La grande, grande, grande bellezza

Título: La grande Bellezza (La gran belleza)
Director: Paolo Sorrentino
Guión: Paolo Sorrentino, Umberto Contarello
Fotografía: Luca Bigazzi
Año: 2013
Duración: 142 min.
País: Italia
Productora: Coproducción Italia-Francia; Indigo Film / Medusa Film / Mediaset / Pathé / France 2 Cinéma / Babe Film / Canal+
Reparto: Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Serena Grandi, Isabella Ferrari, Giulia Di Quilio, Luca Marinelli, Giorgio Pasotti, Massimo Popolizio

Este año, el jurado de Cannes 2013 se olvidó de incluir entre sus películas premiadas esta nueva colaboración entre el realizador napolitano Paolo Sorrentino y el actor Toni Servillio, la película sobre la que ahora mismo me lanzo a opinar: La Grande Bellezza. Es quizás una apuesta tan arriesgada como también lo fue en esta edición Only God Forgives, por su hastío hacia la narrativa habitual, y su ardiente, intensa, y apasionada formalidad técnica. A lo mejor por eso ambas fueron evitadas en pro de La vie d'Adéle, más convencional en forma, pero mucho más arriesgada en fondo. Decisión más que respetable (y más cuando se trata de una hecha por el mismísimo Spielberg), pero de la que, lejos de compartir, rehúyo.

Jep Gambardella (Toni Servillio), cronista y vividor, echa una mirada atrás a su existencia poco después de cumplir los 65 años. Toda su vida ha girado en torno al éxito de su primera y única novela: desde entonces se ha relacionado con los círculos literarios y artísticos de la más alta esfera romana.

Ero destinato a la sensibilità. Ero destinato a diventare uno scrittore...

Prima-hermana de La Dolce Vita de Fellini, sucesora del magnetismo cómico de Woody Allen, reminiscente del Pasolini de Saló, y heredera del mantra (acuñado por P.T. Anderson) "se debe captar la atención del espectador durante los cinco primeros minutos", La Grande Bellezza es un viaje por la mente de un hombre que a sus 65 años de edad repara en el inexorable y nefasto avance del tiempo. Avance que esconde bajo kilos de botox, un frenesí imparable de fiestas, y una banda sonora en la que destaca el remix de uno de los grandes hits de Rafaella Carrá. Y eso dice mucho: la canción es la misma, sólo que se niega a crecer. Su alma intenta, con todos sus medios, resistirse a sucumbir ante la inminente (y definitiva) llegada de la decadencia mediante el fingimiento de la felicidad y el máximo exceso. Jep Gambardella (impecable e imperdible interpretación de Servillio) y sus compañeros nocturnos, todos ahijados de Roma, al igual que la canción (otrora símbolo de toda una generación), se refugian en la gloria de los tiempos ya pasados, e internamente se lamentan de lo que han perdido y les impide alcanzar una existencia plenamente satisfactoria, llevándolos a un deterioro anímico escondido bajo la superficialidad de las grandes y orgiásticas fiestas, y la hipocresía y máxima ostentación de las altas esferas. Al final, sólo al final, Jep logrará aceptar la realidad, y vivir en harmonía con ella.

... Ero destinato a diventare... Jep Gambardella.

Por si todo esto fuera poco, el escenario por el que deambulan sus viejos y deteriorados personajes no es otro que Roma, hogar de lo viejo y deteriorado (pero, igual que ellos, reformado). El escenario perfecto para este gran guiñol en el que se encuentran convertidas las vidas de todo el que rodea a nuestro protagonista, el rey de lo mundano. Un escenario retratado con, valga la redundancia, gran belleza por el director de fotografía de Luca Bigazzi.

Sorrentino nos habla de la imposibilidad de alcanzar o ni siquiera de rozar la "grande bellezza" en un mundo roto y superficial, y, paradójicamente, nos la muestra durante algo más de dos horas. Sorrentino nos habla del fin de la fiesta, y a la vez, del inicio de la más grande de todas. Sorrentino nos habla de todo, y de nada.

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'jOBS': entretenido biopic telefilmero

Título: jOBS
Director: Joshua Michael Stern
Guión: Matt Whiteley
Fotografía: Russell Carpenter
Año: 2013
Duración: 122 min
País: Estados Unidos
Productora: Open Road Films / Five Star Institute
Reparto: Ashton Kutcher, Dermot Mulroney, Josh Gad, Matthew Modine, James Woods, Amanda Crew, J.K. Simmons, Lesley Ann Warren, Jeremy Shada, Lukas Haas, Ron Eldard, Ronnie Gene Belvins, Ahna O'Reilly

Para los que no conozcan la filmografía previa de Joshua Michael Stern, diremos que es un director del montón, caracterizado por una sensiblería vomitiva más propia de las telemovies en sus filmes. A jOBS le preceden Neverwas (El libro mágico) y Swing Vote (El último voto), que, para qué nos vamos a engañar, no recomendaría ni a mi peor enemigo.

