcendence' no funciona ni como película de ciencia-ficción, ni de acción (demasiado aburrida para ser un blockbuster) ni tampoco como historia romántica, porque pese al noble intento de Rebecca Hall de insuflar vida a su personaje ahí está Johnny Depp para neutralizar lo conseguido por su compañera de reparto y hacer totalmente inviable la conexión emocional del espectador con los protagonistas del film. Los aires de trascendencia y solemnidad solo se palpan en la superficie y en el fondo no hay más, de manera que la película se convierte en un frívolo intento de reflexión acerca de la tecnología y la inteligencia artificial. 

The Proclaimers animan la tarde des de Edimburgo

Título: Sunshine on Leith

Director: Dexter Fletcher

Guión: Stephen Greenhorn

Fotografía: George Richmond

Año: 2013

Duración: 100 min.

País: Reino Unido

Productora: Black Camel Pictures / DNA Films

Reparto: Peter Mullan, Antonia Thomas, Jason Flemyng, Freya Mayor, Jane Horrocks, Paul Brannigan, George MacKay, Kevin Guthrie, John Spence, Robert Yates

Crítica de @PaulPorcoRosso

We will rock you, Hoy no me puedo levantar, Mamma Mia!, Viva Forever. Queen, Mecano, ABBA, Spice Girls. Y a esta lista se unen The Proclaimers. Este filme es otro ejemplo de cómo confeccionar un musical alrededor de las canciones de un grupo pop. Este estilo de realización de obras musicales, más versado al mundo del teatro que al del cine (sólo Mamma Mia! se llevó a la gran pantalla) acostumbran a ser no tanto historias con profunda trama y férreos valores, sino espectáculos para rememorar tiempos dorados para la música pop. En Sunshine in Leith, Davy y Ally vuelven tras cumplir el servicio militar en la guerra de Afganistán a su ciudad natal de Edimburgo en el bonito barrio de Leith, para encontrarse con sus respectivas parejas: Ally con Liz (Freya Mayor) y Davy con Yvonne (Antonia Thomas). A su vez, Rab y Jean (los padres de Davy y Ally) planean la celebración de sus bodas de plata. Todo va bien, hasta que se revela una parte del pasado de Rab que amenaza con destruir a la familia y separar las tres parejas para siempre.

Sunshine in Leith se basa en un musical de éxito en la Gran Bretaña, y no es más que la trillada historia de desengaños y reencuentros en tres historias amorosas. En ella, la trama se urde a través y gracias a las composiciones del dúo musical The Proclaimers, natural de Escocia. Se la puede acusar de bobalicona y sensiblera, sí, pero mantiene el humor natural de todos los musicales: hay un par de números que recuerdan a clásicos como Seven Brides for Seven Brothers o Singing in the Rain (la canción del pub o esos planos secuencia del final), pero la mayoría se acercan más a la mediocridad de los contemporáneos como Mamma Mia!, en la que se notaba que la película estaba escrita para las canciones y no al revés como en los clásicos. Tampoco da la sensación de que aspire a reinventar el género, cosa que juega a su favor en el sentido de que Sunshine in Leith es lo que es, ni más ni menos.

Lo que sí podemos destacar, amén de un par de números brillantes y sus pegadizas canciones, son las interpretaciones, histriónicas como requiere una película de estas características. Los actores y actrices dan rienda suelta a su expresividad facial y expresan sus alegrías y tristezas mediante coreografías excesivas y canciones explicativas. Además la ciudad de Edimburgo (más en concreto el barrio de Leith) es un personaje más de la película. Retratada con enorme encanto y una visión muy colorista (que casan a la perfección con la historia que se está contando) por el director de fotografía George Richmond con estupendos planos aéreos y generales de esta hermosa ciudad portuaria de Escocia.

Sunshine in Leith no es más que la versión de The Proclaimers de los musicales que versan en torno a un grupo musical: ligero y en ocasiones divertido, con canciones medio conocidas y sobre todo pegadizas, cuya gran virtud es no pretender ser más que eso, una simpática y fresca historia para una tarde de verano en el cine.

Lo mejor: la banda sonora pegadiza, canciones reconocibles y los últimos números musicales. Se disfruta como pasatiempo veraniego.

Lo peor: abundan los tópicos, una más en el montón de las comedias románticas, pero en versión musical.

Crítica original en Pandora Magazine

NO ESTRENOS: 'Shame', de Steve McQueen

Título: Shame

Director: Steve McQueen

Guión: Steve McQueen, Abi Morgan

Fotografía: Sean Bobbit

Año: 2011

Duración: 99 min.

País: Reino Unido

Productora: Film4 / UK Film Council / See-Saw Films

Reparto: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Behaire, Jake Richard Siciliano, Hannah Ware, Alex Manette, Chris Miskiewicz, Jay Ferraro, Anna Rose Hopkins, Eric Miller, Lucy Walters

Crítica de @PaulPorcoRosso

Shame es la brutal historia de un hombre y su adicción al sexo. Una historia de la pérdida de libertades en pos de una mente enferma: el protagonista se encuentra en una espiral en plena caída vertiginosa de la que es casi imposible escapar. El hombre en Shame, Brandon, es un ser condenado a descomponerse en solitario, condenado a caer en los infiernos de su existencia, a vagar por los bajos fondos de la isla de Manhattan en busca de una pareja que palie sus sucios deseos. En Hunger, el protagonista usaba su cuerpo a modo de arma para generar libertad. En Shame, el individuo independiente y moderno con plena libertad encuentra en su cuerpo y sus adicciones la prisión de la que no puede escapar. Al frente del reparto, y con gran parte de la carga dramática de la película está el magnífico Fassbender, ganador del Copa Volpi al Mejor actor en Venecia y ninguneado (como todo el filme) por la Academia, en su mejor actuación frente a las cámaras. Su mirada intensa y implicación tanto anímica como física transmiten de manera perfecta el dolor de aquel que está atrapado y no puede escapar: sus gestos, ojos tristes, mirada al infinito nos hablan casi más de él que sus líneas de diálogo.

Como fuente de la toma de conciencia de Brandon ante sus problemas, tenemos a su hermana Sissy, interpretada también con grandiosa majestuosidad por Carey Mulligan. Es, en gran parte, la antítesis del personaje de Brandon: no tiene ni oficio ni beneficio, ni sabe cuál es su destino. Llega a Nueva York buscando en Brandon el amor que no puede obtener de otros hombres, y lo único que puede llevarse es rechazo por su parte. Grande es la aportación de Carey Mulligan a uno de los pilares sobre los que se sostiene el filme: la banda sonora. Capaz de reforzar los momentos más dramáticos de sufrimiento como los de intenso placer y de saber acallarse cuando así se requiere, va desde composiciones propias de Harry Escott (como música extradiegética) hasta pequeñas muestras de las Variaciones Goldberg de Bach (diegética), pasando por uno de los momentos clave de la película: la triste versión de New York, New York cantada casi a plano fijo por Carey Mulligan. Una absorbente escena de larga duración que nos somete a observar la soledad y la tristeza de los personajes, a verlos más desnudos que nunca en pantalla.

Con la soberbia dirección de Steve McQueen, Shame se convierte más que en una película, en una obra de arte. Esta es una muestra más del talento expresivo del director inglés: la narrativa del encuadre, los juegos de montaje paralelo, su cuidadísima estética visual, la ambigüedad moral de su guión, la capacidad para despertar sensación de desasosiego en el espectador... Y no me puedo olvidar de mencionar un soberbio trabajo de fotografía y uso de los colores del siempre magnífico Sean Bobbit. Todo funciona en esta magnífica obra amarga y turbadora que no tengo miedo de catalogar como maestra. Ante tan perfecta sinfonía de imágenes, sonidos y silencios prefiero hablar poco: no vaya a ser que sea incapaz de plasmar en esta entrada lo grande que es el filme de McQueen.

NO ESTRENOS: El sueño americano no era para todos

Título: Winter's Bone

Director: Debra Granik

Guión: Debra Granik, Anne Rosellini (Novela: Daniel Woodrell)

Fotografía: Michael McDonough

Año: 2010

Duración: 100 min.

País: Estados Unidos

Productora: Roadside Attractions / Anonymous Content / Winter's Bone Productions

Reparto: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Lauren Sweetser, Sheryl Lee, Kevin Breznahan,Isaiah Stone, Ashlee Thompson, Shelley Waggener, Garret Dillahunt

Crítica de @PauGarcia179

Que el cine es un arte preocupantemente masculino (a bote pronto, sólo se me ocurren los nombres de Kathryn Bigelow, Sofia Coppola, Isabel Coixet y Mar Coll) es algo obvio. En el terreno de las actuaciones la balanza se equilibra, aunque las actrices muchas veces tienen que interpretar personajes carentes de interés o dependientes del protagonista masculino (la novia, la madre, etc). Afortunadamente, encontramos excepciones como algunas de las películas de Lars von Trier ('Dogville', 'Melancolía', 'Dancer in the Dark', etc.) o el caso de la película de hoy: 'Winter's Bone', interpretada por Jennifer Lawrence y dirigida por Debra Granik. Actriz protagonista y directora: ya era hora. 