Es una película biográfica (biopic) sobre el visionario del mundo comercial Steve Jobs (1955-2011), cofundador de Apple, centrada en los inicios de la empresa, su creación y su evolución. La película no va a sorprender a los que ya conozcan la vida y milagros de Steve Jobs y tampoco va a asombrar a los que (como yo) no lo hacían, pero aún así será un entretenimiento placentero para ambos. Evidentemente no llega a la profundidad ni contundencia de otros increíbles biopics como la Social Network de Fincher o el Raging Bull de Scorsese ni por asomo, pero está decentemente narrada.

Hay dos cosas muy buenas en jOBS: la primera es el parecido real (prácticamente no existe caracterización) de Ashton Kutcher con el carismático fundador de Apple, y el trabajo del actor detrás su interpretación. Cada movimiento, cada palabra, cada posición del cuerpo es como si tuviéramos en la pantalla a una nueva versión más joven del empresario. La segunda es el hecho de mostrar acertadamente el lado hostil y oscuro del de San Francisco.

Steve Jobs, Ashton Kutcher, y su parecido excepcional

Lo que no es tan bueno es este aire a telefilme de Antena 3, esa superficialidad con la que se trata toda relación personal del protagonista, y el hecho de que el final parezca un anuncio cantando las alabanzas de Apple.

Lo mejor: sin dudarlo ni un segundo, Ashton Kutcher. Aunque el espectador no encuentre interés en la trama puede sólo asombrarse de su interpretación.

Lo peor: que pese a descubrirnos una parte del oscuro Jobs, acabe pareciendo un biopic sobre Apple.


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'Blue Jasmine', vuelve el mejor Woody Allen


Título: Blue Jasmine
Director: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Año: 2013
Duración: 98 min
País: Estados Unidos
Productora: Sony Pictures / Gravier Productions / Perdido ProductionsReparto: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Sally Hawkins, Bobby Cannavale, Peter Sarsgaard, Louis C.K., Michael Stuhlbarg, Andrew Dice Clay, Max Casella, Tammy Blanchard, Alden Ehrenreich

Después de la mediocre y superficial 'To Rome With Love' (2012), Woody Allen estrena en 2013 'Blue Jasmine', la película que para mí supone el retorno del mejor Woody Allen. El cineasta de Nueva York no sólo dirige una película al año (como es el caso de Takashi Miike, que incluso dirige un par al año con irregulares resultados), también escribe el guión de todos sus films, así que el mérito es aún mayor. Pese a tener unas mejores que otras, lo cierto es que sus peores películas podrían pasar por las mejores de otros cineastas que no tienen el talento del director que prefiere su clarinete al circo de los Óscar. 

Jasmine es una mujer adinerada que vive de los éxitos económicos de su marido, Hal, que trabaja en el negocio immobiliario y que hizo fortuna a base de estafar y engañar a la gente que confiaban en él. Jasmine, viviendo en su burbuja inquebrantable, se encontraba a gusto con sus joyas, sus vestidos y los negocios turbios de su marido que insistía en ignorar para seguir con su vacía vida de lujos y caprichos. Cuando el FBI detiene a Hal y ella se encuentra en bancarrota, decide pedir ayuda a su hermana Ginger, quién vive en San Francisco y que también fue víctima de los engaños de Hal.

¿Quiénes son los verdaderos frcasados?
Woody Allen acostumbra a narrar historias con personajes pertenecientes a la burguesía o a la clase alta de la sociedad, pues es lo que él conoce, ya que desde que era pequeño vivía en una família que él mismo define como «burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa». Sin embargo, nunca ha hecho tanto crítica (o incluso autocrítica) de la burguesía o la clase alta como en 'Blue Jasmine', pues la protagonista reúne las características más irritantes de una persona perteneciente a esta clase social: arrogante, clasista, orgullosa de la clase social a la que pertenece, despreciable y avergonzada de los que no son como ellos, a quién tilda de "fracasados" por no llevar una vida tan vacía, acomodaticia y caprichosa como la suya. 

Jasmine, de hecho, se llama originalmente Jeanette, pero se cambió su nombre porque el otro "no tenía glamour", lo cuál define perfectamente su forma de ser y de ver la vida. Su hermana, Ginger, no se parece en nada a ella y ofrece un interesante contraste: los ricos (Jasmine) y "los fracasados" (Ginger y sus amantes), que en realidad llevan una vida más sencilla y honesta. Este contraste ayuda a identificarnos con Ginger, como alguien más como nosotros, más normal, y a rechazar profundamente el comportamiento y la manera de ser de la protagonista. 