Ree es una chica de 17 años con el padre desaparecido y la madre enferma incapacitada. Debido a esta situación, debe hacerse cargo de su madre y de sus dos hermanos pequeños. Aunque las cosas ya eran bastante complicadas, la policía le informa que su padre ha desaparecido cuando salió de la cárcel en libertad condicional, y si no aparece perderán la casa donde viven. Ree deberá encontrar a su padre para no perder su hogar.

Una de las escenas más naturales y conmovedoras de la película

Una bonita y melancólica canción folk, cantada sin más instrumentos que la propia voz, nos introduce en el ambiente rural de la película. Pero éste no es el lugar idílico donde el ser humano consigue la paz espiritual tras huir de la ciudad, no, es el lugar donde el sueño americano no existe, donde la tierra de las oportunidades se descubre como la gran mentira que siempre ha sido. La complicada situación de Ree y su familia solo se ve empeorada por aquellos que tendrían que proteger al pueblo, por la ley que actúa en base a una lógica irracional e inhumana. Obligada a madurar por las terribles circunstancias, el personaje de Ree se alza como única salvación para su familia, con un cariño y estima hacia su madre y sus dos pequeños hermanos que contrasta con la frialdad absoluta con la que afronta los problemas y las personas que dificultan la sencilla existencia de su familia. 

Ree es tan importante en su familia como Jennifer Lawrence en el film, en la que consigue una verosimilitud indispensable para llevar a buen puerto el protagonismo absoluto de la película. Pese a su aparente aspereza y la ya comentada frialdad del personaje, Lawrence actúa bien en los registros dramáticos que le propone la directora Debra Granik, con una de las escenas más escalofriantes del cine independiente (la del lago, concretamente) que la protagonista de 'The Hunger Games' resuelve con soltura con su admirable interpretación. 

Granik y McDonough  reflejan el ambiente sombrío en la composición de planos

Aunque no haya nada especialmente interesante en la dirección -siempre dependientes de la cámara en mano-, la fotografía nos deja con un par de planos que transmiten la hosquedad de los ambientes por los que se mueve Ree con tal de encontrar a su padre. Un ambiente donde los hombres están al mando y las mujeres están en una posición de sumisión. Esto lo denuncia la directora en una de las escenas de 'Winter's Bone', cuando, en boca del personaje Ree denuncia el sometimiento de la mujer, esté casada o no: "Es muy triste ver que no te deja hacer algo y simplemente no lo haces."

Debra Granik compone una película realista y áspera en un ambiente rural de lo más sombrío, con situaciones conmovedoras y otras espeluznantes, que tiene más de drama que de thriller o intriga, y consigue sacar lo mejor de una Jennifer Lawrence que consiguió hacerse un nombre con esta notable película. 

La película de vampiros de Jim Jarmusch

Título: Only Lovers Left Alive

Director: Jim Jarmusch

Guión: Jim Jarmusch

Fotografía: Yorick Le Saux

Año: 2013

Duración: 123 min.

País: Estados Unidos

Productora: Recorded Picture Company / Pandora Films / Faliro House Productions

Reparto: Tilda Swinton, Tom Hiddleston, Mia Wasikowska, John Hurt, Anton Yelchin, Slimane Dazi, Jeffrey Wright

Crítica de @PaulPorcoRosso

¾     Un día va a ser famosa.

¾     Espero que no, es demasiado buena para ello.

"Only Lovers Left Alive" no es una película para todos los públicos, para nada. Pero visto su director, tampoco es nada sorprendente: Jim Jarmusch es el cineasta americano independiente por excelencia, y su cine, excéntrico y tremendamente personal, se caracteriza por básicamente dos puntos. El primero, es su huída de las estructuras narrativas convencionales de Hollywood, y el segundo es la confección de guiones (que pueden ser más o menos buenos) donde la historia no es tan importante como la conexión entre sus personajes, que vagan de un sitio para otro sin dejar claro al espectador porqué lo hacen. Así que una película de vampiros en la que él dirige y escribe el guión es cuanto menos una experiencia interesante.