Pese a que se comentaba que 'Blue Jasmine' tenía más de drama que de comedia, lo cierto es que un servidor se ha reído a carcajadas con esta película, y, como decía Lars von Trier en una entrevista,  "las buenas comedias nunca son inofensivas" y esta es, sin duda alguna, una muy buena comedia, porque además de divertida no tiene nada de inofensiva. Si bien el drama se supone que recae en la decadencia de Jasmine y la comedia en las desventuras de Ginger, lo cierto es que esa decadencia que Allen describe, por lo merecida que resulta y lo irritante del personaje que la sufre, nunca se percibe como dramática, y nos reímos a su costa de su confusión y perdición que, eso sí, le servirá, esperemos, para aprender la lección de una vez, salir de esa burbuja de acero y ver el mundo con otros ojos.
No es justo acabar esta crítica sin destacar la genial interpretación de Cate Blanchett que convence como la irritante, despreciable a ratos y decadente Jasmine. Sería injusto que no se llevara el Óscar a Mejor Actriz.

En definitiva, 'Blue Jasmine' es una mordaz comedia que critica de forma punzante la clase alta, retratándola con malicia pero con mucho humor, que cuenta con una gran interpretación de Cate Blanchett que suma puntos a la que es, sin duda, una de las mejores películas del año.

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'After Earth', la família Smith, y el genio oculto de Shyamalan

Título: After Earth
Director: M. Night Shyamalan
Guión: M. Night Shyamalan, Gary Whitta (basado en una historia de Will Smith)
Fotografía: Peter Suschitzky
Año: 2013
Duración: 100 min
País: Estados Unidos
Productora: Sony Pictures / Columbia Pictures / Overbook Entertainment / Blinding Edge Pictures
Reparto: Jaden Smith, Will Smith, Sophie Okonedo, Zoe Kravitz, Kristofer Hivju, Sacha Dhawan, Chris Geere, David Denman, Monika Jolly, Jaden Martin

La entrada de Shyamalan en el negocio cinematográfico como director (su primer trabajo fue como guionista con Stuart Little) nos dejó cuatro clásicos instantáneos de culto: The Sixth Sense, Unbreakable, Signs y la algo inferior The Village. Esto creó unas expectativas sobre toda su carrera que llevaron a la crítica a darle el apelativo (que él aceptó sin rechistar) de "nuevo Spielberg". Cierto es que desde entonces su genialidad se ha ido diluyendo filme tras filme, cosa que ha hecho que su carrera cayera en picado, creando una legión de detractores de su trabajo que no dudan en machacar sus nuevas películas sin importar si estas son buenas, mediocres o malas. Porque queda muy bien criticar a Shyamalan.

Así pues, desde The Village el director estadounidense de origen indio ha realizado cuatro filmes más, sin duda no tan buenos como los de sus inicios, pero, menos Airbender (impersonal adaptación de una serie japonesa animada) con su sello personal. After Earth, pues, es su último trabajo, con un guión escrito por él mismo conjuntamente con Gary Whitta (guionista de The Book of Eli), basado en una historia de Will Smith, que produce y protagoniza junto a su hijo.


Una serie de cataclismos fuerzan a la humanidad a abandonar la Tierra y a convertir al planeta Nova Prime en su nuevo hogar. Más o menos 1000 años más tarde, una raza alienígena intenta conquistar Nova Prime, usando como armas a los Ursas: unas criaturas ciegas que cazan "oliendo" el miedo de sus contrincantes. El general Cypher Raige (Will Smith) consigue eliminar completamente su miedo convirtiéndose en invisible a las Ursas y llevando a la raza humana a la victoria. El hijo del general, Kitai Raige (Jaden Smith) acompaña a su padre, con el que tiene una tortuosa relación, a un misión a otro planeta cuando tienen un accidente en medio de una tormenta de asteroides...
Cabe decir (antes de nada) que el filme es un encargo de Will Smith para el lucimiento de su hijo Jaden. Esto nos da una idea de en qué se puede convertir esta película con una premisa muy interesante y un tono ecológico comprometido: en una aventura por una Tierra inhóspita con cierto aire a videojuego en la que lo importante es llegar del punto A al punto B con la máxima acción posible. Por suerte Will cuenta con la mente pensante de Shyamalan, que dota a la historia de cierto fondo y de un interesante drama familiar, eso sí, algo trillado.

Ninguno de los dos Smith está acertado en la película. El padre puede hacerlo mucho mejor, y el papel que se ha guardado para él (de padre duro e inamovible) no es el mejor que ha interpretado, y luego está el hijo. Jaden Smith pierde en cualquier comparación con una joven versión de su padre: le falta carisma y dotes interpretativas. Con eso no quiero decir que pueda convertirse algún día en un buen actor, pero ahora por ahora, deberá asistir a alguna clase de interpretación y aguantar alguna nominación más a razzie.


Como punto a favor del filme se debe decir que no aburre en ningún momento, la factura técnica es impecable (cuenta con una ambientación preciosa), y parte de una interesante premisa. No vale demasiado la pena, sí. Pero como mínimo es mejor que The Last Airbender. En definitiva: puede que After Earth sea un mediocre paso hacia la pérdida total de un genio del cine, o sólo una parada más en el trayecto de renacimiento de Shyamalan. Tendremos que esperar a la siguiente película para decidirlo.