Un vampiro y músico llamado Adam (Tom Hiddleston) habita en la oscuridad de su caserón de dos pisos en un suburbio de la ciudad de Detroit. Duerme de día y compone música y experimenta de noche, y se encuentra en un estado de profunda depresión hasta el punto de pensar en el suicidio. Su amada esposa, Eve (Tilda Swinton) es lo opuesto: vitalista, amante de la cultura, observadora del idílico modo de vida de Tánger, donde reside con un enigmático vampiro escritor amigo suyo. Que Adam y Eve se encuentren será la única forma de salvar a Adam de su espiral de desesperación.

La vuelta de tuerca al subgénero que da Jarmusch es hacia la integración de los vampiros al mundo moderno, y la visión del mundo des de los ojos de estos seres. Gentes solitarias, incomprendidas y con una extraña modernidad que han vivido varias vidas y aman tanto el planeta que desprecian a la mayoría de humanos (a los que ellos llaman zombis) por el mal trato que éstos hacen del que es su hogar. Desprecian su incomprensión hacia el mundo cultural y hacia la Historia. Y desprecian a una sociedad que está podrida, igual de podrida que la humanidad en sí misma. Las drogas, las enfermedades fruto del maltrato al medio habiente, el efecto invernadero. Constantes maltratos al mundo que les rodea que es la única cosa por la que existen. Sólo su mutua compañía les salva de la tristeza mayúscula que les provoca la vida humana.

Estos eruditos personajes, vampiros cool brillantemente interpretados por Hiddleston y Swinton, narran sus experiencias vitales como cronistas que han conocido más de lo que haría un ser humano en diez vidas. Sus relatos, a veces amargos y nostálgicos y otras veces contados des de la angustia más profunda, ofrecen una visión deprimente de una ciudad de Detroit antes florida y rimbombante, y ahora en el olvido más absoluto y doloroso. El uso de la música es primordial en "Only lovers left alive", es un pequeño oasis de serenidad y belleza en un mundo sórdido y profundamente dramático. Un pequeño respiro del mundo para espectador y personajes: melancolía en un pentagrama que combina con las tinieblas de una Detroit oscura y deprimente perfectamente retratada por Yorick Le Saux.

Por la película transitarán, aparte de Adam y Eve, personajes que intentarán romper el equilibrio que consiguen entre ellos dos (la hermana de Eve, Ava), humanos (o zombis) que usarán para conseguir alimento y caprichos materiales varios, e incluso un sabio vampiro escritor de las novelas de Shakespeare (Kit, el amigo de Eve en Tánger). Todos ellos desaprovechados. Pero es que lo importante en "Only lovers..." es el amor que se profesan Adam y Eve, que soporta el erosivo paso del tiempo y convierte sus existencias en algo más sobrellevable.

Dirán algunos que "Only lovers left alive" es la película más pretenciosa sobre vampirismo hipster hecha por el cineasta más hipster, una obra pedante en contra de lo mainstream o el esnobismo hecho película. Pero para mí, es un poema musical tremendamente melancólico. Igual es que soy algo hipster, también.

Lo mejor: dirección, guión y las geniales interpretaciones de Hiddleston y Swinton.
Lo peor: su ritmo lento por momentos soporífero, y los desaprovechados personajes de John Hurt y Mia Wasikowska.

Crítica original en Pandora Magazine

#reflexionesdecine - 2014, ¿el gran año de las series?

Hoy, las #reflexionesdecine corren a cargo de @PaulPorcoRosso

La tercera edad de oro de la televisión, iniciada en los noventa por series como The X-Files, Twin Peaks y The Sopranos, parece llegar poco a poco a su punto álgido: los actores del cine se pasan a la televisión, los presupuestos se incrementan hasta asombrar al mismísimo Michael Bay y los guiones nos dejan maltrechos en la cuneta llorando por la llegada de un nuevo episodio. ¿Puede ser que este 2014 sea uno de esos años a recordar en cuanto a la calidad de las series estrenadas se refiere?

No me aventuro a dar una respuesta a esa pregunta, ni de coña. Pero lo que sí me atrevo a hacer es repasar un poco las grandes series que se han estrenado (y se van a estrenar) en este 2014. Lo que seguro se puede afirmar con rotundidad es que propuestas, en la televisión, no faltan: hay para todos los gustos y géneros. Vamos allá.