Lo mejor: es corta y no aburre. Además, los primeros compases son interesantes.
Lo peor: Jaden, Will, y la sensación de que After Earth podría ser mucho mejor videojuego que película.

Por cierto, ¿alguien ha entendido porqué las puertas de la nueva civilización humana son como cepillos?


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'Nymphomaniac Vol. I', el sexo, y Lars von Trier

Crítica de @PaulPorcoRosso

El ser humano tiene, por definición, la obsesión por clasificar y etiquetar todo lo que es descubierto. Y lo que es más importante, curiosidad para descubrir. De eso trata Nymphomaniac. Una mujer, Joe (Gainsbourg) es encontrada sangrante y apaleada en el callejón de una ciudad sin nombre donde reinan el frío y el mal tiempo, por un profesor antisionista de ascendencia judía, Seligman (Stellan Skarsgard), que le ofrece una taza de té con leche en su casa. Allí, Joe se culpa por una existencia dedicada al descubrimiento obsesivo del sexo, definiéndose a sí misma como ninfómana, y empieza a contarle la historia de su vida a Seligman, dividiéndola en 8 capítulos.

Pero también es más que eso. Es, además de una historia sobre vergüenza y depresión, la voluntad de Trier de humanizar el sexo, rebajarlo a la naturalidad. Una oportunidad que tiene Lars de hablar sin tapujos, contar verdades, sin interrupciones (sólo las de Skarsgard) y sin preguntas. Por así decirlo, una rueda de prensa de lo más atípica. O, a lo mejor, la más típica de von Trier.

Nymphomaniac Vol. I comprende los primeros 5 capítulos de este nuevo delirio del director danés. Primero, el despertar sexual y su paralelismo con la pesca en mosca; segundo, el florecimiento del amor; tercero, la rotura de un amor que no es el suyo; cuarto, la muerte; y el quinto, quizás el mejor de los cinco por ser en el que más somos capaces de reconocer a Lars, Bach y el sexo. Denso, ¿eh? A mi parecer, von Trier ha echado pedazos de su alma en esta película. Veo (a lo mejor obligado por la parte más romántica de mi raciocinio) lazos con las anteriores películas del danés en ciertos capítulos, por lo que formalmente es un poco de cada una: la atmósfera de Antichrist en el capítulo 4, primera parte de Melancholia en el 3, algo de Dogville en el planteamiento del relato... E incluso veo el sarcasmo de Trier al explicar la diferencia entre antisionista y antisemita. Y todo eso me gusta, y mucho.

Chapter 5: The Little Organ School

En el sector interpretativo de esta primera parte, se pueden destacar por encima del resto (que aún así trabaja a un altísimo nivel) a Stacey Martin (versión joven de Joe), Uma Thurman, y Shia LaBeouf, así como a Gainsbourg y Skarsgard por la forma de llevar el relato y en cierto modo, arrancar una sonrisa luego de momentos de tensión o sexo desenfrenado. Aquí Gainsbourg es Trier, y Skarsgard somos nosotros, el público. Ella dispuesta a contar, y nosotros a escuchar, y, obviamente, a cuestionar lo escuchado.

Da igual cuál es la experiencia personal de cada uno con el filme, a Lars se la suda. Estamos a su servicio, y nos lleva de un punto a otro, siempre a su manera. Nymphomaniac Vol. I es puro Lars von Trier. Podrá gustarte más o menos, parecerte desagradable y hacer que te duelan los ojos, incluso ver en ella un intento de provocación. Pero no puedes atreverte a negarle su calidad técnica e innovación. Igual que no puedes negárselo a Trier. Un servidor desea por fin terminarla (con el visionado del segundo volumen) y repetir la experiencia las veces que sean necesarias.




Título: Nymphomaniac Volume I
Director: Lars von Trier
Guión: Lars von Trier
Fotografía: Manuel Alberto Claro
Año: 2013
Duración: 117 min.
País: Dinamarca
Productora: Coproducción Dinamarca-Alemania-Francia-Bélgica; Zentropa Entertainments
Reparto: Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgard, Stacy Martin, Shia LaBeouf, Connie Nielsen, Christian Slater, Nicolas Bro, Jesper Christensen, Uma Thurman, Jean-Marc Barr, Caroline Goodall, Kate Ashfield, Saskia Reeves, Jens Albinus, Sophie Kennedy Clark, Mia Goth, Omar Shargawi, Severin von Hoensbroech

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'The Wolverine', Jackman sigue con sus garras

Título: The Wolverine (Lobezno Inmortal)
Director: James Manglod
Guión: Scott Frank, Mark Bomback (cómic de Frank Miller y Chris Claremont)
Fotografía: Ross Emery
Año: 2013
Duración: 126 min.
País: Estados Unidos
Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Marvel Entertainment / Dune Entertainment
Reparto: Hugh Jackman, Tao Okamoto, Rila Fukushima, Hiroyuki Sanada, Famke Janssen, Brian Tee, Svetlana Khodchenkova, Hal Yamanouchi, Will Yun Lee, Ken Yamamura, Shinji Ikefuji, Conrad Coleby, Taris Tyler, Kimi, Louis Toshio Okada, Hiroshi Kasuga

Llega The Wolverine, la sexta película del universo X-Men, que está dirigida por James Mangold, conocido por Walk the Line, 3:10 to Yuma y Knight & Day, que ya trabajó con Hugh Jackman en Kate & Leopold. Antes de recaer la dirección en Mangold, estuvo vinculado con el proyecto Darren Aronofsky (Black Swan, Requiem for a dream), que sin duda habría mejorado el resultado final.

En esta entrega, Logan (Jackman), atormentado por haber acabado con la vida de su amor, Jean Gray (Famke Janssen), viajará a Japón para visitar a Yashida, un antiguo amigo que está a las puertas de la muerte (Hal Yamanouchi). Allí, se enfrentará a la pérdida de sus poderes de regeneración y a la mafia yakuza que pretende acabar con la vida de la nieta de Yashida, Mariko (Tao Okamoto).

"You tried to kill your daughter. Live with that."

Esta es la segunda parte de la saga de películas X-Men basadas en el origen del personaje de Lobezno. Cronológicamente estaría situada entre X-Men 3: The Last Stand y X-Men: Days of future past que se estrenará el año próximo. Esta nueva entrega del carismático superhéroe de las garras de adamantium y la rápida regeneración de tejidos interpretado por Hugh Jackman es sustancialmente mejor que la primera, X-Men Origins: Wolverine, pero, en los tiempos que corren (de revolución en el los filmes de superhéroes que nos ha dejado grandes títulos de ciencia ficción como The Dark Knight y The Avengers), es bastante floja.

Es una película bastante entretenida, diferente (como ya lo fue X-Men: First Class) a todas las demás de la saga, pero no buena, y además decepcionante, teniendo en cuenta la escena inicial que sitúa la acción en Nagasaki el 9 de agosto de 1945, que bien vale el precio de la entrada. 

Cronología de las películas de X-Men. Fuente: http://meteoritoperdido.blogspot.com.es/

The Wolverine entra en esa categoría de filmes fallidos de los que probablemente no te acordarás dentro de un mes (o una semana, qué más da). La introducción de la cultura asiática de yakuza, samuráis y ninjas es fresca y jugosa, pero desaprovechada por guionistas y director, el drama romántico se hace pesado como ya ocurría en Origins (y en Last Stand), y la acción es totalmente insuficiente a lo que se le requiere a un filme de estas características. Lo más indignante, eso sí, es el final más típico de películas de acción de mala calidad en que Jackman deberá enfrentarse al malo malísimo en un duelo a muerte.

En definitiva, sólo falta desear que la próxima película de X-Men siga más los derroteros de First Class y Bryan Singer consiga realzar la saga de la patrulla X.

Lo mejor: la lucha entre Jackman y Hiroyuki Sanada, y la escena post-créditos.
Lo peor: que los guionistas desaprovechen la carisma de Lobezno, y que se repitan las escenas románticas pseudo-dramáticas que hicieron de X-Men Origins: Wolverine una mala película.

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'Killing Season', la caza y la vejez

Título: Killing Season
Director: Mark Steven Johnson
Guión: Evan Daugherty
Fotografía: Peter Menzies Jr.
Año: 2013
Duración:  90 min.
País: Bélgica
Productora: Nu Image Films / Millennium Films / Corsan Pictures
Reparto: Robert de Niro, John Travolta, Milo Ventimiglia, Elizabeth Olin, Diana Lyubenova, Stefan Shterev, Kalin Sarmenov.

Vamos a ser francos: cogí la película con unas expectativas realmente bajas, casi nulas. Una película cuyo director nos dejó perlas como Daredevil y El motorista fantasma y un dúo protagonista en edad de jubilación y que ya hace tiempo que dejó de hacer selección de papeles para aceptar lo que llegase no era para bailar de alegría.

Benjamin Ford (Robert de Niro) es un veterano del ejército de los Estados Unidos  colmado de altos honores tras sus proezas en la Guerra de Bosnia, que vive retirado en una cabaña separada de la civilización en los montes Apalaches. Su vida es sencilla: recoge leña, sale a cazar de vez en cuando, cocina, se mantiene en forma y observa las llamas que calientan su estancia. Un día recibe la vista de un turista europeo, Emil Kovac (John Travolta), al que ofrece asilo en su casa. Después de trabar una inusual amistad,  deciden ir a cazar,  dónde el turista se destapa como un soldado serbio en busca de venganza. En los bosques empezará entonces una batalla hombre contra hombre que reabrirá antiguas heridas del pasado de ambos...