True Detective, de Cary Joji Fukunaga y Nik Pizzolatto

True Detective apenas necesita presentación. Esta serie de la HBO narra una investigación policial en Louisiana durante 17 años. El nihilista Rust Cohle (Matthew McConaughey en su annus magnificus) y su compañero (más lobo que cordero) Martin Hart (Woody Harrelson) se sumergen en la oscuridad del mundo de las drogas y los asesinatos mediante ritos satánicos. Dirigen y escriben Cary Joji Fukunaga y Nik Pizzolatto la serie de 8 episodios en tensión creciente que ha puesto en jaque al mundo entero con su narrativa magnífica y su fotografía perfecta. Si queréis leer más, se han escrito grandes artículos sobre la serie como el de @jlamotta23 en dehparadox.es y el de @Caith_Sith en su tumblr caithsandbox. Ante tan grandes escritos me rindo.

Silicon Valley, de Mike Judge, Alec Berg, Tricia Brock y Maggie Carey

Silicon Valley nos sitúa en la meca de la informática en los Estados Unidos, y sigue el periplo de cinco jóvenes (desarrolladores, ingenieros y futuros Steve Jobs) luchando para instaurar su empresa (poseedora de un potente algoritmo para comprimir archivos) en la selva corporativa. Llena de personajes entrañables y parodias de personalidades reales, Silicon Valley se erige como una versión de pago (su cadena de origen en Estados Unidos es la HBO) de The Big Bang Theory, aunque más cinematográfica, más geek, y para el que esto escribe, mucho más divertida.

Fargo, de Adam Bernstein, Randall Einhorn, Matt Shakman y Scott Winant

Pensaba que con True Detective ya había visto lo mejor del año, y entonces empecé a ver Fargo. Esta es la primera vez de los hermanos Coen en la pequeña pantalla: ellos mismos (junto con Noah Hawley, guionista de Bones) firman el libreto de esta serie que mezcla un extraordinario drama criminal con la comedia negra marca de la casa Coen. ¿Es lo mismo que la película de 1996? Sí y no. Sí porque todo nos resulta familiar: un aburrido pueblo de Minnesota siempre nevado, personajes majaras en líos pintorescos, una mujer policía mucho más incisiva de lo que parece... Y no porque pone patas arriba el argumento que ya conocemos des de 1996. Con un reparto a tener en cuenta (des de Bob Odenkirk hasta Billy Bob Thorton), no tenemos que dudar de que competirá por los grandes premios de la televisión, si bien al público ya se lo ha ganado. Fargo es poesía visual al máximo exponente, y un guiño constante a la propuesta original.

Cosmos: A SpaceTime Odyssey, de Ann Druyan, Steven Soter, Bill Pope y Brannon Braga

Vale. Ya sé que Cosmos: A SpaceTime Odyssey no es exactamente una serie de televisión. Pero no se puede hablar del gran año del pequeño formato sin sacar esta mastodóntica producción de Seth McFarlane en aras de actualizar la lejana Cosmos de Carl Sagan. En este remake/review del icónico documental de los años ochenta el narrador es el prestigioso Neil deGresse Tyson, que se sirve de su poderosa voz, la nostalgia ochentera y una belleza de imágenes inigualable para divertirnos y emocionarnos a la vez que nos enseña conocimientos básicos de ciencia. Imperdible.

Marvel's Agents of S.H.I.E,L.D, de Joss Whedon y un montón de gente más

Pese a encontrarse a un nivel de calidad claramente inferior respecto a las otras nombradas aquí, Marvel's Agents of S.H.I.E.L.D es una de las series de la temporada como mínimo en lo que a expectación se refiere. Supone, primero de todo, la vuelta de Whedon a la pequeña pantalla (cosa que los fans de Buffy y Firefly agradecemos hasta límites insospechados), y además, engrandece el Universo que Marvel teje poco a poco mediante películas y series (con el éxito de S.H.I.E.L.D ya se ha puesto en marcha Agent Carter) para el deleite del fan-espectador. Para los, como yo, fans de los superhéroes y la acción, una serie a tener en cuenta.

Y más...

No quiero cerrar esta entrada en el blog sin dejar de hablar de series que me llaman pero aún no he tenido la oportunidad de ver, como Penny Dreadful, Salem y Masters of Sex, y de series que aún no se han estrenado pero que prometen, como Better Call Saul, Constantine y Wayward Pines. Por no hablar de la tradicional vuelta a las pequeñas pantallas de grandes como Modern Family, The Good Wife, Mad Men, Game of Thrones, Louie y Hannibal, entre las muchas otras que seguro estoy olvidando. En conclusión: si no es el gran año de las series, estoy seguro de que se le acerca.