El filme tiene tres puntos a favor: las correctas actuaciones de los protagonistas, no resulta un mal entretenimiento y una preciosa fotografía. Sorprendentemente John Travolta nos regala una actuación muy correcta, fingiendo con su inglés un acento serbio la mar de interesante, y Robert de Niro, bueno, pega un bajón después de Silver Linings pero aún así no resulta un fracaso.

"Como vuelvas a poner ese acento, ¡te vuelo los sesos!"

Eso sí: la película tiene una trama algo sosa y excesivamente simple, pero es lo suficientemente entretenida como para no parar el DVD y apagar la televisión indignado. Es verdad que tiene soluciones poco coherentes y la característica estelar de los filmes de su género: los personajes de Travolta y de Niro nunca se dan el mate, cosa que permite alargar la acción y conseguir que ambos se escapen cuando están en manos del otro hasta llegar al desenlace.

En resumen, Killing Season no pasa de ser una película mediocre sin demasiada sustancia que se convierte en la mejor del director belga cuyo mayor problema es intentar dar una profundidad excesiva y fracasar en el intento de crear tensión, pero que aún así entretiene.

Lo mejor: la actuación de John Travolta, la corta duración, y que no sea aburrida.
Lo peor: la presencia de algunas escenas inverosímiles y algo ridículas que hacen que el filme pierda todo el suspense que podría haber creado potencialmente.

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'The Hobbit: The desolation of Smaug', Peter Jackson y el savoir-faire

Título: The Hobbit: The Desolation of Smaug (El Hobbit: La desolación de Smaug)
Director: Peter Jackson
Guión: Philippa Boyens, Peter Jackson, Fran Walsh, Guillermo del Toro (basado en la novela de J. R. R. Tolkien)
Fotografía: Andrew Lesnie
Año: 2013
Duración: 160 min.
País: Estados Unidos
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / New Line Cinema / WingNut Films
Reparto: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Aidan Turner, Graham McTavish, Jed Brophy, Luke Evans, Benedict Cumberbatch, Stephen Hunter, Ken Scott, Evangeline Lilly, Orlando Bloom, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Lee Pace, Sylvester McCoy, Cate Blanchett, Mikael Persbrandt, Stephen Fry, Ryan Gage

Peter Jackson sabe lo que se hace. Punto. Aquí debería acabar mi crítica. Esta segunda parte de The Hobbit es sencillamente genial como adaptación de un libro (en este caso, de una parte), pero es que además es brutal como experiencia cinematográfica. El neozelandés, junto con Fran Walsh, Philippa Boyens, y Guillermo del Toro añaden (Légolas, Tauriel), cortan (la participación de Beorn), suman importancia a ciertos personajes (Bardo), tiran de los apéndices de Tolkien de The Lord of the Rings (para profundizar en la subtrama de Gandalf en Dol Guldur y trazar un lazo más con la trilogía de principios de milenio), hacen y deshacen para convertir un mundo ya de por si alucinante en mágico

Espectacular visión de la Ciudad del Lago, la Venecia de la Tierra Media

Además, esta secuela es mucho más dinámica: ya que no hace falta hacer presentaciones. Conocemos a los personajes, y esto nos permite ir directos al meollo de la cuestión. Otro punto muy a favor del filme es la trasformación de Bilbo. Como bien dice en una conversación con Gandalf al inicio del metraje, algo ha cambiado en él. Empezamos a ver cómo el anillo hace mella en la personalidad del bonachón hobbit de Bolsón Cerrado.

Tomamos pues la historia donde la habíamos dejado un año atrás (no sin antes un, ya clásico, flashback de reclutamiento para introducir la acción) con Bilbo, Gandalf, y los 13 enanos en camino hacia la Montaña Solitaria. Al llegar a las puertas del Bosque Negro, Gandalf deberá marcharse, dejando a Bilbo y los enanos a su merced...

Las actuaciones van de buenas a excelentes, con mención especial de Ian McKellen como Gandalf, viejo conocido y siempre genial; Evangeline Lilly, que parece conocer mejor su papel que Orlando Bloom; Martin Freeman, que ahora sí, se ha hecho definitivamente con Bilbo y no puedo imaginarme a otro que no sea Ian Holm o él en su piel; y Benedict Cumberbatch. El dragón Smaug, ya de por si temible y feroz por su apariencia terrorífica y enorme tamaño (el sector de efectos especiales merece una matrícula de honor en este sentido) se convierte en monstruoso y sádico por la voz que Cumberbatch le presta. Además, éste tiene mucha química con Freeman (con el que es compañero de reparto en la serie Sherlock), y eso se nota.

"I am FIRE. I am... DEATH"

La adaptación, pues, es más personal, más Jackson. Y eso se nota, primero, en que la calidad de esta segunda parte se acerca bastante a la de la trilogía de The Lord of the Rings, y, segundo, en el manejo frenético de la cámara. Esta en pocos momentos para quieta, y es en la planificación en las escenas de acción (esperpéntica y deliciosa) dónde podemos reconocer a quién maneja la cámara por la Tierra Media. Para poner un ejemplo, la huida en barriles, como en el libro, es una de las mejores partes del relato. Esa, y la ya nombrada con Smaug y Bilbo. Por cierto, no podéis perderos los primeros segundos de película. Estad atentos porqué hay cameo de Peter Jackson, y cómo ya lo hizo en The Fellowship of the Ring... ¡comiéndose una zanahoria!

En resumen: altamente recomendable, merece estar entre los mejores filmes del año. Fans de Tolkien y fans de Jackson, daos la mano y disfrutad juntos del espectáculo. Ah, tomaos unos minutos para escuchar la canción con la que termina la película.

Lo mejor: el brutal trabajo de los guionistas, la dirección, y ese cliffhanger hijop**ense que nos marcará el inicio de una frenética tercera y última parte de The Hobbit. ¿Adaptará Peter Jackson el Silmarillion? Desde aquí, espero y deseo que la respuesta sea un rotundo .
Lo peor: pesa, y por desgracia, mucho, la presencia de la trilogía de The Lord of the Rings. Falta un tema clave en la banda sonora.

Peter Jackson sabe lo que hace.

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RETROSPECTIVA Lars von Trier: Dancer in the dark

Crítica de @PauGarcia179
'Dancer in the Dark' es la tercera película de la trilogía Golden Heart (Los corazones de oro) tras 'Breaking the Waves' (1996) e 'Idioterne' (1998). El filme se llevó la Palma de Oro en el Festival de Cannes así como el premio a Mejor Actriz para Björk, que por cierto describió el proceso de filmación como "emocionalmente agobiante", asegurando que sería su última aparición en una película.

Selma es una inmigrante checa que va a Estados Unidos, tierra de las oportunidades, para que operen a su hijo, que como ella tiene una enfermedad que le degenera la vista. Si ahorra suficiente dinero, podrá pagarle la operación a su hijo, pero ella se está quedando ciega. Selma convierte cualquier momento rutinario, por desagradable que sea, en una fantasía musical, pues si oye ruidos, ella es capaz de imaginar que todo es un musical porque, como dice Selma en un momento del filme "en un musical sabes que nada puede salir mal."

'Dancer in the Dark' puede impactar formalmente: está grabada en cámara en mano en las escenas dramáticas  y con 100 cámaras de vídeo (!) estáticas en las escenas musicales. La cámara en mano, muchas veces a cargo del propio von Trier, sigue muy de cerca las expresiones de los personajes, especialmente de Selma, interpretada de forma magistral por la cantante islandesa Björk, que no actúa, vive el personaje. Así, no sorprende que la cantante admita que el proceso de filmación fuese agotador, pues su actuación no fue una simple experiencia cinematográfica, fue una experiencia vital y emocional inolvidable pero durísima.

Aparte de Björk, también aparecen en el filme la actriz francesa Catherine Deneuve ('Belle de jour', Luis Buñuel), David Morse ('12 Monkeys', Terry Gilliam) y Peter Stormare ('Minority Report', Steven Spielberg) entre otros, pero aunque todos están correctos la actuación de Björk eclipsa a los demás actores. 


Lars von Trier demuestra una profunda sensibilidad para narrar esta gran tragedia que sacude el alma. Ésta es el filme que más me ha emocionado e impresionado de los que he visto en toda mi vida, es un drama desgarrador, una experiencia emocional inigualable que pone a prueba los sentidos y las emociones de los espectadores. Al contrario que otras películas del director, como Melancholia (2007) pese a ser dolorasamente triste, para mí no es depresiva, me transmite un punto inexplicable de esperanza, quizás a causa de la música, que todo lo cura, y de ese mensaje final.  

Tengo que reconocer que no me gustan particularmente los musicales, y como el personajes de Jeff, tampoco entiendo  "porque ellos simplemente empiezan a cantar y bailar. Quiero decir, jo no empiezo a cantar y bailar de repente...", pero lo cierto es que von Trier consigue que el musical no caiga en el ridículo, y mezcla realidad y fantasía de forma brillante, de modo que la música adquiere un papel fundamental, pues es la vía de escape de Selma para salir adelante, para no derrumbarse pese a quedarse ciega, puesto que lo único que la mueve a seguir adelante es su determinación para ahorrar dinero para la operación de su hijo.



Además, no falta la caricatura de los norteamericanos, donde sobretodo en el juicio hay frases delirantes como "Selma es comunista. ¡Dijo que en su país vivía mejor!" o "Este gran país la acoge con los brazos abiertos y ella lo traiciona y desprecia", como si fuera un motivo más para juzgarla cuando ella es seguramente la persona más bondadosa, inocente y justa de toda la sala del juicio. Además, aunque probablemente no sea el objetivo principal de von Trier, la dureza y injusticia de la pena de muerte que se transmite funciona como denuncia de una práctica inmoral aún existente en Estados Unidos.

De entre todas las secuencias, tengo que destacar la del final, esos terribles 107 pasos, con esa complicidad que se acaba creando con la guardia de seguridad de la cárcel, que, conocedora de la necesidad de Selma de oír ruido para "soñar despierta", va haciendo ruido con sus pasos; con la última canción interrumpida que hiela el corazón. 'Dancer in the Dark' es, en definitiva, una obra maestra que conmueve y que nos implica emocionalmente como nunca lo habíamos hecho, empatizando con la protagonista y su tragedia, que va mucho más allá de lo cinematográfico para convertirse en una experiencia vital que no olvidaremos en mucho tiempo. 

"They say it's the last song. They don't know us, you see. It's only the last song if we let it be."



Título: 'Dancer in the Dark
Director: Lars von Trier
Guión: Lars von Trier
Fotografía: Tom Elling
Año: 2000
Duración: 140 min.
País: Dinamarca
Productora: Coproducción Dinamarca-Alemania-Holanda-Italia-EEUU-Reino Unido-Francia-Suecia-Finlandia-Islandia-Noruega; Fine Line Features / Zentropa Entertainments4 / Trust Film Svenka / Liberator Production / Film I Väst
Reparto: Björk, Catherine Deneuve, David Morse, Peter Stormare, Jean-Marc Barr, Joel Grey, Udo Kier, Vincent Paterson, Cara Seymour, Vladica Kostic, Siobhan Fallon, Zeljko Ivanek, Jens Albinus

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'Enough Said', cuando la química lo es todo, y un recuerdo para James

Título: Enough Said (Sobran las palabras)
Director: Nicole Honofcener
Guión: Nicole Honofcener
Fotografía: Xavier Pérez Grobet
Año: 2013
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos
Productora: Fox Searchlight Pictures / Likely Story
Reparto: Julie Louis-Dreyfus, James Gandolfini, Toni Collette, Catherine Keener, Ben Falcone, Tavi Gevinson, Tracey Fairaway, Eve Hewson, Anjelah Johnson-Reyes, Toby Huss

Llega en los últimos estertores del mes de diciembre, y, por lo tanto, del año, una comedia romántica dirigida por la "especialista" Nicole Honofcener. Su debut en dirección y como guionista fue con Walking and Talking, filme aclamado por la crítica que le llevó (gracias a la comprensión hacia la mujer moderna y profesional) a dirigir capítulos de series de televisión centrados en mujeres como Sex and the City o Gilmore Girls. Uno de sus "tics" es la inclusión en sus películas de un personaje interpretado por Catherine Keener (Enough Said no es una excepción).

Eva (Louis-Dreyfus) es una madre divorciada que trabaja como masajista y espera con temor la inminente partida de su hija hacia la universidad. En una fiesta conoce a Albert (Gandolfini), un hombre dulce y divertido que padece el mismo temor que ella, y a Marianne (Keener), una mujer también divorciada que contrata sus servicios como masajista y poco a poco se convierte en su amiga.

Enough Said supone un retrato de la mediana edad, los prejuicios, las apariencias, la soledad, y los segundos amores. Todo esto, además, aderezado con unos más que solventes toques de comedia proporcionados por la casualidad y el destino (algo previsible, eso sí) que, en menor medida, suponen también un estudio sobre la contaminación del pensamiento y la influencia de las mujeres en otras. Pero la verdadera potencia del filme radica en una deliciosa elección de actores tan sumamente acertada: Gandolfini nos regala una última actuación sensible y magistral, confirmando una vez más el gran actor que se nos ha ido. Además, demuestra una química especial con Louis-Dreyfus: ambos forman una pareja que está adorable y divertida en cada momento que comparten en pantalla.


Así pues, os podéis olvidar de Hugh Grant, Adam Sandler, y similares. Enough Said supone una bocanada de aire fresco a este género, que parece estancado desde hace muchos años pero que de vez en cuando nos sorprende con filmes notables como este o Silver Linings Playbook el año pasado. El filme, por suerte, se aleja de los moldes y paradigmas del género: los problemas se antojan mucho más reales que en las comedias románticas habidas y por haber, y uno puede llegar a conectar realmente con sus personajes, a los que la hábil guionista consigue dotar de un fondo y de personalidad propia.

En definitiva, muy recomendable. De lejos la mejor comedia romántica del año que ya acaba.

Lo mejor: la química de la pareja en pantalla, y en concreto la actuación magnífica de Gandolfini. ¡Ah!, y ese "To Jim" con el que finaliza la acción y empiezan los títulos de crédito, que consigue que suelte una lágrima acompañada de una sonrisa.
Lo peor: tramas para añadir dramatismo al filme (relación madre-hija) o para conseguir risas (crisis en el matrimonio amigo de Eva) que no se cierran.


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